domingo, 31 de dezembro de 2006
"Le Dahlia noir" : magouilles et perversions dans le Los Angeles des années 1940
LE MONDE | 08.11.06 | 17h07 • Mis à jour le 14.11.06 | 08h09
Il y a trois Dahlia noir. Le premier, qui ne cesse d'engendrer des livres d'enquêtes, est né en 1947 avec la découverte à Los Angeles du cadavre d'Elisabeth Short, retrouvé nu, mutilé, éviscéré, coupé en deux à la hauteur de la taille et le visage ouvert d'un coup de couteau - un journaliste la surnomma "Dahlia noir" à cause de sa chevelure de jais.
Le deuxième est le roman que ce fait divers inspira en 1987 à l'Américain James Ellroy, où un flic de fiction assume le rôle ténébreux de double fantomatique de l'écrivain obsédé par le meurtre de sa propre mère. Le troisième est l'adaptation, adoubée par Ellroy, que le cinéaste Brian De Palma a tirée de cette traque infernale d'un bourreau psychopathe - le film avait ouvert la Mostra de Venise le 30 août (Le Monde du 1er septembre).
Contraint de comprimer la durée de son film au risque d'y imposer des impasses obscures et un sprint explicatif final, De Palma réussit à signer un film noir référentiel aux mythes littéraires et cinématographiques, à l'univers d'Ellroy, mais aussi à ses propres films.
Saluons d'abord la virtuosité avec laquelle De Palma encercle des lieux suspects ou périlleux à coups de mouvements de caméra, ou la fulgurance de la scène du meurtre gothique d'un flic incorruptible dans un monumental escalier de marbre. Au-delà, tout dans cette histoire où un homme tombe amoureux d'une illusion - comme dans Vertigo, le film d'Hitchcock - souligne la cohérence du cinéaste hitchcockien qu'est De Palma, hanté par la femme fatale, ses sosies, dédoublements, et le voyeurisme qu'elle suscite.
Blonde déguisée en brune (Body Double) ou brune grimée en blonde (Snake Eyes), anges purs ou stars du X, séductrices traquées ou soeurs de sang, n'ont cessé de décliner chez De Palma une fascination pour l'innocence perdue, l'image pervertie, le corps manipulé.
Dans ce Dahlia noir, c'est bien de cela qu'il s'agit pour Betty Short (Mia Kirshner), qui rêve de devenir vedette de cinéma et se retrouve dans un film porno, où De Palma, acharné à démasquer les démiurges, prête sa propre voix au metteur en scène.
Figure vénéneuse d'un romantisme sombre, une fausse "dahlia noir" (Hilary Swank) surgit pour nous montrer l'un des reflets du monstre que quiconque peut devenir. D'autres thèmes de l'histoire du cinéma cher à De Palma se retrouvent dans le Dahlia noir : la relation incestueuse entre père et fille était dans Obsession ; la peinture de la famille comme processus de destruction dans Furie et Carrie (ici, l'apparition de Ramona, la mère, spectre de soie déglingué au rire hystérique est un grand moment) ; la pénétration par effraction dans la chambre secrète où se fabriquent les images était traitée dans Blow Out ; la mise à mort transformée en spectacle dans Scarface ; comme dans Les Incorruptibles, le flic Blanchard est un homme qui se détruit pour mener à bien son combat...
Peinture d'un Hollywood repaire de magouilles immobilières, de prostitution et de perversions, ce film funèbre teinté de bistre convoque aussi L'homme qui rit, d'après Victor Hugo, à travers des images du film de Paul Leni (1928). Si ce clin d'oeil à Gwynplaine, le héros de Hugo à la bouche cicatrice joignant une oreille à l'autre, figurait dans le roman de James Ellroy, souvenons-nous aussi de l'artiste défiguré de Phantom of The Paradise, film faustien dans lequel De Palma dénonçait la manière dont l'industrie du spectacle broie un individu.
Cette reconstitution éblouissante du Los Angeles des années 1940, bourrée d'idées, de style, de personnages aspirés par la transgression, est un film sur les pièges du cinéma, un bonheur de cinéma.
--------------------------------------------------------------------------------
Film américain de Brian de Palma avec Josh Hartnett, Aaron Eckhart, Scarlett Johansson, Hilary Swank, Mia Kirshner. (2 heures.)
Jean-Luc Douin
Il y a trois Dahlia noir. Le premier, qui ne cesse d'engendrer des livres d'enquêtes, est né en 1947 avec la découverte à Los Angeles du cadavre d'Elisabeth Short, retrouvé nu, mutilé, éviscéré, coupé en deux à la hauteur de la taille et le visage ouvert d'un coup de couteau - un journaliste la surnomma "Dahlia noir" à cause de sa chevelure de jais.
Le deuxième est le roman que ce fait divers inspira en 1987 à l'Américain James Ellroy, où un flic de fiction assume le rôle ténébreux de double fantomatique de l'écrivain obsédé par le meurtre de sa propre mère. Le troisième est l'adaptation, adoubée par Ellroy, que le cinéaste Brian De Palma a tirée de cette traque infernale d'un bourreau psychopathe - le film avait ouvert la Mostra de Venise le 30 août (Le Monde du 1er septembre).
Contraint de comprimer la durée de son film au risque d'y imposer des impasses obscures et un sprint explicatif final, De Palma réussit à signer un film noir référentiel aux mythes littéraires et cinématographiques, à l'univers d'Ellroy, mais aussi à ses propres films.
Saluons d'abord la virtuosité avec laquelle De Palma encercle des lieux suspects ou périlleux à coups de mouvements de caméra, ou la fulgurance de la scène du meurtre gothique d'un flic incorruptible dans un monumental escalier de marbre. Au-delà, tout dans cette histoire où un homme tombe amoureux d'une illusion - comme dans Vertigo, le film d'Hitchcock - souligne la cohérence du cinéaste hitchcockien qu'est De Palma, hanté par la femme fatale, ses sosies, dédoublements, et le voyeurisme qu'elle suscite.
Blonde déguisée en brune (Body Double) ou brune grimée en blonde (Snake Eyes), anges purs ou stars du X, séductrices traquées ou soeurs de sang, n'ont cessé de décliner chez De Palma une fascination pour l'innocence perdue, l'image pervertie, le corps manipulé.
Dans ce Dahlia noir, c'est bien de cela qu'il s'agit pour Betty Short (Mia Kirshner), qui rêve de devenir vedette de cinéma et se retrouve dans un film porno, où De Palma, acharné à démasquer les démiurges, prête sa propre voix au metteur en scène.
Figure vénéneuse d'un romantisme sombre, une fausse "dahlia noir" (Hilary Swank) surgit pour nous montrer l'un des reflets du monstre que quiconque peut devenir. D'autres thèmes de l'histoire du cinéma cher à De Palma se retrouvent dans le Dahlia noir : la relation incestueuse entre père et fille était dans Obsession ; la peinture de la famille comme processus de destruction dans Furie et Carrie (ici, l'apparition de Ramona, la mère, spectre de soie déglingué au rire hystérique est un grand moment) ; la pénétration par effraction dans la chambre secrète où se fabriquent les images était traitée dans Blow Out ; la mise à mort transformée en spectacle dans Scarface ; comme dans Les Incorruptibles, le flic Blanchard est un homme qui se détruit pour mener à bien son combat...
Peinture d'un Hollywood repaire de magouilles immobilières, de prostitution et de perversions, ce film funèbre teinté de bistre convoque aussi L'homme qui rit, d'après Victor Hugo, à travers des images du film de Paul Leni (1928). Si ce clin d'oeil à Gwynplaine, le héros de Hugo à la bouche cicatrice joignant une oreille à l'autre, figurait dans le roman de James Ellroy, souvenons-nous aussi de l'artiste défiguré de Phantom of The Paradise, film faustien dans lequel De Palma dénonçait la manière dont l'industrie du spectacle broie un individu.
Cette reconstitution éblouissante du Los Angeles des années 1940, bourrée d'idées, de style, de personnages aspirés par la transgression, est un film sur les pièges du cinéma, un bonheur de cinéma.
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Film américain de Brian de Palma avec Josh Hartnett, Aaron Eckhart, Scarlett Johansson, Hilary Swank, Mia Kirshner. (2 heures.)
Jean-Luc Douin
"Il fallait qu'on devine quelque chose de très trouble"
Brian de Palma, réalisateur
LE MONDE | 08.11.06 | 17h07 • Mis à jour le 14.11.06 | 08h09
Qu'est-ce qui vous a intéressé dans le roman de James Ellroy ?
Le livre parle d'un vrai crime très impressionnant. Le corps démembré et mutilé d'une jeune fille est découvert. Qui était-elle ? Que lui est-il arrivé ?
Personne ne le savait. On découvre petit à petit que l'enquête sur ce meurtre met au jour une face obscure de Los Angeles qui implique le milieu politique, les journalistes, la police.
Le film est très proche du roman, et en même temps on y trouve beaucoup de thèmes et de motifs qui sont dans votre cinéma depuis longtemps. Comment avez-vous travaillé sur l'adaptation ?
C'était une histoire très compliquée que je n'ai pas voulu simplifier. Je l'ai laissée comme elle était dans le roman parce que j'ai aimé cette complexité. Mon travail a consisté parfois à trouver et à ajouter des réponses visuelles à ce qu'il y avait dans le livre.
J'ai notamment eu l'idée de cette référence à L'homme qui rit, le film de Paul Léni (1928, d'après Victor Hugo), qui évoque l'idée de défiguration. Il y a encore d'autres trouvailles mais l'essentiel était de garder la complexité du roman d'Ellroy.
Peut-on dire que le personnage principal est semblable à vous, qu'il est à la poursuite de la vérité d'une image, comme vous avez été à la recherche de celle des images du cinéma d'Hitchcock, par exemple ?
Le personnage principal tombe amoureux d'une image sans même en avoir conscience. L'image du Dahlia noir, d'abord sous la forme du bout d'essai mais aussi sous celle, démembrée, abîmée, de son corps, est une vision très forte. Une image qu'il est impossible d'oublier. Une image qui provoque des interrogations vertigineuses.
Avez-vous le sentiment que votre film remonte aux origines du film noir, qui pourraient être le récit fantastique gothique ?
Le film noir est un genre passionnant. Notamment parce qu'il raconte le parcours de personnages qui vont vers leur propre destruction. La recherche de la vérité s'y fait au coeur d'un monde incroyablement corrompu.
A ce sujet, vous semblez vous être intéressé à la face sombre d'Hollywood ?
Je me suis toujours intéressé à la façon dont certaines passions, comme l'ambition ou l'avidité, transforment les gens en monstres.
Avez-vous demandé aux acteurs une manière spéciale de jouer ?
Pas vraiment. Pour le personnage de Scarlett Johansson, il fallait que l'on devine qu'il y avait, derrière ce personnage d'épouse modèle, quelque chose de très trouble, une femme très provocante. Mais les acteurs ont tous aimé le livre et compris immédiatement comment il fallait interpréter leur rôle.
Un critique a dit de Vertigo, d'Hitchcock, que c'était l'histoire d'un homme qui voulait faire l'amour avec une morte. N'est-ce pas aussi l'histoire du Dahlia noir ?
L'obsession d'Hitchcock, et surtout de son personnage principal dans Vertigo, a été de créer une illusion. C'est ce que font finalement tous les cinéastes. Nous créons des femmes magnifiques, nous écrivons leurs mots, nous les habillons ou les déshabillons. Elles deviennent une projection de nos propres fantasmes.
Il s'agissait dans Le Dahlia noir de construire un personnage que l'on ne connaît qu'à travers un bout d'essai et grâce auquel on pouvait ressentir immédiatement de l'empathie. L'histoire du film est celle de la création d'un personnage dont on n'aura vu, auparavant, que l'image horrible d'un cadavre mutilé.
Propos recueillis par Jean-François Rauger
LE MONDE | 08.11.06 | 17h07 • Mis à jour le 14.11.06 | 08h09
Qu'est-ce qui vous a intéressé dans le roman de James Ellroy ?
Le livre parle d'un vrai crime très impressionnant. Le corps démembré et mutilé d'une jeune fille est découvert. Qui était-elle ? Que lui est-il arrivé ?
Personne ne le savait. On découvre petit à petit que l'enquête sur ce meurtre met au jour une face obscure de Los Angeles qui implique le milieu politique, les journalistes, la police.
Le film est très proche du roman, et en même temps on y trouve beaucoup de thèmes et de motifs qui sont dans votre cinéma depuis longtemps. Comment avez-vous travaillé sur l'adaptation ?
C'était une histoire très compliquée que je n'ai pas voulu simplifier. Je l'ai laissée comme elle était dans le roman parce que j'ai aimé cette complexité. Mon travail a consisté parfois à trouver et à ajouter des réponses visuelles à ce qu'il y avait dans le livre.
J'ai notamment eu l'idée de cette référence à L'homme qui rit, le film de Paul Léni (1928, d'après Victor Hugo), qui évoque l'idée de défiguration. Il y a encore d'autres trouvailles mais l'essentiel était de garder la complexité du roman d'Ellroy.
Peut-on dire que le personnage principal est semblable à vous, qu'il est à la poursuite de la vérité d'une image, comme vous avez été à la recherche de celle des images du cinéma d'Hitchcock, par exemple ?
Le personnage principal tombe amoureux d'une image sans même en avoir conscience. L'image du Dahlia noir, d'abord sous la forme du bout d'essai mais aussi sous celle, démembrée, abîmée, de son corps, est une vision très forte. Une image qu'il est impossible d'oublier. Une image qui provoque des interrogations vertigineuses.
Avez-vous le sentiment que votre film remonte aux origines du film noir, qui pourraient être le récit fantastique gothique ?
Le film noir est un genre passionnant. Notamment parce qu'il raconte le parcours de personnages qui vont vers leur propre destruction. La recherche de la vérité s'y fait au coeur d'un monde incroyablement corrompu.
A ce sujet, vous semblez vous être intéressé à la face sombre d'Hollywood ?
Je me suis toujours intéressé à la façon dont certaines passions, comme l'ambition ou l'avidité, transforment les gens en monstres.
Avez-vous demandé aux acteurs une manière spéciale de jouer ?
Pas vraiment. Pour le personnage de Scarlett Johansson, il fallait que l'on devine qu'il y avait, derrière ce personnage d'épouse modèle, quelque chose de très trouble, une femme très provocante. Mais les acteurs ont tous aimé le livre et compris immédiatement comment il fallait interpréter leur rôle.
Un critique a dit de Vertigo, d'Hitchcock, que c'était l'histoire d'un homme qui voulait faire l'amour avec une morte. N'est-ce pas aussi l'histoire du Dahlia noir ?
L'obsession d'Hitchcock, et surtout de son personnage principal dans Vertigo, a été de créer une illusion. C'est ce que font finalement tous les cinéastes. Nous créons des femmes magnifiques, nous écrivons leurs mots, nous les habillons ou les déshabillons. Elles deviennent une projection de nos propres fantasmes.
Il s'agissait dans Le Dahlia noir de construire un personnage que l'on ne connaît qu'à travers un bout d'essai et grâce auquel on pouvait ressentir immédiatement de l'empathie. L'histoire du film est celle de la création d'un personnage dont on n'aura vu, auparavant, que l'image horrible d'un cadavre mutilé.
Propos recueillis par Jean-François Rauger
Fog
CinéCinéma Frisson, 20 h 45.
par Louis SKORECKI
Des créatures cruciales, il y en a plein chez John Carpenter, prince de quelques mémorables ténèbres cinématographiques, dont l'un des premiers films, Fog (1980), émanation gazeuse immédiatement perceptible après le célèbre Halloween (1978), provoque un effet fraîcheur émouvant, comme un brumisateur d'eau thermale sur des yeux fatigués. Extraterrestres, enfants maléfiques, monstres, voiture vivante, anti-Dieu, homme invisible, les raisons de douter du réel ne manquent pas chez Carpenter qui s'en remit cette fois, avec une simplicité efficiente, aux conditions climatiques : l'expédition brumeuse qu'est Fog demeure un bijou que le temps qui passe n'entame pas, car le temps qu'il fait est sans âge. En général, les personnages entrent dans le brouillard et se perdent. Ici, c'est le brouillard qui se glisse dans les habitations, frappe aux portes et brandit un bras meurtrier. La nappe de blancheur scintillante qui arrive du fond de l'océan permet des plans à couper le souffle (certains tournés à Bodega Bay, dont le ciel abrita les Oiseaux du grand H), qui rejoignent l'abstraction déifiée du Solaris de Tarkovski. Fog est issu d'une matrice traditionnelle (mythes et légendes) où le fantastique s'investit dans des peurs enfantines. Le brouillard est un négatif de l'obscurité, il est un substitut envoyé par l'invisible dans un monde trop éclairé. Carpenter est un agent d'atmosphère qui installe un décor et une ambiance, qui actionne un songe. Jamais le rythme, à l'égal du pouls, ne s'accélère, le danger et la peur adviennent calmement, sans hystérie. Longtemps, Carpenter retient la chose, c'est le monde juste avant l'irruption de l'exagéré qui le captive : les préliminaires de la peur. Pas seulement par respect du genre : Carpenter est un contemplatif toujours dans le regret de passer au plan suivant. Ici se vengent les marins d'un navire sacrifié un siècle plus tôt par une colonie de pionniers avides d'or, l'une des marottes de Carpenter étant que l'on gagne à être informé des saloperies commises par ses ancêtres, des fois que l'occasion de réparer se présenterait.
par Louis SKORECKI
Des créatures cruciales, il y en a plein chez John Carpenter, prince de quelques mémorables ténèbres cinématographiques, dont l'un des premiers films, Fog (1980), émanation gazeuse immédiatement perceptible après le célèbre Halloween (1978), provoque un effet fraîcheur émouvant, comme un brumisateur d'eau thermale sur des yeux fatigués. Extraterrestres, enfants maléfiques, monstres, voiture vivante, anti-Dieu, homme invisible, les raisons de douter du réel ne manquent pas chez Carpenter qui s'en remit cette fois, avec une simplicité efficiente, aux conditions climatiques : l'expédition brumeuse qu'est Fog demeure un bijou que le temps qui passe n'entame pas, car le temps qu'il fait est sans âge. En général, les personnages entrent dans le brouillard et se perdent. Ici, c'est le brouillard qui se glisse dans les habitations, frappe aux portes et brandit un bras meurtrier. La nappe de blancheur scintillante qui arrive du fond de l'océan permet des plans à couper le souffle (certains tournés à Bodega Bay, dont le ciel abrita les Oiseaux du grand H), qui rejoignent l'abstraction déifiée du Solaris de Tarkovski. Fog est issu d'une matrice traditionnelle (mythes et légendes) où le fantastique s'investit dans des peurs enfantines. Le brouillard est un négatif de l'obscurité, il est un substitut envoyé par l'invisible dans un monde trop éclairé. Carpenter est un agent d'atmosphère qui installe un décor et une ambiance, qui actionne un songe. Jamais le rythme, à l'égal du pouls, ne s'accélère, le danger et la peur adviennent calmement, sans hystérie. Longtemps, Carpenter retient la chose, c'est le monde juste avant l'irruption de l'exagéré qui le captive : les préliminaires de la peur. Pas seulement par respect du genre : Carpenter est un contemplatif toujours dans le regret de passer au plan suivant. Ici se vengent les marins d'un navire sacrifié un siècle plus tôt par une colonie de pionniers avides d'or, l'une des marottes de Carpenter étant que l'on gagne à être informé des saloperies commises par ses ancêtres, des fois que l'occasion de réparer se présenterait.
Raffaello Matarazzo
Outro que entra na mesma listinha onde já se encontram Fernando Di Leo, Lino Brocka, Andrzej Munk, Mark Donskoy e Robert Gordon.
A listinha do "a descobrir".
A listinha do "a descobrir".
Sur Un Art Ignoré
by Michel Mourlet
http://www.lightsleepercinemag.com/reviews/sur_un_art_ignore_01.php
http://www.lightsleepercinemag.com/reviews/sur_un_art_ignore_02.php
http://www.lightsleepercinemag.com/reviews/sur_un_art_ignore_03.php
http://www.lightsleepercinemag.com/reviews/sur_un_art_ignore_04.php
http://www.lightsleepercinemag.com/reviews/sur_un_art_ignore_05.php
http://www.lightsleepercinemag.com/reviews/sur_un_art_ignore_06.php
http://www.lightsleepercinemag.com/reviews/sur_un_art_ignore_07.php
http://www.lightsleepercinemag.com/reviews/sur_un_art_ignore_08.php
http://www.lightsleepercinemag.com/reviews/sur_un_art_ignore_09.php
http://www.lightsleepercinemag.com/reviews/sur_un_art_ignore_10.php
http://www.lightsleepercinemag.com/reviews/sur_un_art_ignore_11.php
http://www.lightsleepercinemag.com/reviews/sur_un_art_ignore_12.php
http://www.lightsleepercinemag.com/reviews/sur_un_art_ignore_13.php
http://www.lightsleepercinemag.com/reviews/sur_un_art_ignore_14.php
http://www.lightsleepercinemag.com/reviews/sur_un_art_ignore_15.php
---
Na minha modesta opinião, a melhor coisa já escrita sobre o cinema até hoje.
E com um brinde:
Avant-propos à "Art ignoré"
By Michel Mourlet
http://www.lightsleepercinemag.com/reviews/sur_un_art_ignore_01.php
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http://www.lightsleepercinemag.com/reviews/sur_un_art_ignore_03.php
http://www.lightsleepercinemag.com/reviews/sur_un_art_ignore_04.php
http://www.lightsleepercinemag.com/reviews/sur_un_art_ignore_05.php
http://www.lightsleepercinemag.com/reviews/sur_un_art_ignore_06.php
http://www.lightsleepercinemag.com/reviews/sur_un_art_ignore_07.php
http://www.lightsleepercinemag.com/reviews/sur_un_art_ignore_08.php
http://www.lightsleepercinemag.com/reviews/sur_un_art_ignore_09.php
http://www.lightsleepercinemag.com/reviews/sur_un_art_ignore_10.php
http://www.lightsleepercinemag.com/reviews/sur_un_art_ignore_11.php
http://www.lightsleepercinemag.com/reviews/sur_un_art_ignore_12.php
http://www.lightsleepercinemag.com/reviews/sur_un_art_ignore_13.php
http://www.lightsleepercinemag.com/reviews/sur_un_art_ignore_14.php
http://www.lightsleepercinemag.com/reviews/sur_un_art_ignore_15.php
---
Na minha modesta opinião, a melhor coisa já escrita sobre o cinema até hoje.
E com um brinde:
Avant-propos à "Art ignoré"
By Michel Mourlet
"... the latest book by Jacques Aumont, on the history and theory of mise en scene, has a very long section going over that 'Ignored Art' essay in detail"
sábado, 30 de dezembro de 2006
sexta-feira, 29 de dezembro de 2006
Brano tratto dall'intervista a Wim Wenders di Alain Bergala
A.B. L'idea della degenerazione delle case e dei cartelli indicatori, quella patina di "fine del mondo", ha a che fare con gli uomini e le loro costruzioni. Ma che ne è degli alberi, dei paesaggi, della natura, delle cose che sono in procinto di scomparire, rispetto a quest'idea che tu vorresti fissare nella foto
W.W. Tra queste foto ce ne sono poche dove non si trovino tracce umane. Nella maggior parte di esse c'è sempre qualcosa che un giorno non ci sarà più e che forse, nel momento in cui stiamo parlando, già è scomparso. Oppure fra dieci, cento anni. Come Houston, per esempio: là tutto è talmente nuovo, artefatto, quasi delle case giocattolo - un'architettura fatta per divertimento, quasi una città di Lego - che se ne cava per forza la sensazione che non potrà durare. Il West americano per me è il luogo dove qualcosa tramonta. Quand'ero piccolo, conobbi il West per mezzo dei film, i Western appunto, e i libri di Karl May, e quando cercavo di immaginare il West, vedevo sempre davanti a me questo paesaggio incredibile la cui scoperta risaliva a un passato non così remoto, al 19° secolo. Quando ci andai, avendo per così dire partecipato alla sua scoperta, ritenevo che ormai dovesse esservi giunta la civilizzazione. Ma non era affatto così, la civilizzazione l'aveva attraversata, una prima volta il secolo scorso con il treno, poi in questo secolo con l'automobile, quando negli anni venti e trenta si costruirono le strade, le pompe di benzina, i motel. Ma adesso, quando ci si va, tutta questa cultura della strada, con le sue scritte pubblicitarie e le sue luci al neon, sono in decadimento, non si usano più, per niente. Per spostarsi da New York a Los Angeles, la gente non usa più l'automobile. Il treno non lo si prende più già da vent'anni. Gli americani abitano soprattutto sulle coste o nella zona centrale del West, il grande nocciolo agricolo del territorio. Sono solo passati, dal West; hanno tentato di farne qualcosa, hanno costruito strade, motel, aree di servizio e hanno messo su dei cartelloni, hanno perfino pensato di costruire delle città - talvolta si trova, nel mezzo del deserto, un'insegna stradale: 375a strada - ma non è successo niente: e oggi ci sono solo i camion che sfrecciano con grande rumore, e ogni tanto un'auto solitària. La civilizzazione è arrivata, ha fatto sosta qui qualche tempo, poi è ripartita, e ora sta nuovamente scomparendo. Solo poche persone sono rimaste, e anche loro se ne vanno, abbandonano le pompe di benzina e le automobili che arrugginiscono un po' da tutte le parti. Questa scomparsa procede con rapidità nella grande calura, con il sole o la pioggia. Dopo un anno un'area di servizio abbandonata è già ricoperta dalla vegetazione. Osservando queste foto si potrebbe pensare che io abbia deliberatamente cercato di tener lontano con la forza gli uomini o qualsiasi cosa dotata di vita propria. Ma, viceversa, ho sempre aspettato che arrivasse qualcuno. Ci si accorge che in fondo questo paesaggio non si è lasciato influenzare dall'asfalto, dalle auto e dalle réclame al neon, nonostante proprio queste ultime si adattino molto bene ai colori e alla luce serale del West. Si ha la sensazione che di tutto questo fra cent'anni non vi sarà più nulla. Il paesaggio tornerà ad avere la meglio. Già adesso si passa a fatica con il treno, e si può supporre che nel giro di vent'anni anche con l'auto sarà molto difficile riuscirvi. Si dovrà prendere l'aereo. Proprio in questo paesaggio mitico del West, ho sempre trovato questa corteccia, questo qualcosa che si decompone e dà alla fotografia una patina di magìa.
---
SONY Classics was convinced that a shorter version of the film would work better for a US audience.
As the film came out in America 8 months after its European premiere, the producer, Peter Schwartzkopff together with me decided to go ahead with SONY'S request. I made these cuts myself together with the editor of the film, Peter Przygodda. It is not unusual that films have a different running time in the US. And SONY Classics did not demand it, they just suggested it, with good arguments. And they know what they do. In other cases, SONY Classics actually released LONGER versions of my films in the US than in Europe. (Yes, believe it or not!) "Faraway, so Close!" was several minutes longer in the US version...
Wim Wenders
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Podíamos todos passar sem essa última. Especialmente o pobre Wenders.
The Wind Will Carry Us
Capsule by Jonathan Rosenbaum
From the Chicago Reader
This ambiguous comic masterpiece (1999, 118 min.) could be Abbas Kiarostami's greatest film to date; it's undoubtedly his richest and most challenging. A media engineer from Tehran (Behzad Dourani) arrives in a remote mountain village in Iranian Kurdistan, where he and his three-person camera crew secretly wait for a century-old woman to die so they can film or tape an exotic mourning ritual at her funeral. To do this he has to miss a family funeral of his own, and every time his mobile phone rings the poor reception forces him to drive to a cemetery atop a mountain, where he sometimes converses with a man digging a deep hole for an unspecified telecommunications project. Back in the village the digger's fiancee milks a cow for the engineer while he flirts with her by quoting an erotic poem that gives the movie its title. Over half the major characters--including the crew, the dying woman, and the digger--are kept mainly or exclusively offscreen, and the dense and highly composed sound track often refers to other offscreen elements, peculiarities of Kiarostami's style that solicit the viewer's imaginative participation. What's most impressive about this global newspaper and millennial statement is how much it tells us about our world--especially regarding the acute differences in perception and behavior between media "experts" and everyone else. Kiarostami contemplates the power adhering to class, gender, age, and education; the film reflects ironically on his own ethical relationship to the poor people he films, and it's arguably his first since Report (1977) that tries to deal with the role of women in Iranian society. It's also a gorgeous, Brueghel-esque treatment of landscape and architecture (the village, clinging to a mountainside and marked by declivities and intricate interweavings, is a marvel in itself) and a series of reflections on Persian poetry as well as animal and insect life. You have to become friends with this movie before it opens up, but then its bounty is endless. In Farsi with subtitles.
Mais em http://www.chicagoreader.com/movies/archives/2000/1200/001208.html
From the Chicago Reader
This ambiguous comic masterpiece (1999, 118 min.) could be Abbas Kiarostami's greatest film to date; it's undoubtedly his richest and most challenging. A media engineer from Tehran (Behzad Dourani) arrives in a remote mountain village in Iranian Kurdistan, where he and his three-person camera crew secretly wait for a century-old woman to die so they can film or tape an exotic mourning ritual at her funeral. To do this he has to miss a family funeral of his own, and every time his mobile phone rings the poor reception forces him to drive to a cemetery atop a mountain, where he sometimes converses with a man digging a deep hole for an unspecified telecommunications project. Back in the village the digger's fiancee milks a cow for the engineer while he flirts with her by quoting an erotic poem that gives the movie its title. Over half the major characters--including the crew, the dying woman, and the digger--are kept mainly or exclusively offscreen, and the dense and highly composed sound track often refers to other offscreen elements, peculiarities of Kiarostami's style that solicit the viewer's imaginative participation. What's most impressive about this global newspaper and millennial statement is how much it tells us about our world--especially regarding the acute differences in perception and behavior between media "experts" and everyone else. Kiarostami contemplates the power adhering to class, gender, age, and education; the film reflects ironically on his own ethical relationship to the poor people he films, and it's arguably his first since Report (1977) that tries to deal with the role of women in Iranian society. It's also a gorgeous, Brueghel-esque treatment of landscape and architecture (the village, clinging to a mountainside and marked by declivities and intricate interweavings, is a marvel in itself) and a series of reflections on Persian poetry as well as animal and insect life. You have to become friends with this movie before it opens up, but then its bounty is endless. In Farsi with subtitles.
Mais em http://www.chicagoreader.com/movies/archives/2000/1200/001208.html
Bukowski
"Sempre tive a impressão de que as mulheres sempre foram de compactuar com tudo quanto é tipo de injustiça, egoísmo ou enriquecimento próprio."
"A princípio, você idealiza a mulher perfeita. Depois, tudo que quer é uma que não seja um pesadelo."
Mestre.
"A princípio, você idealiza a mulher perfeita. Depois, tudo que quer é uma que não seja um pesadelo."
Mestre.
"É aliás disso que eu gosto em geral no cinema: uma saturação de signos magníficos que se banham na luz de sua ausência de explicação"
... mas se os signos são efetivamente tão incompreensíveis, eles são ao contrário mais nítidos e visíveis. O que eu gosto nesse filme é a clareza dos signos aliada à sua profunda ambigüidade.
O OLHO DA CORUJA
Acompanhando a minuciosa investigação que De Palma faz do direto - lá estão o Nagra, o 16 mm. granulado, os problemas posados pela representação "verosímil" de um suposto "real" - temos aquela que permanece a grande declaração de princípios do analógico, justamente porque em 81 De Palma seguramente esbarra naquilo que então devia ser a realidade do período... O lugar privilegiado onde é possível se realizar, num único movimento, a pré-história e a meta-narrativa de um novo suporte (como antes já haviam feito Godard com O DESPREZO, Rossellini com VIAGEM À ITÁLIA, Lang com M...).
E tudo se passa como num filme de Godard (ou pelo menos do trabalho que Godard começa com NUMÉRO DEUX): ele = imagem, ela = som. Só que De Palma é um cineasta tão resolutamente brilhante, engenhoso no sentido genuíno do termo, que num primeiro momento parece nos indicar o exato oposto, com o sonoplasta presumivelmente representando os trabalhos com a banda-som e a moça - que em algum momento até mesmo diz trabalhar como "maquiadora" - a banda-imagem (e não levando em conta o ato final do filme essa personagem realmente parece funcionar majoritariamente no filme como um corpo superficial, uma máscara mesmo, uma imagem). Mas o 'enjeu' é perfeitamente elucidado na cena do acidente-resgate à ponte: são as reações da coruja, que claramente anunciam aquelas que serão as do personagem de Travolta. O som (do carro derrapando, e mais tarde o grito da personagem da Nancy Allen) é de fato uma parte crucial do trabalho, mas assim o é por fundamentalmente auxiliar numa melhor visão de certas coisas. Esta seqüência, sem dúvida alguma, permanece o grande monumento (e não apenas por conta das dimensões de uma arquitetura visual sublime, das complexas geometrias criadas por Zsigmond e De Palma no interior de enquadramentos intocáveis) do cinema de De Palma: lá está Travolta à ponte, encarando um animal cuja visão e audição são infinitamente superiores às suas. É a própria situação do cinema por volta de 81 que De Palma coloca nesta encruzilhada: o prenúncio de um embate entre a película e o analógico, a busca de um caminho (e é sobre uma ponte que vemos o sonoplasta fitando a coruja, uma ponte pela qual é seu dever atravessar, sobre a qual seria nada menos que obsceno permanecer...) que leva a esta visão 180 vezes superior a do homem (o homem, figura por excelência do antigo cinema)...
O que irrompe após este trabalho de aplicação teórica define em um só tempo um eixo narrativo e o grande motivo dramático do filme: o acidente de carro (eixo narrativo) que traz consigo a entrada em cena da personagem de Nancy Allen (motivo dramático). Pois Sally carrega consigo tudo aquilo que já se conhecia com o cinema: a narrativa, a dramaturgia, o texto, o teatro... Enorme encenação de si mesma, atriz continuamente submetida a um (pre)texto, ao passo que Travolta nada mais é que a depuração total de uma percepção aguda, essencialmente ontológica e em diversos momentos puramente tecnológica.
Mas, como sempre em De Palma, o destino acaba por cobrar aquilo que é de seu domínio. A morte de Sally e a sobre-vida de Jack anunciam o irremediável de uma empresa corajosa, uma que apenas um cineasta vigoroso como De Palma poderia realizar em meio aos primeiros anúncios de um pós-cinema...
MON...TON...
... SON IMAGE
The Departed (Martin Scorsese, US)
By Andrew Tracy
"Hyperbolic overpraise can be a valuable weapon, but if the original Cahiers crew sometimes bent the truth of an individual film in the service of a higher truth, the mostly uncritical canonization of The Departed wholly detaches criticism from onscreen evidence. Strident as they were, Truffaut and co.’s polemics had an essentially dialectical spirit behind them. In today’s far more multifaceted, decentralized media landscape, the possessive discourse swirling about Scorsese is little more than a many-throated monologue, and one from which the filmmaker himself has been largely excluded."
...
Mais em http://www.cinema-scope.com/cs29/cur_tracy_departed.html
"Hyperbolic overpraise can be a valuable weapon, but if the original Cahiers crew sometimes bent the truth of an individual film in the service of a higher truth, the mostly uncritical canonization of The Departed wholly detaches criticism from onscreen evidence. Strident as they were, Truffaut and co.’s polemics had an essentially dialectical spirit behind them. In today’s far more multifaceted, decentralized media landscape, the possessive discourse swirling about Scorsese is little more than a many-throated monologue, and one from which the filmmaker himself has been largely excluded."
...
Mais em http://www.cinema-scope.com/cs29/cur_tracy_departed.html
quinta-feira, 28 de dezembro de 2006
TOP INROCKS
1. Dans Paris (Christophe Honoré)
2. The Host (Bong Joon-ho)
3. Lady Chatterley (Pascale Ferran)
4. Wassup Rockers (Larry Clark)
5. Quei loro incontri (Jean-Marie Straub & Danièle Huillet)
6. O Novo Mundo (Terrence Malick)
7. Odete Alucinada (João Pedro Rodrigues)
8. A Morte do Sr. Lazarescu (Cristi Puiu)
9. Black Book (Paul Verhoeven)
10. Dália Negra (Brian De Palma)
10b. Miami Vice (Michael Mann)
12. Bamako (Abderrahmane Sissako)
13. Coeurs (Alain Resnais)
14. Os Infiltrados (Martin Scorsese)
15. Montag (Ulrich Köhler)
16. Octobre (Pierre Léon)
17. Flandres (Bruno Dumont)
18. Os Anjos Exterminadores (Jean-Claude Brisseau)
19. O Crocodilo (Nanni Moretti)
20. A Conquista da Honra (Clint Eastwood)
2. The Host (Bong Joon-ho)
3. Lady Chatterley (Pascale Ferran)
4. Wassup Rockers (Larry Clark)
5. Quei loro incontri (Jean-Marie Straub & Danièle Huillet)
6. O Novo Mundo (Terrence Malick)
7. Odete Alucinada (João Pedro Rodrigues)
8. A Morte do Sr. Lazarescu (Cristi Puiu)
9. Black Book (Paul Verhoeven)
10. Dália Negra (Brian De Palma)
10b. Miami Vice (Michael Mann)
12. Bamako (Abderrahmane Sissako)
13. Coeurs (Alain Resnais)
14. Os Infiltrados (Martin Scorsese)
15. Montag (Ulrich Köhler)
16. Octobre (Pierre Léon)
17. Flandres (Bruno Dumont)
18. Os Anjos Exterminadores (Jean-Claude Brisseau)
19. O Crocodilo (Nanni Moretti)
20. A Conquista da Honra (Clint Eastwood)
Revendo MAN HUNT...
... para além do fato de ser mais um destes monumentos que apenas um Lang da vida parece capaz de erigir, uma coisa me deixou extremamente perturbado.
A cena de perseguição no metrô, com John Carradine no encalço de Walter Pidgeon.
Mais especificamente aqueles cinco ou seis segundos em que Pidgeon se esconde num vão, representado pela sombra mais escura e tenebrosa, pelo abismo mais aterrador e lúgubre que possivemente já se criou com o auxílio do cinema.
Não deu outra, a ficha caiu ali na hora: toda a arte do Pedro Costa, do JCM, do Jean-Claude Rousseau, do Eugene Green, do Garrel; toda a arte destes medalhões você já encontra lá nestes cinco ou seis segundos de total terror.
A cena de perseguição no metrô, com John Carradine no encalço de Walter Pidgeon.
Mais especificamente aqueles cinco ou seis segundos em que Pidgeon se esconde num vão, representado pela sombra mais escura e tenebrosa, pelo abismo mais aterrador e lúgubre que possivemente já se criou com o auxílio do cinema.
Não deu outra, a ficha caiu ali na hora: toda a arte do Pedro Costa, do JCM, do Jean-Claude Rousseau, do Eugene Green, do Garrel; toda a arte destes medalhões você já encontra lá nestes cinco ou seis segundos de total terror.
Parabéns Telecine
Acordo hoje às 6:30 da manhã para gravar aquilo que havia sido anunciado na página do Telecine como THE LONGEST YARD (título nacional: GOLPE BAIXO), do Bob Aldrich, com Burt Reynolds. Filmaço.
O que efetivamente acaba sendo exibido?
MEAN MACHINE (título de lançamento: PENALIDADE MÁXIMA; título que algum idiota do Telecine tirou da cartola: GOLPE BAIXO[!]), espécie de sub-refilmagem produzida por Guy Ritchie e estrelada por um bando de primos idiotas do Colin Farrell, como aquele asqueroso a que chamam de Vinnie Jones.
Pra puta que pariu...
O que efetivamente acaba sendo exibido?
MEAN MACHINE (título de lançamento: PENALIDADE MÁXIMA; título que algum idiota do Telecine tirou da cartola: GOLPE BAIXO[!]), espécie de sub-refilmagem produzida por Guy Ritchie e estrelada por um bando de primos idiotas do Colin Farrell, como aquele asqueroso a que chamam de Vinnie Jones.
Pra puta que pariu...
quarta-feira, 27 de dezembro de 2006
Os melhores filmes da década de 90 - Cahiers du Cinéma (listas individuais)
Cédric Anger
1. O Pagamento Final (Brian De Palma)
2. O Poderoso Chefão III (Francis Ford Coppola)
3. De Olhos Bem Fechados (Stanley Kubrick)
4. Os Imperdoáveis (Clint Eastwood)
5. Nouvelle vague (Jean-Luc Godard)
6. O Estrangeiro (Satyajit Ray)
7. Close Up (Abbas Kiarostami)
8. Adeus ao Sul (Hou Hsiao-hsien)
10. Lua de Fel (Roman Polanski)
Bernard Benoliel
Antigone (Jean-Marie Straub & Danièle Huillet)
Cassino (Martin Scorsese)
Close Up (Abbas Kiarostami)
O Pagamento Final (Brian De Palma)
Ma 6T va crack-er (Jean François-Richet)
Reprise (Hervé Le Roux)
Rosetta (Jean-Pierre & Luc Dardenne)
Olhos de Serpente (Abel Ferrara)
Adrenalina Máxima (Takeshi Kitano)
Um Mundo Perfeito (Clint Eastwood)
Lista alternativa:
Crash - Estranhos Prazeres (David Cronenberg)
Dead Man (Jim Jarmusch)
Edward Mãos de Tesoura (Tim Burton)
De Olhos Bem Fechados (Stanley Kubrick)
Fargo - Uma Comédia de Erros (Ethan & Joel Coen)
Felizes Juntos (Wong Kar-wai)
Kids (Larry Clark)
Uma Mulher Para Dois (John McNaughton)
La Naissance de l'amour (Philippe Garrel)
Síndrome Mortal (Dario Argento)
Stéphane Bouquet
Melhores realizadores:
David Cronenberg
Claire Denis
Hou Hsiao-hsien
João César Monteiro
Manoel de Oliveira
Alexander Sokurov
Jean-Marie Straub & Danièle Huillet
Bela Tarr
Wong Kar-wai
Emmanuel Burdeau
5 cineastas:
David Cronenberg
Clint Eastwood
Hou Hsiao-hsien
Abbas Kiarostami
Manoel de Oliveira
9 filmes:
Close Up (Abbas Kiarostami)
Crash - Estranhos Prazeres (David Cronenberg)
Anjos Caídos (Wong Kar-wai)
Os Imperdoáveis (Clint Eastwood)
O Dia do Desespero (Manoel de Oliveira)
Missão: Impossível (Brian De Palma)
Enigma do Poder (Abel Ferrara)
Nouvelle vague (Jean-Luc Godard)
Gente da Sicília (Jean-Marie Straub & Danièle Huillet)
Clélia Cohen
Os Imperdoáveis (Clint Eastwood)
Um Mundo Perfeito (Clint Eastwood)
As Pontes de Madison (Clint Eastwood)
O Pagamento Final (Brian De Palma)
A Época da Inocência (Martin Scorsese)
Flores de Shanghai (Hou Hsiao-hsien)
Drácula de Bram Stoker (Francis Ford Coppola)
Maridos e Esposas (Woody Allen)
Petites (Noémie Lvovsky)
Nova York Contra o Crime (série de TV produzida por Steven Bocho)
Marie-Anne Guérin
1. Edward Mãos de Tesoura (Tim Burton)
2. Ajuste Final (Ethan & Joel Coen)
3. L'Annonce faite à Marie (Alain Cuny)
4. Border Line (Danièle Dubroux)
5. A Sentinela (Arnaud Desplechin)
6. Une nuit ordinaire (Jean-Claude Guiguet)
7. As Pontes de Madison (Clint Eastwood)
8. Crash - Estranhos Prazeres (David Cronenberg)
9. O Rio (Tsai Ming-liang)
10. De Olhos Bem Fechados (Stanley Kubrick)
Erwan Higuinen
Os Amantes de Pont-Neuf (Leos Carax)
As Pontes de Madison (Clint Eastwood)
O Pagamento Final (Brian De Palma)
Amores Expressos (Wong Kar-wai)
Edward Mãos de Tesoura (Tim Burton)
Good Men, Good Women (Hou Hsiao-hsien)
Infelizmente Para Mim (Jean-Luc Godard)
Uma Mulher Para Dois (John McNaughton)
La Naissance de l'amour (Philippe Garrel)
Twin Peaks: Os Últimos Dias de Laura Palmer (David Lynch)
Velvet Goldmine (Todd Haynes)
Thierry Jousse
Comment je me suis disputé... (ma vie sexuelle) (Arnaud Desplechin)
Crash - Estranhos Prazeres (David Cronenberg)
De Olhos Bem Fechados (Stanley Kubrick)
Os Idiotas (Lars von Trier)
J'entends plus la guitare (Philippe Garrel)
Boiling Point (Takeshi Kitano)
Step Across the Border (Nicolas Humbert & Werner Penzel)
As Pontes de Madison (Clint Eastwood)
Twin Peaks: Os Últimos Dias de Laura Palmer (David Lynch)
US Go Home (Claire Denis)
Olivier Joyard
Infelizmente Para Mim (Jean-Luc Godard)
Os Rebeldes do Deus Néon (Tsai Ming-liang)
Anjos Caídos (Wong Kar-wai)
Adeus ao Sul (Hou Hsiao-hsien)
Drácula de Bram Stoker (Francis Ford Coppola)
Lua de Fel (Roman Polanski)
Twin Peaks: Os Últimos Dias de Laura Palmer (David Lynch)
As Pontes de Madison (Clint Eastwood)
A Sentinela (Arnaud Desplechin)
Feitiço do Tempo (Harold Ramis)
A Outra Face (John Woo)
Jean-Marc Lalanne
Comment je me suis disputé... (ma vie sexuelle) (Arnaud Desplechin)
Conto de Inverno (Eric Rohmer)
Edward Mãos de Tesoura (Tim Burton)
Gosto de Cereja (Abbas Kiarostami)
Felizes Juntos (Wong Kar-wai)
O Pagamento Final (Brian De Palma)
O Dia do Desespero (Manoel de Oliveira)
Minha Estação Preferida (André Téchiné)
Rosas Selvagens (André Téchiné)
M. Butterfly (David Cronenberg)
O Rio (Tsai Ming-liang)
Jérôme Larcher
Batman - O Retorno (Tim Burton)
Dead Man (Jim Jarmusch)
A Outra Face (John Woo)
Adeus ao Sul (Hou Hsiao-hsien)
M. Butterfly (David Cronenberg)
O Apóstolo (Robert Duvall)
Adrenalina Máxima (Takeshi Kitano)
Travolta et moi (Patricia Mazuy)
Twin Peaks (filme e série de TV, David Lynch)
Feitiço do Tempo (Harold Ramis)
Um Mundo Perfeito (Clint Eastwood)
US Go Home (Claire Denis)
O Vento nos Levará (Abbas Kiarostami)
Charles Tesson
1. Close Up (Abbas Kiarostami)
2. O Vale Abraão (Manoel de Oliveira)
3. De Olhos Bem Fechados (Stanley Kubrick)
4. Gente da Sicília (Jean-Marie Straub & Danièle Huillet)
5. Van Gogh (Maurice Pialat)
6. Ajuste Final (Ethan & Joel Coen)
7. eXistenZ (David Cronenberg)
8. O Vento nos Levará (Abbas Kiarostami)
9. Adeus ao Sul (Hou Hsiao-hsien)
O Rio (Tsai Ming-liang)
10. Matinée - Uma Sessão Muito Louca (Joe Dante)
Serge Toubiana
Van Gogh (Maurice Pialat)
Os Imperdoáveis (Clint Eastwood)
A Estrada Perdida (David Lynch)
O Vento nos Levará (Abbas Kiarostami)
Drifting Clouds (Aki Kaurismäki)
Crash - Estranhos Prazeres (David Cronenberg)
Carne Trêmula (Pedro Almodovar)
Adeus ao Sul (Hou Hsiao-hsien)
Caro Diário (Nanni Moretti)
Histoire(s) du cinéma (Jean-Luc Godard)
Nicole Brenez (carta para os Cahiers datada de fevereiro de 2000, "10 melhores filmes")
Sombre (Philippe Grandrieux)
A Child's Garden and the Serious Sea (Stan Brakhage)
Ciguri 99: le dernier chaman (Raymonde Carasco & Jean Rouch)
Enigma do Poder (Abel Ferrara)
Le Repas de guepes (Helga Fanderl)
Green Snake (Tsui Hark)
Ile de beauté (Ange Leccia & Dominique Gonzalez-Foerster)
Fervura Máxima (John Woo)
Ma 6T va crack-er (Jean-Francois Richet)
Made in Hong-Kong (Fruit Chan)
E também: todos os filmes de Rose Lowder, Cecile Fontaine, Johanna Vaude, Peter Tscherkassky, Sothean Nhieim, Phillipe Jacq, Seul contre tous (Gaspar Noe), Travolta et moi (Patricia Mazuy), Tropas Estelares (Paul Verhoeven)
1. O Pagamento Final (Brian De Palma)
2. O Poderoso Chefão III (Francis Ford Coppola)
3. De Olhos Bem Fechados (Stanley Kubrick)
4. Os Imperdoáveis (Clint Eastwood)
5. Nouvelle vague (Jean-Luc Godard)
6. O Estrangeiro (Satyajit Ray)
7. Close Up (Abbas Kiarostami)
8. Adeus ao Sul (Hou Hsiao-hsien)
10. Lua de Fel (Roman Polanski)
Bernard Benoliel
Antigone (Jean-Marie Straub & Danièle Huillet)
Cassino (Martin Scorsese)
Close Up (Abbas Kiarostami)
O Pagamento Final (Brian De Palma)
Ma 6T va crack-er (Jean François-Richet)
Reprise (Hervé Le Roux)
Rosetta (Jean-Pierre & Luc Dardenne)
Olhos de Serpente (Abel Ferrara)
Adrenalina Máxima (Takeshi Kitano)
Um Mundo Perfeito (Clint Eastwood)
Lista alternativa:
Crash - Estranhos Prazeres (David Cronenberg)
Dead Man (Jim Jarmusch)
Edward Mãos de Tesoura (Tim Burton)
De Olhos Bem Fechados (Stanley Kubrick)
Fargo - Uma Comédia de Erros (Ethan & Joel Coen)
Felizes Juntos (Wong Kar-wai)
Kids (Larry Clark)
Uma Mulher Para Dois (John McNaughton)
La Naissance de l'amour (Philippe Garrel)
Síndrome Mortal (Dario Argento)
Stéphane Bouquet
Melhores realizadores:
David Cronenberg
Claire Denis
Hou Hsiao-hsien
João César Monteiro
Manoel de Oliveira
Alexander Sokurov
Jean-Marie Straub & Danièle Huillet
Bela Tarr
Wong Kar-wai
Emmanuel Burdeau
5 cineastas:
David Cronenberg
Clint Eastwood
Hou Hsiao-hsien
Abbas Kiarostami
Manoel de Oliveira
9 filmes:
Close Up (Abbas Kiarostami)
Crash - Estranhos Prazeres (David Cronenberg)
Anjos Caídos (Wong Kar-wai)
Os Imperdoáveis (Clint Eastwood)
O Dia do Desespero (Manoel de Oliveira)
Missão: Impossível (Brian De Palma)
Enigma do Poder (Abel Ferrara)
Nouvelle vague (Jean-Luc Godard)
Gente da Sicília (Jean-Marie Straub & Danièle Huillet)
Clélia Cohen
Os Imperdoáveis (Clint Eastwood)
Um Mundo Perfeito (Clint Eastwood)
As Pontes de Madison (Clint Eastwood)
O Pagamento Final (Brian De Palma)
A Época da Inocência (Martin Scorsese)
Flores de Shanghai (Hou Hsiao-hsien)
Drácula de Bram Stoker (Francis Ford Coppola)
Maridos e Esposas (Woody Allen)
Petites (Noémie Lvovsky)
Nova York Contra o Crime (série de TV produzida por Steven Bocho)
Marie-Anne Guérin
1. Edward Mãos de Tesoura (Tim Burton)
2. Ajuste Final (Ethan & Joel Coen)
3. L'Annonce faite à Marie (Alain Cuny)
4. Border Line (Danièle Dubroux)
5. A Sentinela (Arnaud Desplechin)
6. Une nuit ordinaire (Jean-Claude Guiguet)
7. As Pontes de Madison (Clint Eastwood)
8. Crash - Estranhos Prazeres (David Cronenberg)
9. O Rio (Tsai Ming-liang)
10. De Olhos Bem Fechados (Stanley Kubrick)
Erwan Higuinen
Os Amantes de Pont-Neuf (Leos Carax)
As Pontes de Madison (Clint Eastwood)
O Pagamento Final (Brian De Palma)
Amores Expressos (Wong Kar-wai)
Edward Mãos de Tesoura (Tim Burton)
Good Men, Good Women (Hou Hsiao-hsien)
Infelizmente Para Mim (Jean-Luc Godard)
Uma Mulher Para Dois (John McNaughton)
La Naissance de l'amour (Philippe Garrel)
Twin Peaks: Os Últimos Dias de Laura Palmer (David Lynch)
Velvet Goldmine (Todd Haynes)
Thierry Jousse
Comment je me suis disputé... (ma vie sexuelle) (Arnaud Desplechin)
Crash - Estranhos Prazeres (David Cronenberg)
De Olhos Bem Fechados (Stanley Kubrick)
Os Idiotas (Lars von Trier)
J'entends plus la guitare (Philippe Garrel)
Boiling Point (Takeshi Kitano)
Step Across the Border (Nicolas Humbert & Werner Penzel)
As Pontes de Madison (Clint Eastwood)
Twin Peaks: Os Últimos Dias de Laura Palmer (David Lynch)
US Go Home (Claire Denis)
Olivier Joyard
Infelizmente Para Mim (Jean-Luc Godard)
Os Rebeldes do Deus Néon (Tsai Ming-liang)
Anjos Caídos (Wong Kar-wai)
Adeus ao Sul (Hou Hsiao-hsien)
Drácula de Bram Stoker (Francis Ford Coppola)
Lua de Fel (Roman Polanski)
Twin Peaks: Os Últimos Dias de Laura Palmer (David Lynch)
As Pontes de Madison (Clint Eastwood)
A Sentinela (Arnaud Desplechin)
Feitiço do Tempo (Harold Ramis)
A Outra Face (John Woo)
Jean-Marc Lalanne
Comment je me suis disputé... (ma vie sexuelle) (Arnaud Desplechin)
Conto de Inverno (Eric Rohmer)
Edward Mãos de Tesoura (Tim Burton)
Gosto de Cereja (Abbas Kiarostami)
Felizes Juntos (Wong Kar-wai)
O Pagamento Final (Brian De Palma)
O Dia do Desespero (Manoel de Oliveira)
Minha Estação Preferida (André Téchiné)
Rosas Selvagens (André Téchiné)
M. Butterfly (David Cronenberg)
O Rio (Tsai Ming-liang)
Jérôme Larcher
Batman - O Retorno (Tim Burton)
Dead Man (Jim Jarmusch)
A Outra Face (John Woo)
Adeus ao Sul (Hou Hsiao-hsien)
M. Butterfly (David Cronenberg)
O Apóstolo (Robert Duvall)
Adrenalina Máxima (Takeshi Kitano)
Travolta et moi (Patricia Mazuy)
Twin Peaks (filme e série de TV, David Lynch)
Feitiço do Tempo (Harold Ramis)
Um Mundo Perfeito (Clint Eastwood)
US Go Home (Claire Denis)
O Vento nos Levará (Abbas Kiarostami)
Charles Tesson
1. Close Up (Abbas Kiarostami)
2. O Vale Abraão (Manoel de Oliveira)
3. De Olhos Bem Fechados (Stanley Kubrick)
4. Gente da Sicília (Jean-Marie Straub & Danièle Huillet)
5. Van Gogh (Maurice Pialat)
6. Ajuste Final (Ethan & Joel Coen)
7. eXistenZ (David Cronenberg)
8. O Vento nos Levará (Abbas Kiarostami)
9. Adeus ao Sul (Hou Hsiao-hsien)
O Rio (Tsai Ming-liang)
10. Matinée - Uma Sessão Muito Louca (Joe Dante)
Serge Toubiana
Van Gogh (Maurice Pialat)
Os Imperdoáveis (Clint Eastwood)
A Estrada Perdida (David Lynch)
O Vento nos Levará (Abbas Kiarostami)
Drifting Clouds (Aki Kaurismäki)
Crash - Estranhos Prazeres (David Cronenberg)
Carne Trêmula (Pedro Almodovar)
Adeus ao Sul (Hou Hsiao-hsien)
Caro Diário (Nanni Moretti)
Histoire(s) du cinéma (Jean-Luc Godard)
Nicole Brenez (carta para os Cahiers datada de fevereiro de 2000, "10 melhores filmes")
Sombre (Philippe Grandrieux)
A Child's Garden and the Serious Sea (Stan Brakhage)
Ciguri 99: le dernier chaman (Raymonde Carasco & Jean Rouch)
Enigma do Poder (Abel Ferrara)
Le Repas de guepes (Helga Fanderl)
Green Snake (Tsui Hark)
Ile de beauté (Ange Leccia & Dominique Gonzalez-Foerster)
Fervura Máxima (John Woo)
Ma 6T va crack-er (Jean-Francois Richet)
Made in Hong-Kong (Fruit Chan)
E também: todos os filmes de Rose Lowder, Cecile Fontaine, Johanna Vaude, Peter Tscherkassky, Sothean Nhieim, Phillipe Jacq, Seul contre tous (Gaspar Noe), Travolta et moi (Patricia Mazuy), Tropas Estelares (Paul Verhoeven)
Born to Win
Capsule by Jonathan Rosenbaum
From the Chicago Reader
This ironically titled 1971 comedy-drama may be Ivan Passer's best American film after Cutter's Way. George Segal gives one of his finest performances as a former New York hairdresser with a $100-a-day heroin habit, and the remainder of the cast, which includes Karen Black, Paula Prentiss, Jay Fletcher, Hector Elizondo, and a pre-Mean Streets Robert De Niro, shines as well. David Scott Milton's script makes the rather subversive suggestion that junkies' lives are purposeful and even fulfilled in a way because they're so highly motivated--a provocative alternative to the usual wisdom on the subject. Check this one out.
---
Um dos grandes.
Louco pra ver o STALIN que ele dirigiu, com Robert Duvall no papel-título.
From the Chicago Reader
This ironically titled 1971 comedy-drama may be Ivan Passer's best American film after Cutter's Way. George Segal gives one of his finest performances as a former New York hairdresser with a $100-a-day heroin habit, and the remainder of the cast, which includes Karen Black, Paula Prentiss, Jay Fletcher, Hector Elizondo, and a pre-Mean Streets Robert De Niro, shines as well. David Scott Milton's script makes the rather subversive suggestion that junkies' lives are purposeful and even fulfilled in a way because they're so highly motivated--a provocative alternative to the usual wisdom on the subject. Check this one out.
---
Um dos grandes.
Louco pra ver o STALIN que ele dirigiu, com Robert Duvall no papel-título.
Little Big Man
Capsule by Dave Kehr
From the Chicago Reader
Arthur Penn's 1970 absurdist epic about the misadventures and victimizations of a western everyman (Dustin Hoffman), who is buffeted between the white and Indian worlds. The dual point of view is used effectively, though it's less valid as social criticism (where Penn's observations tend toward facile revisionism) than as an index of the uncertainty that characterizes most of Penn's heroes. With Faye Dunaway, Martin Balsam, and Chief Dan George, who stole the show.
From the Chicago Reader
Arthur Penn's 1970 absurdist epic about the misadventures and victimizations of a western everyman (Dustin Hoffman), who is buffeted between the white and Indian worlds. The dual point of view is used effectively, though it's less valid as social criticism (where Penn's observations tend toward facile revisionism) than as an index of the uncertainty that characterizes most of Penn's heroes. With Faye Dunaway, Martin Balsam, and Chief Dan George, who stole the show.
sábado, 23 de dezembro de 2006
Bava -> classicismo/modernidade
Fulci -> modernismo/maneirismo
Argento -> maneirismo/morte do cinema
Para começar algum pensamento sobre esta tríade, eu separaria as realizações de cada um destes senhores nestes termos. Já as passagens de tal momento da obra para o outro seriam mais complicadas...
Fulci -> modernismo/maneirismo
Argento -> maneirismo/morte do cinema
Para começar algum pensamento sobre esta tríade, eu separaria as realizações de cada um destes senhores nestes termos. Já as passagens de tal momento da obra para o outro seriam mais complicadas...
Tava lendo BORGES EM / E / SOBRE CINEMA, do Edgardo Cozarinsky.
Do caralho.
Os textos do homem sobre von Sternberg, Ford, Chaplin, Vidor, Welles e mais um montão de coisas são impressionantes: uma economia rigorosa de percepções e impressões, um poder de síntese absurdo (por exemplo com a questão da dublagem dos filmes, num texto que o Jean-Marie Straub usou anos depois para impedir que a RAI redublasse OTHON para o lançamento na Itália), a capacidade aguda de atravessar os 5 ou 6 filmes em cartaz da semana e lançar em menos de um parágrafo, e algumas vezes em duas ou três frases, um parecer bastante legítimo.
Além de mais uma porção de coisas (e é realmente uma PORÇÃO de áreas relacionadas à questão Borges/crítica/cinema que o livro aborda), tem um texto do Cozarinsky sobre A ESTRATÉGIA DA ARANHA que é provavelmente a melhor coisa que já li sobre qualquer filme do Bertolucci.
Do caralho.
Os textos do homem sobre von Sternberg, Ford, Chaplin, Vidor, Welles e mais um montão de coisas são impressionantes: uma economia rigorosa de percepções e impressões, um poder de síntese absurdo (por exemplo com a questão da dublagem dos filmes, num texto que o Jean-Marie Straub usou anos depois para impedir que a RAI redublasse OTHON para o lançamento na Itália), a capacidade aguda de atravessar os 5 ou 6 filmes em cartaz da semana e lançar em menos de um parágrafo, e algumas vezes em duas ou três frases, um parecer bastante legítimo.
Além de mais uma porção de coisas (e é realmente uma PORÇÃO de áreas relacionadas à questão Borges/crítica/cinema que o livro aborda), tem um texto do Cozarinsky sobre A ESTRATÉGIA DA ARANHA que é provavelmente a melhor coisa que já li sobre qualquer filme do Bertolucci.
sexta-feira, 22 de dezembro de 2006
Viagem à Bósnia
A Sintra do Wenders é foda e tal, mas o que realmente não me sai da cabeça é a Bósnia do Godard.
Mais sobre isso nos próximos dias.
Mais sobre isso nos próximos dias.
Correção
Como ter a amnésia daquilo que nem se conhece, e que portanto não pode constituir lembrança?
É falta de instrução mesmo. Ou, como diria Skorecki, a grande decepção monocromática.
É falta de instrução mesmo. Ou, como diria Skorecki, a grande decepção monocromática.
MIAMI VICE - revisão
"Jean Rouch meets undercovers"
ou
"Cimino + século XXI"
Aliás, com o DVD, você consegue entender como o trabalho de som do filme é uma espécie de reprise conceitual da banda sonora de HEAVEN'S GATE - dois dos trabalhos com som mais experimentais de todo o cinema.
ou
"Cimino + século XXI"
Aliás, com o DVD, você consegue entender como o trabalho de som do filme é uma espécie de reprise conceitual da banda sonora de HEAVEN'S GATE - dois dos trabalhos com som mais experimentais de todo o cinema.
E depois um bando de amnésicos que conhecem rigorosamente NADA deste cinema ainda me aparecem com uma cara de pau para falar de um tal "cinema americano que interessa".
Esse é o único que interessa.
quarta-feira, 20 de dezembro de 2006
Lembrando que acompanhando Sam Fuller, Robert Kramer e o próprio Wenders, um agonizante Glauber Rocha estava em Sintra assistindo às filmagens de O ESTADO DAS COISAS.
Patrick Bauchau gravou com o homem um vídeo cujo título, SINTRA IS A BEAUTIFUL PLACE TO DIE, pode ser considerado profético.
E não tem só a ver com a subseqüente morte do Glauber não.
Patrick Bauchau gravou com o homem um vídeo cujo título, SINTRA IS A BEAUTIFUL PLACE TO DIE, pode ser considerado profético.
E não tem só a ver com a subseqüente morte do Glauber não.
terça-feira, 19 de dezembro de 2006
Ontem, numa paulada só, revisões de FOREVER MOZART e O ESTADO DAS COISAS.
Tipo da coisa que não faz nem um pouco bem para a saúde emocional de ninguém.
Tipo da coisa que não faz nem um pouco bem para a saúde emocional de ninguém.
domingo, 17 de dezembro de 2006
Revendo maratona GODFATHER hoje...
Peggy Sue s'est mariée
TPS Cinétoile, 21 heures
par Louis SKORECKI
Monsieur Edouard s'est calmé. Depuis qu'il a revu le Dracula de Coppola, il s'est rendu compte (un peu tard, je trouve, mais je n'ai rien osé dire) que c'était le dernier grand cinéaste américain. Il n'est jamais là où on l'attend, avait-il dit à Caroline, qui l'avait regardé avec admiration. C'est simple, ils étaient transfigurés, lui par l'amour pour Coppola, elle par l'amour pour monsieur Edouard. Je dis ça, mais rien n'est sûr. Entre eux, on ne sait jamais ce qui se passe ou ce qui s'est passé. Coppola, je dis, ce n'est pas simple, en regrettant immédiatement de l'avoir dit. D'un film à l'autre, je poursuis d'une voix mal assurée, il y a quand même des baisses de régime. Peggy Sue s'est mariée, par exemple, c'est un peu... Un peu quoi ?, hurle monsieur Edouard. Tu lui trouves quoi, à Peggy Sue ? Elle n'est pas parfaite, Peggy Sue ? Ma bouche est sèche, je reste sans voix. C'est un film un peu fade, je trouve, dit Caroline, pour venir à mon secours. C'en est trop pour monsieur Edouard. Il tourne les talons et disparaît.
Le lendemain, je retrouve Caroline au Classik, ce vieux cinéma qui fait dancing le week-end. On a décidé de revoir Peggy Sue s'est mariée pour en avoir le coeur net. Ce jour-là, il n'y a pas de queue. Bon signe ou mauvais signe ?, je demande. Caroline ne répond pas. Dès les premières images, on est sous le charme. C'est sublime, je dis à Caroline dans le noir. Dans le noir, elle fait oui de la tête. Deux heures plus tard, au café, on se tient la main en pleurant. C'est d'une telle fragilité, dit Caroline, je n'en reviens pas. Si Buddy Holly avait filmé sa Peggy Sue, je dis, il ne l'aurait fait autrement. Monsieur Edouard avait raison, dit Caroline. Je fais oui de la tête. C'est sûr que Coppola est le plus grand, je dis. Caroline hoche la tête en essuyant ses larmes. Je sors mon mouchoir.
---
... e tem muita coisa nos três, principalmente nos dois primeiros, que vai completamente contra a idéia de "tempo naturalista" que tentam atribuir aos filmes dos cineastas da Nova Hollywood. No caso do segundo, mesmo, o ritmo é quase rural - mais a ver com Stroheim que com, sei lá, Kazan.
TPS Cinétoile, 21 heures
par Louis SKORECKI
Monsieur Edouard s'est calmé. Depuis qu'il a revu le Dracula de Coppola, il s'est rendu compte (un peu tard, je trouve, mais je n'ai rien osé dire) que c'était le dernier grand cinéaste américain. Il n'est jamais là où on l'attend, avait-il dit à Caroline, qui l'avait regardé avec admiration. C'est simple, ils étaient transfigurés, lui par l'amour pour Coppola, elle par l'amour pour monsieur Edouard. Je dis ça, mais rien n'est sûr. Entre eux, on ne sait jamais ce qui se passe ou ce qui s'est passé. Coppola, je dis, ce n'est pas simple, en regrettant immédiatement de l'avoir dit. D'un film à l'autre, je poursuis d'une voix mal assurée, il y a quand même des baisses de régime. Peggy Sue s'est mariée, par exemple, c'est un peu... Un peu quoi ?, hurle monsieur Edouard. Tu lui trouves quoi, à Peggy Sue ? Elle n'est pas parfaite, Peggy Sue ? Ma bouche est sèche, je reste sans voix. C'est un film un peu fade, je trouve, dit Caroline, pour venir à mon secours. C'en est trop pour monsieur Edouard. Il tourne les talons et disparaît.
Le lendemain, je retrouve Caroline au Classik, ce vieux cinéma qui fait dancing le week-end. On a décidé de revoir Peggy Sue s'est mariée pour en avoir le coeur net. Ce jour-là, il n'y a pas de queue. Bon signe ou mauvais signe ?, je demande. Caroline ne répond pas. Dès les premières images, on est sous le charme. C'est sublime, je dis à Caroline dans le noir. Dans le noir, elle fait oui de la tête. Deux heures plus tard, au café, on se tient la main en pleurant. C'est d'une telle fragilité, dit Caroline, je n'en reviens pas. Si Buddy Holly avait filmé sa Peggy Sue, je dis, il ne l'aurait fait autrement. Monsieur Edouard avait raison, dit Caroline. Je fais oui de la tête. C'est sûr que Coppola est le plus grand, je dis. Caroline hoche la tête en essuyant ses larmes. Je sors mon mouchoir.
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... e tem muita coisa nos três, principalmente nos dois primeiros, que vai completamente contra a idéia de "tempo naturalista" que tentam atribuir aos filmes dos cineastas da Nova Hollywood. No caso do segundo, mesmo, o ritmo é quase rural - mais a ver com Stroheim que com, sei lá, Kazan.
http://www.fangoria.com/news_article.php?id=3310
KILL will be presented by Dark Sky in its uncut 84-minute version in anamorphic 1.85:1 widescreen, with the following extras:
• Audio commentary by Bava biographer Tim Lucas
• Kill, Bava, Kill! featurette with Lamberto Bava
• Still gallery
• Trailer
Retail price is $19.98
---
Inacreditável que um dos filmes mais lindos tenha surgido de uma aposta.
Mas bem, here we are...
KILL will be presented by Dark Sky in its uncut 84-minute version in anamorphic 1.85:1 widescreen, with the following extras:
• Audio commentary by Bava biographer Tim Lucas
• Kill, Bava, Kill! featurette with Lamberto Bava
• Still gallery
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Retail price is $19.98
---
Inacreditável que um dos filmes mais lindos tenha surgido de uma aposta.
Mas bem, here we are...
sexta-feira, 15 de dezembro de 2006
Paraíso MacMahonista
"Losey demonstrates the fractured nature of Bannion's emotional life, as well as the freewheeling environment in which he finds himself once free of prison, by one celebrated shot in particular. Seen through a kaleidoscope as Maggie arrives at his welcome home party, Bannion's perceptions of the real world will be shown just as misleading as any optical effect seen within a toy. Back amongst fellow crooks and lovers, he has returned to a precarious future amongst his own kind. In films like The Servant (1963), or Accident, the outsider Losey would observe and deal with the British class structure in a notably unsentimental way. In The Criminal, elements of this dispassionate dissection are already in evidence in odd touches: for instance the liberal, middle class governor of the prison, who mislays his New Statesman; or Bannion bringing in a genteel piano tuner, the surreal tinkling of whom is in ironic counterpoint to the criminal conspiracy forming in the next room. Losey is keen to suggest a particular social milieu, whether it's the groups interacting within prison or the presentation of Bannion's apartment, cheesy décor, sunray lamps, sliding doors and all."
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"The primary appeal to Reason made by every Preminger film thus acknowledges, in a second movement, its own provenance in the irrational to which, in a third, it returns. Reason is a fiction that is constructed to explain the inexplicable events of the narrative (Bunny Lake Is Missing [1965] is the ultimate demonstration of this process)."
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Algumas das mais veementes descargas de violência já instauradas pelo cinema.
De um único ímpeto possessivo (Dullea em BUNNY LAKE, Baker em THE CRIMINAL), de uma força que detém em si toda uma violência que se conserva unida, que não se dispersa (caso de THE INSIDE MAN ou REIS E RAINHA) nem se destroça em cacos (como nos últimos Scorsese), explode esta fuga violenta e rápida à qual segue um alívio pleno e permanente.
Na cena da rebelião em THE CRIMINAL, em particular, alguns momentos da mais imaculada, radiante e gloriosa violência.
Agora, off to home assistir MIAMI VICE em DVD.
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Jean-Luc Godard once described this lush 1965 studio effort as a couple of bakers filming their families on weekends in Super-8.
quarta-feira, 13 de dezembro de 2006
Three Years After the Dragon
What is near and what is far? There are questions which may well not survive the cinema. How do things go about reaching us from the ends of the earth? And how are we to see them coming? Populations, news and drugs are a part of these things. they are at the heart of Year of the Dragon (1985) and of Michael Cimino’s films. Seeing Year of the Dragon on Canal+, three years on, makes us work out just how much this question will never belong to television. What is far and what is always - already - there, ‘fair and square’, with neither aura or fripperies. TV’s real exoticism is what happens ‘at home’, when by chance something happens which we were far from suspecting. In the cinema things went quite differently and it wasn’t unusual for great directors (Cimino is sometimes one) to take on journalistic issues. Funny kinds of journalists, convinced that ‘everything stands up’ and you only have to pull a wire to bring - why not? - the whole world to you. A world they would be pretty crazy (paranoia is the word) to fit into one and the same film.
‘This goes back a long way’ is the leitmotiv of captain White, Mickey Rourke’s furious hero in Year of the Dragon. This what? This everything. The activities of the Chinatown gangs, which go back to the Sino-American mafia, which goes back to the Hong Kong triads which, in China, go back several thousand years, and in the United States, where the Chinese have long ahd an oblique presence. Not to speak of the drugs arriving from Bangkok on a Polish ship, the Kazimierz Pulawski, a quirk of fate when you think that White too comes from a long way off, from Poland, to be precise - by painful way of Vietnam. Bad feeling too goes a long way back, like anger tasted cold and grudges which push back the limits of the world.
We remember the contoversy that greeted the film on its release: was it racist or not? On TV you can see more clearly how much racism is only a petty rationalisation of what Cimino still has it in him to film with the voraciousness and folly which any director worthy of the name but can’t possess, and which always exceeds his ideological limits.
Year of the Dragon has to be seen as a (sometimes futile) exercise in style on this question of what’s close and what’s a long way away. This is the effect TV has on the film. What has to be seen is how Cimino tries everything before getting to the only confrontation which could tie up every loose end in the film. What has to be seen is the way Cimino builds his themes up from big camera movements, within which there’s a proliferation of actions which aren’t simultaneous (as on TV), but parallel (as in the cinema). Once, the crucial question was how to get close to things. But where the zoom has replaced the actors’ movements with the movements of our eyes, Cimino thrusts Rourke like a living zoom lens into the thick of what suddenly shifts from ‘too far’ to ‘too near’, from jealousy to phobia.
For Cimino it’s also necessary for what’s far to reced as what is near gets closer. About halfway through Year of the Dragon there are some extraordinary scenes. Criticised by all the other characters in the film, analysed and completely exposed, Stanley White collapses under the strain and goes under for several scenes. That’s when Cimino abandons him without warning and follows his enemy, the seductive Joey Tai, the young Chinese mafia leader, on a ‘business’ trip into the Thai (or Burmese?) forests. This episode is out of place since it compels us to ‘identify’ with this character, who is after all, the villain of the film. Cimino succumbs to a very strange temptation, that of replacing his deadbeat lawman with his sworn enemy and granting him a nice piece of adventure movie.
The result is that when we return to New York and the Polish choir at the funeral of White’s wife. we get something like a poignant illustration of the kind of movies Cimino’s unconscious dreams about: movies with ever-wider concentric circles, where the threads connecting what’s close and what’s far are woven before our eyes, where the whole world communicates with itself. This was, incidentally, his stroke of genius in The Deer Hunter, moving without warning from Vietnam to Pennsylvania, and it’s this kind of thing that made Cimino (up until The Sicilian) so special as a director.
There’s just one temptation though. Whether to enlarge the circles to infinity or to plunge into the target’s heart, where only one of the two men can survive? Year of the Dragon opts for the second solution, the one more in keeping with its stale moralism, but against the grain of Cimino’s talent.
Serge Daney
14 October 1988
‘This goes back a long way’ is the leitmotiv of captain White, Mickey Rourke’s furious hero in Year of the Dragon. This what? This everything. The activities of the Chinatown gangs, which go back to the Sino-American mafia, which goes back to the Hong Kong triads which, in China, go back several thousand years, and in the United States, where the Chinese have long ahd an oblique presence. Not to speak of the drugs arriving from Bangkok on a Polish ship, the Kazimierz Pulawski, a quirk of fate when you think that White too comes from a long way off, from Poland, to be precise - by painful way of Vietnam. Bad feeling too goes a long way back, like anger tasted cold and grudges which push back the limits of the world.
We remember the contoversy that greeted the film on its release: was it racist or not? On TV you can see more clearly how much racism is only a petty rationalisation of what Cimino still has it in him to film with the voraciousness and folly which any director worthy of the name but can’t possess, and which always exceeds his ideological limits.
Year of the Dragon has to be seen as a (sometimes futile) exercise in style on this question of what’s close and what’s a long way away. This is the effect TV has on the film. What has to be seen is how Cimino tries everything before getting to the only confrontation which could tie up every loose end in the film. What has to be seen is the way Cimino builds his themes up from big camera movements, within which there’s a proliferation of actions which aren’t simultaneous (as on TV), but parallel (as in the cinema). Once, the crucial question was how to get close to things. But where the zoom has replaced the actors’ movements with the movements of our eyes, Cimino thrusts Rourke like a living zoom lens into the thick of what suddenly shifts from ‘too far’ to ‘too near’, from jealousy to phobia.
For Cimino it’s also necessary for what’s far to reced as what is near gets closer. About halfway through Year of the Dragon there are some extraordinary scenes. Criticised by all the other characters in the film, analysed and completely exposed, Stanley White collapses under the strain and goes under for several scenes. That’s when Cimino abandons him without warning and follows his enemy, the seductive Joey Tai, the young Chinese mafia leader, on a ‘business’ trip into the Thai (or Burmese?) forests. This episode is out of place since it compels us to ‘identify’ with this character, who is after all, the villain of the film. Cimino succumbs to a very strange temptation, that of replacing his deadbeat lawman with his sworn enemy and granting him a nice piece of adventure movie.
The result is that when we return to New York and the Polish choir at the funeral of White’s wife. we get something like a poignant illustration of the kind of movies Cimino’s unconscious dreams about: movies with ever-wider concentric circles, where the threads connecting what’s close and what’s far are woven before our eyes, where the whole world communicates with itself. This was, incidentally, his stroke of genius in The Deer Hunter, moving without warning from Vietnam to Pennsylvania, and it’s this kind of thing that made Cimino (up until The Sicilian) so special as a director.
There’s just one temptation though. Whether to enlarge the circles to infinity or to plunge into the target’s heart, where only one of the two men can survive? Year of the Dragon opts for the second solution, the one more in keeping with its stale moralism, but against the grain of Cimino’s talent.
Serge Daney
14 October 1988
You Had to Be There . . .
terça-feira, 12 de dezembro de 2006
The Gold Rush
Capsule by Dave Kehr
From the Chicago Reader
Charles Chaplin's best-loved film, with the tramp down-and-out (as usual) in Alaska, where he looks for gold, falls in love with a dance-hall girl (Georgia Hale), eats his shoes for Thanksgiving dinner, and ends up a millionaire. The blend of slapstick and pathos is seamless, although the cynicism of the final scene is still surprising. Chaplin's later films are quirkier and more personal, but this is quintessential Charlie, and unmissable. The film has been issued in several different forms with different sound tracks and cuts, including a 72-minute version butchered by Chaplin himself in the 40s. Hold out for the 1925 original, which runs 82 minutes.
---
Acabei de pôr minhas mãos na caixa editada pela MK2, e só dá pra dizer uma coisa do trabalho feito pelo Serge Toubiana.
Notável.
Quanto à experiência de rever o filme após, acredito, uns 13 ou 14 anos: é, do início (com o Chaplin na ribanceira e aquele maldito urso o seguindo sem que ele saiba) ao fim (REALMENTE devastador), uma experiência perturbadora.
segunda-feira, 11 de dezembro de 2006
Bem...
... já que janeiro ainda vai levar um tempinho pra chegar, um petisquinho - mas só de leve.
(pela-saquismo é isso: acho essa editoria Burdeau/Frodon uma tragicomédia sem fim - "Pour un cinéma subtil"???? O que seria isso; aquele final literal, retórico e medonho do último Scorsese? -, mas continuo ansioso pelas listas de fim de ano)
1951
1. O Rio Sagrado (Jean Renoir)
2. Diário de um Pároco de Aldeia (Robert Bresson)
3. Milagre em Milão (Vittorio De Sica)
4. Os Esquecidos (Luis Buñuel)
5. A Malvada (Joseph L. Mankiewicz)
6. Senhorita Júlia (Alf Sjöberg)
7. Crimes da Alma (Michelangelo Antonioni)
8. Crepúsculo dos Deuses (Billy Wilder)
9. Vivamos Hoje (Jacques Becker)
10. Francisco, Arauto de Deus (Roberto Rossellini)
11. Les Miracles n'ont lieu qu'une fois (Yves Allégret)
12. O Cristo Proibido (Curzio Malaparte)
13. Um Passeio ao Sol (Lewis Milestone)
14. O Preço de uma Vida (Edward Dmytryk)
15. A Corrida de Touros (Pierre Braunberger)
1952-1954
Sem listas
1955
1. Viagem à Itália (Roberto Rossellini)
2. A Palavra (Carl Dreyer)
3. A Grande Chantagem (Robert Aldrich)
4. Lola Montès (Max Ophüls)
5. Janela Indiscreta (Alfred Hitchcock)
6. Les Mauvaises rencontres (Alexandre Astruc)
7. A Estrada da Vida (Federico Fellini)
8. A Condessa Descalça (Joseph L. Mankiewicz)
9. Johnny Guitar (Nicholas Ray)
10. A Morte num Beijo (Robert Aldrich)
11. A Morte de um Ciclista (Juan A. Bardem)
12. Ladrão de Casaca (Alfred Hitchcock)
13. Rififi (Jules Dassin)
14. O Sal da Terra (Herbert J. Biberman)
15. Raízes (Benito Alazraki)
16. O Último Apache (Robert Aldrich)
17. French Cancan (Jean Renoir)
18. Sementes de Violência (Richard Brooks)
19. Abismo de um Sonho (Federico Fellini)
20. Os Milagres de Nossa Senhora de Lourdes (Georges Rouquier)
1956
1. Um Condenado à Morte Escapou (Robert Bresson)
2. As Estranhas Coisas de Paris (Jean Renoir)
3. Juventude Transviada (Nicholas Ray)
4. Grilhões do Passado (Orson Welles)
5. Sedução da Carne (Luchino Visconti)
6. Sorrisos de uma Noite de Amor (Ingmar Bergman)
7. A Trapaça (Federico Fellini)
8. O Amor (Roberto Rossellini)
9. Férias de Amor (Joshua Logan)
10. O Medo (Roberto Rossellini)
11. No Silêncio de uma Cidade (Fritz Lang)
Dançando nas Nuvens (Stanley Donen & Gene Kelly)
13. Nunca Fui Santa (Joshua Logan)
O Homem Que Sabia Demais (Alfred Hitchcock)
A Travessia de Paris (Claude Autant-Lara)
'hors concours': Noite e Névoa (Alain Resnais)
1957
1. Um Rei em Nova York (Charles Chaplin)
2. Em Busca de um Homem (Frank Tashlin)
3. Noites de Cabíria (Federico Fellini)
4. O Homem Errado (Alfred Hitchcock)
5. Ensaio de um Crime (Luis Buñuel)
6. Noites de Circo (Ingmar Bergman)
7. Delírio de Loucura (Nicholas Ray)
8. Sabes o Que Quero (Frank Tashlin)
9. Suplício de uma Alma (Fritz Lang)
10. Doze Homens e uma Sentença (Sidney Lumet)
11. Um Rosto na Multidão (Elia Kazan)
12. Amargo Triunfo (Nicholas Ray)
13. La Casa del ángel (Leopoldo Torre Nilsson)
14. A Ponte do Rio Kwai (David Lean)
15. Aconteceu em Veneza (Roger Vadim)
Os Amantes Crucificados (Kenji Mizoguchi)
17. Por Ternura Também se Mata (René Clair)
18. Palavras ao Vento (Douglas Sirk)
Ou Vai ou Racha (Frank Tashlin)
20. Torero (Carlos Velo)
Os melhores filmes de todos os tempos
1. Aurora (F.W. Murnau, 1927)
2. A Regra do Jogo (Jean Renoir, 1939)
3. Viagem à Itália (Roberto Rossellini, 1955)
4. Ivan, o Terrível (Sergei Eisenstein, 1945-1958)
5. O Nascimento de uma Nação (D.W. Griffith, 1915)
6. Grilhões do Passado (Orson Welles, 1955)
7. A Palavra (Carl Dreyer, 1955)
8. Contos da Lua Vaga (Kenji Mizoguchi, 1953)
9. O Atalante (Jean Vigo, 1934)
10. Marcha Nupcial (Erich von Stroheim, 1928)
11. Sob o Signo de Capricórnio (Alfred Hitchcock, 1949)
12. Monsieur Verdoux (Charles Chaplin, 1947)
1958
1. A Marca da Maldade (Orson Welles)
2. O Sétimo Selo (Ingmar Bergman)
3. Um Rosto na Noite (Luchino Visconti)
4. O Grito (Michelangelo Antonioni)
5. Bom Dia, Tristeza (Otto Preminger)
6. Sonhos de Mulheres (Ingmar Bergman)
7. Une vie (Alexandre Astruc)
8. Meu Tio (Jacques Tati)
9. Um Americano Tranqüilo (Joseph L. Mankiewicz)
10. Juventude (Ingmar Bergman)
11. Les Girls (George Cukor)
12. Os Amantes (Louis Malle)
13. Kanal (Andrzej Wajda)
14. Os Amantes de Montparnasse (Jacques Becker)
15. Quando as Mulheres Esperam (Ingmar Bergman)
1959
1. Contos da Lua Vaga (Kenji Mizoguchi)
2. Hiroshima mon amour (Alain Resnais)
3. Ivan, o Terrível - Parte II (Sergei Eisenstein)
4. Pickpocket (Robert Bresson)
5. Os Incompreendidos (François Truffaut)
6. Onde Começa o Inferno (Howard Hawks)
7. Morangos Silvestres (Ingmar Bergman)
8. Um Corpo Que Cai (Alfred Hitchcock)
9. A Princesa Yang Kwei Fei (Kenji Mizoguchi)
10. O Tigre de Bengala (Fritz Lang)
11. Eu, um Negro (Jean Rouch)
12. Anatomia de um Crime (Otto Preminger)
13. Le Déjeuner sur l'herbe (Jean Renoir)
14. La Tête contre les murs (Georges Franju)
15. De Crápula a Herói (Roberto Rossellini)
16. Renegando o Meu Sangue (Samuel Fuller)
17. Os Primos (Claude Chabrol)
18. Os Eternos Desconhecidos (Mario Monicelli)
19. A Delícia de um Dilema (Leo McCarey)
20. Deux hommes dans Manhattan (Jean-Pierre Melville)
21. Jornada Tétrica (Nicholas Ray)
1960
1. Intendente Sansho (Kenji Mizoguchi)
2. A Aventura (Michelangelo Antonioni)
3. Acossado (Jean-Luc Godard)
4. Atirem no Pianista (François Truffaut)
5. Poema o more (Aleksandr Dovzhenko & Yuliya Solntseva)
6. Mulheres Fáceis (Claude Chabrol)
Nazarin (Luis Buñuel)
8. O Tesouro do Barba Rubra (Fritz Lang)
9. Psicose (Alfred Hitchcock)
10. A um Passo da Liberdade (Jacques Becker)
11. Zazie no Metrô (Louis Malle)
12. A Bela do Bas-Fond (Nicholas Ray)
13. O Testamento de Orfeu (Jean Cocteau)
14. A Canção da Estrada (Satyajit Ray)
15. A Sombra da Forca (Joseph Losey)
Os Olhos Sem Rosto (Georges Franju)
17. A Doce Vida (Federico Fellini)
18. Jogadora Infernal (George Cukor)
Essa Loira Vale um Milhão (Vincente Minnelli)
De Repente, no Último Verão (Joseph L. Mankiewicz)
1961
1. Lola, a Flor Proibida (Jacques Demy)
2. Uma Mulher é uma Mulher (Jean-Luc Godard)
3. Paris nos Pertence (Jacques Rivette)
4. Rocco e Seus Irmãos (Luchino Visconti)
5. A Nova Saga do Clã Taira (Kenji Mizoguchi)
6. Dorogoy tsenoy (Mark Donskoy)
7. A Noite (Michelangelo Antonioni)
8. O Ano Passado em Marienbad (Alain Resnais)
9. Entre Deus e o Pecado (Richard Brooks)
10. Terra Bruta (John Ford)
11. O Testamento do Dr. Cordelier (Jean Renoir)
12. Exodus (Otto Preminger)
13. Armadilha a Sangue Frio (Joseph Losey)
14. A Pirâmide Humana (Jean Rouch)
15. Shadows (John Cassavetes)
16. Os Mil Olhos do Dr. Mabuse (Fritz Lang)
17. A Adolescente (Luis Buñuel)
18. Tudo Começou no Sábado (Karel Reisz)
19. Uma Tão Longa Ausência (Henri Colpi)
20. Dama s sobachkoy (Iosif Kheifits)
21. A Ilha (Kaneto Shindô)
22. Les Godelureaux (Claude Chabrol)
23. O Mensageiro Trapalhão (Jerry Lewis)
24. Léon Morin, Padre (Jean-Pierre Melville)
25. Encontro com a Morte (Joseph Losey)
26. Anjo do Mal (Samuel Fuller)
27. Description d'un combat (Chris Marker)
28. Madre Joana dos Anjos (Jerzy Kawalerowicz)
29. A Maldição do Demônio (Mario Bava)
30. Era Noite em Roma (Roberto Rossellini)
31. Onde Está a Liberdade? (Roberto Rossellini)
32. A Lei dos Marginais (Samuel Fuller)
33. Julgamento em Nuremberg (Stanley Kramer)
34. L'Enclos (Armand Gatti)
35. Crônica de um Verão (Jean Rouch & Edgar Morin)
1962
1. Viver a Vida (Jean-Luc Godard)
2. Jules e Jim - Uma Mulher Para Dois (François Truffaut)
3. Hatari! (Howard Hawks)
4. Viridiana (Luis Buñuel)
5. O Signo do Leão (Eric Rohmer)
6. Rio Violento (Elia Kazan)
7. O Processo (Orson Welles)
8. Através de um Espelho (Ingmar Bergman)
9. Le Caporal épinglé (Jean Renoir)
10. Vanina Vanini (Roberto Rossellini)
11. Tempestade Sobre Washington (Otto Preminger)
12. Cléo das 5 às 7 (Agnès Varda)
13. Pistoleiros do Entardecer (Sam Peckinpah)
14. L'Éducation sentimentale (Alexandre Astruc)
15. O Terror das Mulheres (Jerry Lewis)
O Homem Que Matou o Facínora (John Ford)
17. Amor, Sublime Amor (Robert Wise & Jerome Robbins)
18. O Eclipse (Michelangelo Antonioni)
19. Clamor do Sexo (Elia Kazan)
20. Povest plamennykh let (Yuliya Solntseva)
21. Mortos Que Caminham (Samuel Fuller)
22. O Trabalho (episódio de Boccaccio '70) (Luchino Visconti)
23. O Milagre de Anne Sullivan (Arthur Penn)
24. A Mentirosa (Michel Deville)
25. Os Quatro Cavaleiros do Apocalipse (Vincente Minnelli)
26. Un coeur gros comme ça (François Reichenbach)
27. Le Rendez-vous de minuit (Roger Leenhardt)
28. Primary (Robert Drew/Richard Leacock/Don Pennebaker)
29. Les Honneurs de la guerre (Jean Dewever)
30. A Canção da Esperança (John Cassavetes)
Os melhores filmes sonoros americanos
1. Um Corpo Que Cai (Alfred Hitchcock, 1958)
2. Intriga Internacional (Alfred Hitchcock, 1959)
Rastros de Ódio (John Ford, 1956)
Cantando na Chuva (Stanley Donen & Gene Kelly, 1952)
5. Os Pássaros (Alfred Hitchcock, 1963)
Cidadão Kane (Orson Welles, 1941)
O Tesouro do Barba Rubra (Fritz Lang, 1955)
Scarface - A Vergonha de uma Nação (Howard Hawks, 1932)
Clamor do Sexo (Elia Kazan, 1961)
No Silêncio de uma Cidade (Fritz Lang, 1956)
10. Vive-se uma só Vez (Fritz Lang, 1937)
Ser ou Não Ser (Ernst Lubitsch, 1942)
Um Americano Tranqüilo (Joseph L. Mankiewicz, 1958)
Bom Dia, Tristeza (Otto Preminger, 1958)
Meu Pecado Foi Nascer (Raoul Walsh, 1957)
15. Jornada Tétrica (Nicholas Ray, 1958)
A Marca da Maldade (Orson Welles, 1958)
Tensão em Shanghai (Josef von Sternberg, 1941)
O Milagre de Anne Sullivan (Arthur Penn, 1962)
A Roda da Fortuna (Vincente Minnelli, 1953)
A Fúria do Desejo (King Vidor, 1952)
Onde Começa o Inferno (Howard Hawks, 1959)
A Delícia de um Dilema (Leo McCarey, 1958)
Monsieur Verdoux (Charles Chaplin, 1947)
1963
1. O Desprezo (Jean-Luc Godard)
2. Os Pássaros (Alfred Hitchcock)
3. O Anjo Exterminador (Luis Buñuel)
4. Adieu Philippine (Jacques Rozier)
5. O Processo de Joana d'Arc (Robert Bresson)
6. Muriel (Alain Resnais)
7. O Professor Aloprado (Jerry Lewis)
8. Tempo de Guerra (Jean-Luc Godard)
9. O Bandido Giuliano (Francesco Rosi)
10. Fellini Oito e Meio (Federico Fellini)
11. Banditi a Orgosolo (Vittorio de Seta)
O Leopardo (Luchino Visconti)
13. O Aventureiro do Pacífico (John Ford)
14. A Vida Íntima de Quatro Mulheres (George Cukor)
15. Harakiri (Masaki Kobayashi)
16. O Mundo de Apu (Satyajit Ray)
17. Dois Destinos (Valerio Zurlini)
18. As Mãos Sobre a Cidade (Francesco Rosi)
19. Cleópatra (Joseph L. Mankiewicz)
20. O Cardeal (Otto Preminger)
21. A Cidade dos Desiludidos (Vincente Minnelli)
O Pequeno Soldado (Jean-Luc Godard)
23. Trinta Anos Esta Noite (Louis Malle)
9 dney odnogo goda (Mikhail Romm)
25. Les Abysses (Nikos Papatakis)
O Posto (Ermanno Olmi)
27. O Pranto de um Ídolo (Lindsay Anderson)
28. A Baía dos Anjos (Jacques Demy)
As Aventuras de Tom Jones (Tony Richardson)
30. Irma la Douce (Billy Wilder)
31. Faca na Água (Roman Polanski)
32. Aquele Que Sabe Viver (Dino Risi)
33. Mocinho Encrenqueiro (Jerry Lewis)
34. Le Joli mai (Chris Marker)
35. Vacances portugaises (Pierre Kast)
1964
1. Bande à part (Jean-Luc Godard)
2. Gertrud (Carl Dreyer)
3. Marnie, Confissões de uma Ladra (Alfred Hitchcock)
4. Uma Mulher Casada (Jean-Luc Godard)
5. O Esporte Favorito dos Homens (Howard Hawks)
6. O Deserto Vermelho (Michelangelo Antonioni)
7. A Terra do Sonho Distante (Elia Kazan)
8. O Silêncio (Ingmar Bergman)
9. Para Não Falar de Todas Essas Mulheres (Ingmar Bergman)
10. O Criado (Joseph Losey)
11. Os Guarda-Chuvas do Amor (Jacques Demy)
12. Um só Pecado (François Truffaut)
13. Caravana de Bravos (John Ford)
14. A Passageira (Andrzej Munk)
15. O Otário (Jerry Lewis)
16. Um Clarim ao Longe (Raoul Walsh)
17. Os Noivos (Ermanno Olmi)
18. Foma Gordeev (Mark Donskoy)
19. Dr. Fantástico (Stanley Kubrick)
20. Os Malditos (Joseph Losey)
21. Pour la suite du monde (Pierre Perrault/Michel Brault/Marcel Carrière)
22. La Jetée (Chris Marker)
23. Minha Bela Dama (George Cukor)
24. Il terrorista (Gianfranco De Bosio)
25. David and Lisa (Frank Perry)
26. La Punition (Jean Rouch)
27. Diário de uma Camareira (Luis Buñuel)
28. Il tempo si è fermato (Ermanno Olmi)
29. The Cool World (Shirley Clarke)
30. La Bataille de France (Jean Aurel)
31. A Mulher de Areia (Hiroshi Teshigahara)
32. Crepúsculo de uma Raça (John Ford)
33. Cyrano et d'Artagnan (Abel Gance)
34. Os Reis do Iê Iê Iê (Richard Lester)
35. A Fortaleza Escondida (Akira Kurosawa)
1965
1. O Demônio das Onze Horas (Jean-Luc Godard)
2. Vagas Estrelas da Ursa (Luchino Visconti)
3. Luz de Inverno (Ingmar Bergman)
4. Gare du Nord (episódio de Paris vu par...) (Jean Rouch)
5. Alphaville (Jean-Luc Godard)
6. Lilith (Robert Rossen)
7. Paixões Que Alucinam (Samuel Fuller)
8. Uma Família Fuleira (Jerry Lewis)
9. O Evangelho Segundo São Mateus (Pier Paolo Pasolini)
10. As Duas Faces da Felicidade (Agnès Varda)
11. L'Amour à la chaine (Claude de Givray)
12. Pedro o Negro (Milos Forman)
13. Zacharovannaya desna (Yuliya Solntseva)
14. A Velha Dama Indigna (René Allio)
15. Beija-me, Idiota (Billy Wilder)
16. Place de l'Étoile (episódio de Paris vu par...) (Eric Rohmer)
17. Vendaval na Jamaica (Alexander Mackendrick)
18. A 317a Secção - Batalhão de Assalto (Pierre Schoendoerffer)
19. O Rebelde Sonhador (John Ford & Jack Cardiff)
20. O Bagunceiro Arrumadinho (Frank Tashlin)
21. La Muette (episódio de Paris vu par...) (Claude Chabrol)
22. A Primeira Vitória (Otto Preminger)
23. Julieta dos Espíritos (Federico Fellini)
24. Metel (Vladimir Basov)
25. Vidas Secas (Nelson Pereira dos Santos)
26. Adeus às Ilusões (Vincente Minnelli)
27. O Rei e o Cidadão (Joseph Losey)
28. Montparnasse-Levallois (episódio de Paris vu par...) (Jean-Luc Godard)
29. Le Journal d'une femme en blanc (Claude Autant-Lara)
30. Um Tiro no Escuro (Blake Edwards)
20 anos de cinema francês:
Os melhores filmes franceses desde a Liberação
1. Pickpocket (Robert Bresson, 1959)
2. Lola Montès (Max Ophüls, 1955)
3. A Carruagem de Ouro (Jean Renoir, 1953)
4. O Testamento de Orfeu (Jean Cocteau, 1960)
5. O Testamento do Dr. Cordelier (Jean Renoir, 1959)
6. Tempo de Guerra (Jean-Luc Godard, 1963)
7. Hiroshima mon amour (Alain Resnais, 1959)
O Prazer (Max Ophüls, 1952)
9. Muriel (Alain Resnais, 1963)
10. Adieu Philippine (Jacques Rozier, 1962)
11. Acossado (Jean-Luc Godard, 1960)
12. A Pirâmide Humana (Jean Rouch, 1961)
13. As Estranhas Coisas de Paris (Jean Renoir, 1956)
14. Mulheres Fáceis (Claude Chabrol, 1960)
15. Amores de Apache (Jacques Becker, 1952)
16. La Poison (Sacha Guitry, 1951)
17. Lola, a Flor Proibida (Jacques Demy, 1961)
18. O Processo de Joana d'Arc (Robert Bresson, 1962)
19. Uma Mulher é uma Mulher (Jean-Luc Godard, 1961)
20. O Pequeno Soldado (Jean-Luc Godard, 1963)
21. Orfeu (Jean Cocteau, 1950)
22. O Desprezo (Jean-Luc Godard, 1963)
23. Le Caporal épinglé (Jean Renoir, 1962)
24. La Vie d'un honnête homme (Sacha Guitry, 1953)
25. O Boulevard do Crime (Marcel Carné, 1945)
Les Godelureaux (Claude Chabrol, 1961)
27. Jules e Jim - Uma Mulher Para Dois (François Truffaut, 1962)
28. Paris nos Pertence (Jacques Rivette, 1960)
29. Viver a Vida (Jean-Luc Godard, 1962)
30. As Damas do Bois de Boulogne (Robert Bresson, 1945)
31. Eu, um Negro (Jean Rouch, 1958)
32. Bande à part (Jean-Luc Godard, 1964)
O Signo do Leão (Eric Rohmer, 1959)
34. Diário de um Pároco de Aldeia (Robert Bresson, 1951)
35. Les Enfants terribles (Jean-Pierre Melville, 1950)
Os Incompreendidos (François Truffaut, 1959)
Atirem no Pianista (François Truffaut, 1960)
38. Les Dernières vacances (Roger Leenhardt, 1948)
39. Noite e Névoa (Alain Resnais, 1955)
40. Le Déjeuner sur l'herbe (Jean Renoir, 1959)
1966
1. A Grande Testemunha (Robert Bresson)
2. Walkower (Jerzy Skolimowski)
3. Não Reconciliados (Jean-Marie Straub & Danièle Huillet)
4. Masculino Feminino (Jean-Luc Godard)
5. O Homem de Cabeça Raspada (André Delvaux)
6. Sete Mulheres (John Ford)
7. A Tomada do Poder por Luis XIV (Roberto Rossellini)
8. Cortina Rasgada (Alfred Hitchcock)
9. Faixa Vermelha 7000 (Howard Hawks)
10. De Punhos Fechados (Marco Bellocchio)
11. Badaladas à Meia-Noite (Orson Welles)
12. A Guerra Acabou (Alain Resnais)
13. O Beijo Amargo (Samuel Fuller)
14. Fahrenheit 451 (François Truffaut)
15. Le Père Noël a les yeux bleus (Jean Eustache)
16. Marie Soleil (Antoine Bourseiller)
17. Alguma Coisa de Outro (Vera Chytilová)
18. Os Amores de uma Loira (Milos Forman)
19. Le Chat dans le sac (Gilles Groulx)
20. Brigitte et Brigitte (Luc Moullet)
1967
1. Persona - Quando Duas Mulheres Pecam (Ingmar Bergman)
2. A Bela da Tarde (Luis Buñuel)
3. Weekend à Francesa (Jean-Luc Godard)
4. A Caça ao Leão com Arco (Jean Rouch)
5. Playtime - Tempo de Diversão (Jacques Tati)
6. O Fofoqueiro (Jerry Lewis)
7. As Pequenas Margaridas (Vera Chytilová)
A Religiosa Suzanne Simonin (Jacques Rivette)
9. Duas ou Três Coisas Que Eu Sei Dela (Jean-Luc Godard)
10. A Chinesa (Jean-Luc Godard)
11. Made in USA (Jean-Luc Godard)
12. Shakespeare-Wallah (James Ivory)
13. Os Fuzis (Ruy Guerra)
14. Méditerranée (Jean-Daniel Pollet)
15. A Condessa de Hong Kong (Charles Chaplin)
16. Pervyy uchitel (Andrei Konchalovsky)
17. Le Départ (Jerzy Skolimowski)
18. A Colecionadora (Eric Rohmer)
19. Blow Up - Depois Daquele Beijo (Michelangelo Antonioni)
Duas Garotas Românticas (Jacques Demy)
1968
1. Crônica de Anna Magdalena Bach (Jean-Marie Straub & Danièle Huillet)
2. Antes da Revolução (Bernardo Bertolucci)
3. The Edge (Robert Kramer)
4. Toby Dammit (episódio de Histórias Extraordinárias) (Federico Fellini)
5. Il ne faut pas mourir pour ça (Jean-Pierre Lefèbvre)
6. Le Règne du jour (Pierre Perrault)
7. Bariera (Jerzy Skolimowski)
8. Beijos Roubados (François Truffaut)
9. A Vingança de um Pistoleiro (Monte Hellman)
10. A Noiva Estava de Preto (François Truffaut)
Les Contrebandières (Luc Moullet)
12. Édipo Rei (Pier Paolo Pasolini)
13. 2001: Uma Odisséia no Espaço (Stanley Kubrick)
14. A Hora do Lobo (Ingmar Bergman)
15. O Bebê de Rosemary (Roman Polanski)
16. À Queima-Roupa (John Boorman)
Les Idoles (Marc'o)
18. Laços Eternos (André Delvaux)
19. O Pecado de Todos Nós (John Huston)
20. Uma Rajada de Balas (Arthur Penn)
1969-1980
Sem listas
Os melhores filmes da década de 70
1. Numéro deux (Jean-Luc Godard & Anne-Marie Miéville, 1975)
2. Milestones (Robert Kramer & John Douglas, 1975)
3. Corrida Sem Fim (Monte Hellman, 1971)
Des journées entières dans les arbres (Marguerite Duras, 1976)
Nós Não Envelheceremos Juntos (Maurice Pialat, 1972)
Tristana, uma Paixão Mórbida (Luis Buñuel, 1970)
7. Hitler, um Filme da Alemanha (Hans-Jürgen Syberberg, 1978)
O Passageiro - Profissão: Repórter (Michelangelo Antonioni, 1975)
Salò ou os 120 Dias de Sodoma (Pier Paolo Pasolini, 1975)
1981
1. Francisca (Manoel de Oliveira)
A Mulher do Aviador (Eric Rohmer)
3. A Tragédia de um Homem Ridículo (Bernardo Bertolucci)
Hotel das Américas (André Téchiné)
5. Alemanha, Pálida Mãe (Helma Sanders-Brahms)
A Mulher do Lado (François Truffaut)
7. Stalker (Andrei Tarkovsky)
8. O Salão de Música (Satyajit Ray)
Touro Indomável (Martin Scorsese)
10. Palermo oder Wolfsburg (Werner Schroeter)
In girum imus nocte et consumimur igni (Guy Debord)
Gloria (John Cassavetes)
Les Ailes de la colombe (Benoît Jacquot)
1982
1. Une chambre en ville (Jacques Demy)
2. Classe Operária (Jerzy Skolimowski)
Paixão (Jean-Luc Godard)
4. Cão Branco (Samuel Fuller)
5. Identificação de uma Mulher (Michelangelo Antonioni)
Le Pont du Nord (Jacques Rivette)
A Cor da Romã (Sergei Parajanov)
8. Parsifal (Hans-Jürgen Syberberg)
As Três Coroas do Marinheiro (Raoul Ruiz)
10. Um Casamento Perfeito (Eric Rohmer)
1983
1. O Dinheiro (Robert Bresson)
Aos Nossos Amores (Maurice Pialat)
3. Furyo, Em Nome da Honra (Nagisa Oshima)
Um Jogo Brutal (Jean-Claude Brisseau)
5. Pauline na Praia (Eric Rohmer)
O Rei da Comédia (Martin Scorsese)
7. As Três Coroas do Marinheiro (Raoul Ruiz)
Faux fuyants (Alain Bergala & Jean-Pierre Limosin)
L'Enfant secret (Philippe Garrel)
10. Fanny & Alexander (Ingmar Bergman)
As Loucuras de Jerry Lewis (Jerry Lewis)
1984
1. Noites de Lua Cheia (Eric Rohmer)
2. Comportamento em Classe (Jean-Marie Straub & Danièle Huillet)
3. Liberté, la nuit (Philippe Garrel)
Prenome Carmen (Jean-Luc Godard)
Biquefarre (Georges Rouquier)
6. O Selvagem da Motocicleta (Francis Ford Coppola)
7. E la nave va (Federico Fellini)
Os Eleitos - Onde o Futuro Começa (Philip Kaufman)
Paris, Texas (Wim Wenders)
10. Era uma Vez na América (Sergio Leone)
1985
1. 'Je vous salue, Marie' (Jean-Luc Godard)
2. Detetive (Jean-Luc Godard)
3. O Ano do Dragão (Michael Cimino)
4. Depois do Ensaio (Ingmar Bergman)
5. Amantes (John Cassavetes)
6. A Casa e o Mundo (Satyajit Ray)
7. Les Amants terribles (Danièle Dubroux)
8. Les Enfants (Marguerite Duras/Jean Mascolo/Jean-Marc Turine)
9. Ran (Akira Kurosawa)
10. Encontro (André Téchiné)
Os Favoritos da Lua (Otar Iosseliani)
1986
1. O Raio Verde (Eric Rohmer)
2. A Lenda da Cidadela de Rousram (Sergei Parajanov)
O Sacrifício (Andrei Tarkovsky)
4. Double messieurs (Jean-François Stévenin)
5. Sangue Ruim (Leos Carax)
Maine-Océan (Jacques Rozier)
7. Thérèse (Alain Cavalier)
8. O Local do Crime (André Téchiné)
9. Désordre (Olivier Assayas)
Gardien de la nuit (Jean-Pierre Limosin)
Höhenfeuer (Fredi Murer)
Depois de Horas (Martin Scorsese)
Grandeur et décadence (Jean-Luc Godard)
1987
1. Sob o Sol de Satã (Maurice Pialat)
2. Asas do Desejo (Wim Wenders)
Entrevista (Federico Fellini)
A Morte de Empédocles (Jean-Marie Straub & Danièle Huillet)
5. O Último Imperador (Bernardo Bertolucci)
6. Yeelen (Souleymane Cissé)
As Quatro Aventuras de Reinette e Mirabelle (Eric Rohmer)
Nascido Para Matar (Stanley Kubrick)
9. A Missa Acabou (Nanni Moretti)
10. Urs al-jalil (Michel Khleifi)
Um Adeus Português (João Botelho)
A Cor do Dinheiro (Martin Scorsese)
Veludo Azul (David Lynch)
Rei Lear (Jean-Luc Godard)
1988
1. Não Matarás (Krzysztof Kieslowski)
2. A Insustentável Leveza do Ser (Philip Kaufman)
3. Os Vivos e os Mortos (John Huston)
4. Urgences (Raymond Depardon)
5. Bird (Clint Eastwood)
6. Paisagem na Neblina (Theo Angelopoulos)
7. De Barulho e de Fúria (Jean-Claude Brisseau)
8. A Última Tentação de Cristo (Martin Scorsese)
9. Les Innocents (André Téchiné)
10. Um Assunto de Mulheres (Claude Chabrol)
1989
1. Faça a Coisa Certa (Spike Lee)
Palombella rossa (Nanni Moretti)
3. La Bande des quatre (Jacques Rivette)
Gêmeos, Mórbida Semelhança (David Cronenberg)
5. Os Canibais (Manoel de Oliveira)
Yaaba - O Amor Silencioso (Idrissa Ouedraogo)
7. Black Rain - A Coragem de uma Raça (Shohei Imamura)
Um Homem Marcado (Patricia Mazuy)
A Pequena Vera (Vasili Pichul)
10. Quero Ir Para Casa (Alain Resnais)
Vida Cigana (Emir Kusturica)
O Turista Acidental (Lawrence Kasdan)
1990
1. O Jovem Assassino (Jacques Doillon)
Não se Mexa, Morra e Ressuscite (Vitali Kanevsky)
3. Nouvelle vague (Jean-Luc Godard)
Os Bons Companheiros (Martin Scorsese)
5. Alexandria, Ainda e Sempre (Youssef Chahine)
Non, ou a Vã Glória de Mandar (Manoel de Oliveira)
Meghe Dhaka Tara (Ritwik Ghatak)
8. Sonhos (Akira Kurosawa)
A Desencantada (Benoît Jacquot)
Crimes e Pecados (Woody Allen)
1991
1. Van Gogh (Maurice Pialat)
2. Ajuste Final (Ethan & Joel Coen)
3. Barton Fink - Delírios de Hollywood (Ethan & Joel Coen)
4. O Poderoso Chefão III (Francis Ford Coppola)
5. Close Up (Abbas Kiarostami)
6. J'entends plus la guitare (Philippe Garrel)
7. Edward Mãos de Tesoura (Tim Burton)
8. Rapsódia em Agosto (Akira Kurosawa)
9. Os Amantes de Pont-Neuf (Leos Carax)
10. Paris se Levanta (Olivier Assayas)
1992
1. Os Imperdoáveis (Clint Eastwood)
2. O Estrangeiro (Satyajit Ray)
3. A Vida e Nada Mais (E a Vida Continua...) (Abbas Kiarostami)
4. Maridos e Esposas (Woody Allen)
5. Noites Felinas (Cyril Collard)
Border Line (Danièle Dubroux)
A Sentinela (Arnaud Desplechin)
8. Conto de Inverno (Eric Rohmer)
Caça às Borboletas (Otar Iosseliani)
10. A Brighter Summer Day (Edward Yang)
Balanta (Lucian Pintilie)
Le Mirage (Jean-Claude Guiguet)
La casa del sorriso (Marco Ferreri)
Centenário do Cinema
100 filmes para uma videoteca ideal
O Segredo do Abismo (James Cameron, 1989)
L'Acrobate (Jean-Daniel Pollet, 1976)
Adieu Philippine (Jacques Rozier, 1962)
O Amor (Roberto Rossellini, 1948)
Angèle (Marcel Pagnol, 1934)
Noivo Neurótico, Noiva Nervosa (Woody Allen, 1977)
Alger la blanche (Cyril Collard, 1986)
Ata-me (Pedro Almodóvar, 1990)
L'Amour à mort (Alain Resnais, 1984)
Sedução e Vingança (Abel Ferrara, 1981)
Através de um Espelho (Ingmar Bergman, 1961)
Aos Nossos Amores (Maurice Pialat, 1983)
Caminhos Violentos (James Foley, 1986)
Viagem Insólita (Joe Dante, 1987)
A Bela Intrigante (Jacques Rivette, 1991)
Carrinho de Bebê no Rio Styx (Kenji Misumi, 1972)
Sabes o Que Quero (Frank Tashlin, 1956)
Os Irmãos Cara de Pau (John Landis, 1980)
Bonne chance (Sacha Guitry, 1935)
Blow Up - Depois Daquele Beijo (Michelangelo Antonioni, 1966)
Gosto de Sangue (Ethan & Joel Coen, 1984)
Les Camisards (René Allio, 1972)
The Great Flamarion (Anthony Mann, 1945)
O Discreto Charme da Burguesia (Luis Buñuel, 1972)
Cavalos de Fogo (Sergei Parajanov, 1964)
55 Dias em Pequim (Nicholas Ray, 1963)
Cidadão Kane (Orson Welles, 1941)
Conto dos Crisântemos Tardios (Kenji Mizoguchi, 1939)
Courts-circuits (Patrick Grandperret, 1981)
O Grito da Coruja (Claude Chabrol, 1987)
Switch - Trocaram Meu Sexo (Blake Edwards, 1991)
Jejum de Amor (Howard Hawks, 1940)
Técnica de um Delator (Jean-Pierre Melville, 1962)
2001: Uma Odisséia no Espaço (Stanley Kubrick, 1968)
As Duas Inglesas e o Amor (François Truffaut, 1971)
O Império dos Sentidos (Nagisa Oshima, 1976)
Edward Mãos de Tesoura (Tim Burton, 1990)
Duas Vidas (Leo McCarey, 1939)
Infância Nua (Maurice Pialat, 1968)
O Estado das Coisas (Wim Wenders, 1982)
Trinta Anos Esta Noite (Louis Malle, 1963)
A Mulher do Aviador (Eric Rohmer, 1981)
Fanny & Alexander (Ingmar Bergman, 1982)
Minha Bela Dama (George Cukor, 1964)
French Cancan (Jean Renoir, 1955)
Fuga do Passado (Jacques Tourneur, 1947)
O Homem Invisível (James Whale, 1933)
Um Homem com uma Câmera (Dziga Vertov, 1929)
Hi, Mom! (Brian De Palma, 1970)
India Song (Marguerite Duras, 1975)
Era uma Vez no Oeste (Sergio Leone, 1968)
Era uma Vez na América (Sergio Leone, 1984)
O Homem Que Matou o Facínora (John Ford, 1962)
Vampiros de Almas (Don Siegel, 1956)
Dias de Ira (Carl Dreyer, 1943)
Jules e Jim - Uma Mulher Para Dois (François Truffaut, 1962)
Sob a Luz do Verão (Jean Grémillon, 1943)
Mélo (Alain Resnais, 1986)
O Desprezo (Jean-Luc Godard, 1963)
Intriga Internacional (Alfred Hitchcock, 1959)
Merlusse (Marcel Pagnol, 1935)
Grilhões do Passado (Orson Welles, 1955)
Monsieur Verdoux (Charles Chaplin, 1947)
Muriel (Alain Resnais, 1963)
Minha Adorável Lavanderia (Stephen Frears, 1985)
O Nascimento de uma Nação (D.W. Griffith, 1915)
Aconteceu Naquela Noite (Frank Capra, 1934)
O Mistério do Número 17 (Alfred Hitchcock, 1932)
L'Oeil du malin (Claude Chabrol, 1962)
Opening Night (John Cassavetes, 1977)
Os Guarda-Chuvas do Amor (Jacques Demy, 1964)
Palombella rossa (Nanni Moretti, 1989)
Paisà (Roberto Rossellini, 1946)
Le Passe-montagne (Jean-François Stévenin, 1978)
Um Dia no Campo (Jean Renoir, 1936)
Plano 9 do Espaço Sideral (Edward D. Wood Jr., 1959)
Cuidado com a Puta Sagrada (Rainer Werner Fassbinder, 1971)
Poeira no Vento (Hou Hsiao-hsien, 1986)
Erotismo à Flor da Pele (Francis Leroi, 1991)
Um Rei em Nova York (Charles Chaplin, 1957)
Rachel, Rachel (Paul Newman, 1968)
Cortina Rasgada (Alfred Hitchcock, 1966)
New One-Armed Swordsman (Chang Cheh, 1971)
Coração Selvagem (David Lynch, 1990)
O Iluminado (Stanley Kubrick, 1980)
Sangue de um Poeta (Jean Cocteau, 1930)
O Maior Espetáculo da Terra (Cecil B. DeMille, 1952)
A Estrada da Vida (Federico Fellini, 1954)
Touche pas à la femme blanche (Marco Ferreri, 1974)
Grisbi, Ouro Maldito (Jacques Becker, 1954)
O Tigre de Bengala/O Sepulcro Indiano (Fritz Lang, 1958)
Tex Avery - selecão de desenhos animados (1935-1956)
36 fillette (Catherine Breillat, 1988)
Três Mulheres (Satyajit Ray, 1961)
Les Trois font la paire (Sacha Guitry, 1957)
Les Vampires (Louis Feuillade, 1915)
La Vérité (Henri-Georges Clouzot, 1960)
A Felicidade Não se Compra (Frank Capra, 1946)
O Franco Atirador (Michael Cimino, 1978)
Videodrome - A Síndrome do Vídeo (David Cronenberg, 1983)
1993
1. Um Mundo Perfeito (Clint Eastwood)
2. O Vale Abraão (Manoel de Oliveira)
3. A Árvore, o Prefeito e a Mediateca (Eric Rohmer)
4. Smoking/No Smoking (Alain Resnais)
5. O País dos Surdos (Nicolas Philibert)
6. Dias e Noites na Floresta (Satyajit Ray)
7. Uma Mulher Para Dois (John McNaughton)
8. Inocente Mordida (John Landis)
9. Vício Frenético (Abel Ferrara)
10. Infelizmente Para Mim (Jean-Luc Godard)
1994
1. Caro Diário (Nanni Moretti)
2. Noites Sem Dormir (Claire Denis)
3. O Pagamento Final (Brian De Palma)
4. Rosas Selvagens (André Téchiné)
5. O Estranho Mundo de Jack de Tim Burton (Henry Selick)
6. Travolta et moi (Patricia Mazuy)
7. Ciúme - O Inferno do Amor Possessivo (Claude Chabrol)
8. Jeanne la Pucelle (Jacques Rivette)
9. US Go Home (Claire Denis)
10. Pequenos Arranjos com os Mortos (Pascale Ferran)
M. Butterfly (David Cronenberg)
1995
1. Mulheres Diabólicas (Claude Chabrol)
2. Le Garçu (Maurice Pialat)
3. Waati (Souleymane Cissé)
4. As Pontes de Madison (Clint Eastwood)
5. Oublie-moi (Noémie Lvovsky)
6. A Flor do Meu Segredo (Pedro Almodóvar)
7. Adrenalina Máxima (Takeshi Kitano)
8. Ed Wood (Tim Burton)
9. Através das Oliveiras (Abbas Kiarostami)
10. À Beira da Loucura (John Carpenter)
1996
1. Crash - Estranhos Prazeres (David Cronenberg)
2. Para Sempre Mozart (Jean-Luc Godard)
3. Cassino (Martin Scorsese)
4. Comment je me suis disputé... (ma vie sexuelle) (Arnaud Desplechin)
5. A Comédia de Deus (João César Monteiro)
6. Dead Man (Jim Jarmusch)
7. Os Ladrões (André Téchiné)
8. Missão: Impossível (Brian De Palma)
9. Encore (Pascal Bonitzer)
Parfait amour! (Catherine Breillat)
10. Não Esqueça Que Você Vai Morrer (Xavier Beauvois)
1997
1. Hana-bi - Fogos de Artifício (Takeshi Kitano)
2. Adeus ao Sul (Hou Hsiao-hsien)
3. A Estrada Perdida (David Lynch)
4. A Enguia (Shohei Imamura)
O Rio (Tsai Ming-liang)
6. Gosto de Cereja (Abbas Kiarostami)
Amores Parisienses (Alain Resnais)
O Sétimo Céu (Benoît Jacquot)
9. A Outra Face (John Woo)
Pânico (Wes Craven)
Felizes Juntos (Wong Kar-wai)
1998
1. Flores de Shanghai (Hou Hsiao-hsien)
2. Doutor Akagi (Shohei Imamura)
3. Meia-Noite no Jardim do Bem e do Mal (Clint Eastwood)
Conto de Outono (Eric Rohmer)
5. Inquietude (Manoel de Oliveira)
Sue (Amos Kollek)
7. O Tédio (Cédric Kahn)
Velvet Goldmine (Todd Haynes)
9. Olhos de Serpente (Brian De Palma)
10. Ossos (Pedro Costa)
Titanic (James Cameron)
Jackie Brown (Quentin Tarantino)
L'Arrière pays (Jacques Nolot)
1999
1. De Olhos Bem Fechados (Stanley Kubrick)
2. O Vento nos Levará (Abbas Kiarostami)
3. Gente da Sicília (Jean-Marie Straub & Danièle Huillet)
4. eXistenZ (David Cronenberg)
5. O Vento da Noite (Philippe Garrel)
6. Crime Verdadeiro (Clint Eastwood)
7. A Carta (Manoel de Oliveira)
8. História Real (David Lynch)
9. Ghost Dog (Jim Jarmusch)
10. As Bodas de Deus (João César Monteiro)
Os melhores filmes da década de 90
1. O Pagamento Final (Brian De Palma, 1993)
Adeus ao Sul (Hou Hsiao-hsien, 1996)
As Pontes de Madison (Clint Eastwood, 1995)
4. De Olhos Bem Fechados (Stanley Kubrick, 1999)
Twin Peaks: Os Últimos Dias de Laura Palmer (David Lynch, 1992)
Close Up (Abbas Kiarostami, 1990)
Os Imperdoáveis (Clint Eastwood, 1992)
8. Crash - Estranhos Prazeres (David Cronenberg, 1996)
Edward Mãos de Tesoura (Tim Burton, 1990)
O Rio (Tsai Ming-liang, 1997)
2000
1. Esther Kahn (Arnaud Desplechin)
2. A Prisioneira (Chantal Akerman)
3. O Mundo de Andy (Milos Forman)
4. Missão: Marte (Brian De Palma)
5. Amor à Flor da Pele (Wong Kar-wai)
6. M/Other (Nobuhiro Suwa)
7. As Virgens Suicidas (Sofia Coppola)
As Coisas Simples da Vida (Edward Yang)
9. Cowboys do Espaço (Clint Eastwood)
10. Os Indigentes do Bom Deus (Jean-Claude Brisseau)
2001
1. Cidade dos Sonhos (David Lynch)
2. A Inglesa e o Duque (Eric Rohmer)
3. Millennium Mambo (Hou Hsiao-hsien)
4. O Tempo e a Maré (Tsui Hark)
5. Vou Para Casa (Manoel de Oliveira)
6. Plataforma (Jia Zhang-ke)
Sauvage innocence (Philippe Garrel)
8. Sobibor, 14 octobre 1943, 16 heures (Claude Lanzmann)
9. O Quarto do Filho (Nanni Moretti)
10. Gangues do Gueto (Abel Ferrara)
+ "Loft story" (M6)
2002
1. Coisas Secretas (Jean-Claude Brisseau)
Dez (Abbas Kiarostami)
3. Eternamente Sua (Apichatpong Weerasethakul)
4. De l'autre côté (Chantal Akerman)
5. O Princípio da Incerteza (Manoel de Oliveira)
6. A Hora da Religião (Marco Bellocchio)
7. Fale com Ela (Pedro Almodóvar)
8. A Viagem de Chihiro (Hayao Miyazaki)
Spider (David Cronenberg)
10. "24 Horas" série de TV (Robert Cochran & Joel Surnow)
Gerry (Gus Van Sant)
2003
Sem lista
2004
1. Mal dos Trópicos (Apichatpong Weerasethakul)
2. West of the Tracks (Wang Bing)
S-21 - A Máquina de Morte do Khmer Vermelho (Rithy Panh)
A Vila (M. Night Shyamalan)
5. Shara (Naomi Kawase)
6. Reis e Rainha (Arnaud Desplechin)
The Brown Bunny (Vincent Gallo)
Gerry (Gus Van Sant)
9. Café Lumière (Hou Hsiao-hsien)
Kill Bill Vol. 2 (Quentin Tarantino)
Sarabanda (Ingmar Bergman)
2005
1. Last Days (Gus Van Sant)
2. Os Amantes Constantes (Philippe Garrel)
3. Marcas da Violência (David Cronenberg)
4. O Pequeno Tenente (Xavier Beauvois)
O Mundo (Jia Zhang-ke)
Three Times (Hou Hsiao-hsien)
1/3 des yeux (Olivier Zabat)
8. Fica Comigo (Eric Khoo)
A Tale of Cinema (Hong Sang-soo)
O Homem Urso (Werner Herzog)
Sin City - A Cidade do Pecado (Robert Rodriguez & Frank Miller)
(pela-saquismo é isso: acho essa editoria Burdeau/Frodon uma tragicomédia sem fim - "Pour un cinéma subtil"???? O que seria isso; aquele final literal, retórico e medonho do último Scorsese? -, mas continuo ansioso pelas listas de fim de ano)
1951
1. O Rio Sagrado (Jean Renoir)
2. Diário de um Pároco de Aldeia (Robert Bresson)
3. Milagre em Milão (Vittorio De Sica)
4. Os Esquecidos (Luis Buñuel)
5. A Malvada (Joseph L. Mankiewicz)
6. Senhorita Júlia (Alf Sjöberg)
7. Crimes da Alma (Michelangelo Antonioni)
8. Crepúsculo dos Deuses (Billy Wilder)
9. Vivamos Hoje (Jacques Becker)
10. Francisco, Arauto de Deus (Roberto Rossellini)
11. Les Miracles n'ont lieu qu'une fois (Yves Allégret)
12. O Cristo Proibido (Curzio Malaparte)
13. Um Passeio ao Sol (Lewis Milestone)
14. O Preço de uma Vida (Edward Dmytryk)
15. A Corrida de Touros (Pierre Braunberger)
1952-1954
Sem listas
1955
1. Viagem à Itália (Roberto Rossellini)
2. A Palavra (Carl Dreyer)
3. A Grande Chantagem (Robert Aldrich)
4. Lola Montès (Max Ophüls)
5. Janela Indiscreta (Alfred Hitchcock)
6. Les Mauvaises rencontres (Alexandre Astruc)
7. A Estrada da Vida (Federico Fellini)
8. A Condessa Descalça (Joseph L. Mankiewicz)
9. Johnny Guitar (Nicholas Ray)
10. A Morte num Beijo (Robert Aldrich)
11. A Morte de um Ciclista (Juan A. Bardem)
12. Ladrão de Casaca (Alfred Hitchcock)
13. Rififi (Jules Dassin)
14. O Sal da Terra (Herbert J. Biberman)
15. Raízes (Benito Alazraki)
16. O Último Apache (Robert Aldrich)
17. French Cancan (Jean Renoir)
18. Sementes de Violência (Richard Brooks)
19. Abismo de um Sonho (Federico Fellini)
20. Os Milagres de Nossa Senhora de Lourdes (Georges Rouquier)
1956
1. Um Condenado à Morte Escapou (Robert Bresson)
2. As Estranhas Coisas de Paris (Jean Renoir)
3. Juventude Transviada (Nicholas Ray)
4. Grilhões do Passado (Orson Welles)
5. Sedução da Carne (Luchino Visconti)
6. Sorrisos de uma Noite de Amor (Ingmar Bergman)
7. A Trapaça (Federico Fellini)
8. O Amor (Roberto Rossellini)
9. Férias de Amor (Joshua Logan)
10. O Medo (Roberto Rossellini)
11. No Silêncio de uma Cidade (Fritz Lang)
Dançando nas Nuvens (Stanley Donen & Gene Kelly)
13. Nunca Fui Santa (Joshua Logan)
O Homem Que Sabia Demais (Alfred Hitchcock)
A Travessia de Paris (Claude Autant-Lara)
'hors concours': Noite e Névoa (Alain Resnais)
1957
1. Um Rei em Nova York (Charles Chaplin)
2. Em Busca de um Homem (Frank Tashlin)
3. Noites de Cabíria (Federico Fellini)
4. O Homem Errado (Alfred Hitchcock)
5. Ensaio de um Crime (Luis Buñuel)
6. Noites de Circo (Ingmar Bergman)
7. Delírio de Loucura (Nicholas Ray)
8. Sabes o Que Quero (Frank Tashlin)
9. Suplício de uma Alma (Fritz Lang)
10. Doze Homens e uma Sentença (Sidney Lumet)
11. Um Rosto na Multidão (Elia Kazan)
12. Amargo Triunfo (Nicholas Ray)
13. La Casa del ángel (Leopoldo Torre Nilsson)
14. A Ponte do Rio Kwai (David Lean)
15. Aconteceu em Veneza (Roger Vadim)
Os Amantes Crucificados (Kenji Mizoguchi)
17. Por Ternura Também se Mata (René Clair)
18. Palavras ao Vento (Douglas Sirk)
Ou Vai ou Racha (Frank Tashlin)
20. Torero (Carlos Velo)
Os melhores filmes de todos os tempos
1. Aurora (F.W. Murnau, 1927)
2. A Regra do Jogo (Jean Renoir, 1939)
3. Viagem à Itália (Roberto Rossellini, 1955)
4. Ivan, o Terrível (Sergei Eisenstein, 1945-1958)
5. O Nascimento de uma Nação (D.W. Griffith, 1915)
6. Grilhões do Passado (Orson Welles, 1955)
7. A Palavra (Carl Dreyer, 1955)
8. Contos da Lua Vaga (Kenji Mizoguchi, 1953)
9. O Atalante (Jean Vigo, 1934)
10. Marcha Nupcial (Erich von Stroheim, 1928)
11. Sob o Signo de Capricórnio (Alfred Hitchcock, 1949)
12. Monsieur Verdoux (Charles Chaplin, 1947)
1958
1. A Marca da Maldade (Orson Welles)
2. O Sétimo Selo (Ingmar Bergman)
3. Um Rosto na Noite (Luchino Visconti)
4. O Grito (Michelangelo Antonioni)
5. Bom Dia, Tristeza (Otto Preminger)
6. Sonhos de Mulheres (Ingmar Bergman)
7. Une vie (Alexandre Astruc)
8. Meu Tio (Jacques Tati)
9. Um Americano Tranqüilo (Joseph L. Mankiewicz)
10. Juventude (Ingmar Bergman)
11. Les Girls (George Cukor)
12. Os Amantes (Louis Malle)
13. Kanal (Andrzej Wajda)
14. Os Amantes de Montparnasse (Jacques Becker)
15. Quando as Mulheres Esperam (Ingmar Bergman)
1959
1. Contos da Lua Vaga (Kenji Mizoguchi)
2. Hiroshima mon amour (Alain Resnais)
3. Ivan, o Terrível - Parte II (Sergei Eisenstein)
4. Pickpocket (Robert Bresson)
5. Os Incompreendidos (François Truffaut)
6. Onde Começa o Inferno (Howard Hawks)
7. Morangos Silvestres (Ingmar Bergman)
8. Um Corpo Que Cai (Alfred Hitchcock)
9. A Princesa Yang Kwei Fei (Kenji Mizoguchi)
10. O Tigre de Bengala (Fritz Lang)
11. Eu, um Negro (Jean Rouch)
12. Anatomia de um Crime (Otto Preminger)
13. Le Déjeuner sur l'herbe (Jean Renoir)
14. La Tête contre les murs (Georges Franju)
15. De Crápula a Herói (Roberto Rossellini)
16. Renegando o Meu Sangue (Samuel Fuller)
17. Os Primos (Claude Chabrol)
18. Os Eternos Desconhecidos (Mario Monicelli)
19. A Delícia de um Dilema (Leo McCarey)
20. Deux hommes dans Manhattan (Jean-Pierre Melville)
21. Jornada Tétrica (Nicholas Ray)
1960
1. Intendente Sansho (Kenji Mizoguchi)
2. A Aventura (Michelangelo Antonioni)
3. Acossado (Jean-Luc Godard)
4. Atirem no Pianista (François Truffaut)
5. Poema o more (Aleksandr Dovzhenko & Yuliya Solntseva)
6. Mulheres Fáceis (Claude Chabrol)
Nazarin (Luis Buñuel)
8. O Tesouro do Barba Rubra (Fritz Lang)
9. Psicose (Alfred Hitchcock)
10. A um Passo da Liberdade (Jacques Becker)
11. Zazie no Metrô (Louis Malle)
12. A Bela do Bas-Fond (Nicholas Ray)
13. O Testamento de Orfeu (Jean Cocteau)
14. A Canção da Estrada (Satyajit Ray)
15. A Sombra da Forca (Joseph Losey)
Os Olhos Sem Rosto (Georges Franju)
17. A Doce Vida (Federico Fellini)
18. Jogadora Infernal (George Cukor)
Essa Loira Vale um Milhão (Vincente Minnelli)
De Repente, no Último Verão (Joseph L. Mankiewicz)
1961
1. Lola, a Flor Proibida (Jacques Demy)
2. Uma Mulher é uma Mulher (Jean-Luc Godard)
3. Paris nos Pertence (Jacques Rivette)
4. Rocco e Seus Irmãos (Luchino Visconti)
5. A Nova Saga do Clã Taira (Kenji Mizoguchi)
6. Dorogoy tsenoy (Mark Donskoy)
7. A Noite (Michelangelo Antonioni)
8. O Ano Passado em Marienbad (Alain Resnais)
9. Entre Deus e o Pecado (Richard Brooks)
10. Terra Bruta (John Ford)
11. O Testamento do Dr. Cordelier (Jean Renoir)
12. Exodus (Otto Preminger)
13. Armadilha a Sangue Frio (Joseph Losey)
14. A Pirâmide Humana (Jean Rouch)
15. Shadows (John Cassavetes)
16. Os Mil Olhos do Dr. Mabuse (Fritz Lang)
17. A Adolescente (Luis Buñuel)
18. Tudo Começou no Sábado (Karel Reisz)
19. Uma Tão Longa Ausência (Henri Colpi)
20. Dama s sobachkoy (Iosif Kheifits)
21. A Ilha (Kaneto Shindô)
22. Les Godelureaux (Claude Chabrol)
23. O Mensageiro Trapalhão (Jerry Lewis)
24. Léon Morin, Padre (Jean-Pierre Melville)
25. Encontro com a Morte (Joseph Losey)
26. Anjo do Mal (Samuel Fuller)
27. Description d'un combat (Chris Marker)
28. Madre Joana dos Anjos (Jerzy Kawalerowicz)
29. A Maldição do Demônio (Mario Bava)
30. Era Noite em Roma (Roberto Rossellini)
31. Onde Está a Liberdade? (Roberto Rossellini)
32. A Lei dos Marginais (Samuel Fuller)
33. Julgamento em Nuremberg (Stanley Kramer)
34. L'Enclos (Armand Gatti)
35. Crônica de um Verão (Jean Rouch & Edgar Morin)
1962
1. Viver a Vida (Jean-Luc Godard)
2. Jules e Jim - Uma Mulher Para Dois (François Truffaut)
3. Hatari! (Howard Hawks)
4. Viridiana (Luis Buñuel)
5. O Signo do Leão (Eric Rohmer)
6. Rio Violento (Elia Kazan)
7. O Processo (Orson Welles)
8. Através de um Espelho (Ingmar Bergman)
9. Le Caporal épinglé (Jean Renoir)
10. Vanina Vanini (Roberto Rossellini)
11. Tempestade Sobre Washington (Otto Preminger)
12. Cléo das 5 às 7 (Agnès Varda)
13. Pistoleiros do Entardecer (Sam Peckinpah)
14. L'Éducation sentimentale (Alexandre Astruc)
15. O Terror das Mulheres (Jerry Lewis)
O Homem Que Matou o Facínora (John Ford)
17. Amor, Sublime Amor (Robert Wise & Jerome Robbins)
18. O Eclipse (Michelangelo Antonioni)
19. Clamor do Sexo (Elia Kazan)
20. Povest plamennykh let (Yuliya Solntseva)
21. Mortos Que Caminham (Samuel Fuller)
22. O Trabalho (episódio de Boccaccio '70) (Luchino Visconti)
23. O Milagre de Anne Sullivan (Arthur Penn)
24. A Mentirosa (Michel Deville)
25. Os Quatro Cavaleiros do Apocalipse (Vincente Minnelli)
26. Un coeur gros comme ça (François Reichenbach)
27. Le Rendez-vous de minuit (Roger Leenhardt)
28. Primary (Robert Drew/Richard Leacock/Don Pennebaker)
29. Les Honneurs de la guerre (Jean Dewever)
30. A Canção da Esperança (John Cassavetes)
Os melhores filmes sonoros americanos
1. Um Corpo Que Cai (Alfred Hitchcock, 1958)
2. Intriga Internacional (Alfred Hitchcock, 1959)
Rastros de Ódio (John Ford, 1956)
Cantando na Chuva (Stanley Donen & Gene Kelly, 1952)
5. Os Pássaros (Alfred Hitchcock, 1963)
Cidadão Kane (Orson Welles, 1941)
O Tesouro do Barba Rubra (Fritz Lang, 1955)
Scarface - A Vergonha de uma Nação (Howard Hawks, 1932)
Clamor do Sexo (Elia Kazan, 1961)
No Silêncio de uma Cidade (Fritz Lang, 1956)
10. Vive-se uma só Vez (Fritz Lang, 1937)
Ser ou Não Ser (Ernst Lubitsch, 1942)
Um Americano Tranqüilo (Joseph L. Mankiewicz, 1958)
Bom Dia, Tristeza (Otto Preminger, 1958)
Meu Pecado Foi Nascer (Raoul Walsh, 1957)
15. Jornada Tétrica (Nicholas Ray, 1958)
A Marca da Maldade (Orson Welles, 1958)
Tensão em Shanghai (Josef von Sternberg, 1941)
O Milagre de Anne Sullivan (Arthur Penn, 1962)
A Roda da Fortuna (Vincente Minnelli, 1953)
A Fúria do Desejo (King Vidor, 1952)
Onde Começa o Inferno (Howard Hawks, 1959)
A Delícia de um Dilema (Leo McCarey, 1958)
Monsieur Verdoux (Charles Chaplin, 1947)
1963
1. O Desprezo (Jean-Luc Godard)
2. Os Pássaros (Alfred Hitchcock)
3. O Anjo Exterminador (Luis Buñuel)
4. Adieu Philippine (Jacques Rozier)
5. O Processo de Joana d'Arc (Robert Bresson)
6. Muriel (Alain Resnais)
7. O Professor Aloprado (Jerry Lewis)
8. Tempo de Guerra (Jean-Luc Godard)
9. O Bandido Giuliano (Francesco Rosi)
10. Fellini Oito e Meio (Federico Fellini)
11. Banditi a Orgosolo (Vittorio de Seta)
O Leopardo (Luchino Visconti)
13. O Aventureiro do Pacífico (John Ford)
14. A Vida Íntima de Quatro Mulheres (George Cukor)
15. Harakiri (Masaki Kobayashi)
16. O Mundo de Apu (Satyajit Ray)
17. Dois Destinos (Valerio Zurlini)
18. As Mãos Sobre a Cidade (Francesco Rosi)
19. Cleópatra (Joseph L. Mankiewicz)
20. O Cardeal (Otto Preminger)
21. A Cidade dos Desiludidos (Vincente Minnelli)
O Pequeno Soldado (Jean-Luc Godard)
23. Trinta Anos Esta Noite (Louis Malle)
9 dney odnogo goda (Mikhail Romm)
25. Les Abysses (Nikos Papatakis)
O Posto (Ermanno Olmi)
27. O Pranto de um Ídolo (Lindsay Anderson)
28. A Baía dos Anjos (Jacques Demy)
As Aventuras de Tom Jones (Tony Richardson)
30. Irma la Douce (Billy Wilder)
31. Faca na Água (Roman Polanski)
32. Aquele Que Sabe Viver (Dino Risi)
33. Mocinho Encrenqueiro (Jerry Lewis)
34. Le Joli mai (Chris Marker)
35. Vacances portugaises (Pierre Kast)
1964
1. Bande à part (Jean-Luc Godard)
2. Gertrud (Carl Dreyer)
3. Marnie, Confissões de uma Ladra (Alfred Hitchcock)
4. Uma Mulher Casada (Jean-Luc Godard)
5. O Esporte Favorito dos Homens (Howard Hawks)
6. O Deserto Vermelho (Michelangelo Antonioni)
7. A Terra do Sonho Distante (Elia Kazan)
8. O Silêncio (Ingmar Bergman)
9. Para Não Falar de Todas Essas Mulheres (Ingmar Bergman)
10. O Criado (Joseph Losey)
11. Os Guarda-Chuvas do Amor (Jacques Demy)
12. Um só Pecado (François Truffaut)
13. Caravana de Bravos (John Ford)
14. A Passageira (Andrzej Munk)
15. O Otário (Jerry Lewis)
16. Um Clarim ao Longe (Raoul Walsh)
17. Os Noivos (Ermanno Olmi)
18. Foma Gordeev (Mark Donskoy)
19. Dr. Fantástico (Stanley Kubrick)
20. Os Malditos (Joseph Losey)
21. Pour la suite du monde (Pierre Perrault/Michel Brault/Marcel Carrière)
22. La Jetée (Chris Marker)
23. Minha Bela Dama (George Cukor)
24. Il terrorista (Gianfranco De Bosio)
25. David and Lisa (Frank Perry)
26. La Punition (Jean Rouch)
27. Diário de uma Camareira (Luis Buñuel)
28. Il tempo si è fermato (Ermanno Olmi)
29. The Cool World (Shirley Clarke)
30. La Bataille de France (Jean Aurel)
31. A Mulher de Areia (Hiroshi Teshigahara)
32. Crepúsculo de uma Raça (John Ford)
33. Cyrano et d'Artagnan (Abel Gance)
34. Os Reis do Iê Iê Iê (Richard Lester)
35. A Fortaleza Escondida (Akira Kurosawa)
1965
1. O Demônio das Onze Horas (Jean-Luc Godard)
2. Vagas Estrelas da Ursa (Luchino Visconti)
3. Luz de Inverno (Ingmar Bergman)
4. Gare du Nord (episódio de Paris vu par...) (Jean Rouch)
5. Alphaville (Jean-Luc Godard)
6. Lilith (Robert Rossen)
7. Paixões Que Alucinam (Samuel Fuller)
8. Uma Família Fuleira (Jerry Lewis)
9. O Evangelho Segundo São Mateus (Pier Paolo Pasolini)
10. As Duas Faces da Felicidade (Agnès Varda)
11. L'Amour à la chaine (Claude de Givray)
12. Pedro o Negro (Milos Forman)
13. Zacharovannaya desna (Yuliya Solntseva)
14. A Velha Dama Indigna (René Allio)
15. Beija-me, Idiota (Billy Wilder)
16. Place de l'Étoile (episódio de Paris vu par...) (Eric Rohmer)
17. Vendaval na Jamaica (Alexander Mackendrick)
18. A 317a Secção - Batalhão de Assalto (Pierre Schoendoerffer)
19. O Rebelde Sonhador (John Ford & Jack Cardiff)
20. O Bagunceiro Arrumadinho (Frank Tashlin)
21. La Muette (episódio de Paris vu par...) (Claude Chabrol)
22. A Primeira Vitória (Otto Preminger)
23. Julieta dos Espíritos (Federico Fellini)
24. Metel (Vladimir Basov)
25. Vidas Secas (Nelson Pereira dos Santos)
26. Adeus às Ilusões (Vincente Minnelli)
27. O Rei e o Cidadão (Joseph Losey)
28. Montparnasse-Levallois (episódio de Paris vu par...) (Jean-Luc Godard)
29. Le Journal d'une femme en blanc (Claude Autant-Lara)
30. Um Tiro no Escuro (Blake Edwards)
20 anos de cinema francês:
Os melhores filmes franceses desde a Liberação
1. Pickpocket (Robert Bresson, 1959)
2. Lola Montès (Max Ophüls, 1955)
3. A Carruagem de Ouro (Jean Renoir, 1953)
4. O Testamento de Orfeu (Jean Cocteau, 1960)
5. O Testamento do Dr. Cordelier (Jean Renoir, 1959)
6. Tempo de Guerra (Jean-Luc Godard, 1963)
7. Hiroshima mon amour (Alain Resnais, 1959)
O Prazer (Max Ophüls, 1952)
9. Muriel (Alain Resnais, 1963)
10. Adieu Philippine (Jacques Rozier, 1962)
11. Acossado (Jean-Luc Godard, 1960)
12. A Pirâmide Humana (Jean Rouch, 1961)
13. As Estranhas Coisas de Paris (Jean Renoir, 1956)
14. Mulheres Fáceis (Claude Chabrol, 1960)
15. Amores de Apache (Jacques Becker, 1952)
16. La Poison (Sacha Guitry, 1951)
17. Lola, a Flor Proibida (Jacques Demy, 1961)
18. O Processo de Joana d'Arc (Robert Bresson, 1962)
19. Uma Mulher é uma Mulher (Jean-Luc Godard, 1961)
20. O Pequeno Soldado (Jean-Luc Godard, 1963)
21. Orfeu (Jean Cocteau, 1950)
22. O Desprezo (Jean-Luc Godard, 1963)
23. Le Caporal épinglé (Jean Renoir, 1962)
24. La Vie d'un honnête homme (Sacha Guitry, 1953)
25. O Boulevard do Crime (Marcel Carné, 1945)
Les Godelureaux (Claude Chabrol, 1961)
27. Jules e Jim - Uma Mulher Para Dois (François Truffaut, 1962)
28. Paris nos Pertence (Jacques Rivette, 1960)
29. Viver a Vida (Jean-Luc Godard, 1962)
30. As Damas do Bois de Boulogne (Robert Bresson, 1945)
31. Eu, um Negro (Jean Rouch, 1958)
32. Bande à part (Jean-Luc Godard, 1964)
O Signo do Leão (Eric Rohmer, 1959)
34. Diário de um Pároco de Aldeia (Robert Bresson, 1951)
35. Les Enfants terribles (Jean-Pierre Melville, 1950)
Os Incompreendidos (François Truffaut, 1959)
Atirem no Pianista (François Truffaut, 1960)
38. Les Dernières vacances (Roger Leenhardt, 1948)
39. Noite e Névoa (Alain Resnais, 1955)
40. Le Déjeuner sur l'herbe (Jean Renoir, 1959)
1966
1. A Grande Testemunha (Robert Bresson)
2. Walkower (Jerzy Skolimowski)
3. Não Reconciliados (Jean-Marie Straub & Danièle Huillet)
4. Masculino Feminino (Jean-Luc Godard)
5. O Homem de Cabeça Raspada (André Delvaux)
6. Sete Mulheres (John Ford)
7. A Tomada do Poder por Luis XIV (Roberto Rossellini)
8. Cortina Rasgada (Alfred Hitchcock)
9. Faixa Vermelha 7000 (Howard Hawks)
10. De Punhos Fechados (Marco Bellocchio)
11. Badaladas à Meia-Noite (Orson Welles)
12. A Guerra Acabou (Alain Resnais)
13. O Beijo Amargo (Samuel Fuller)
14. Fahrenheit 451 (François Truffaut)
15. Le Père Noël a les yeux bleus (Jean Eustache)
16. Marie Soleil (Antoine Bourseiller)
17. Alguma Coisa de Outro (Vera Chytilová)
18. Os Amores de uma Loira (Milos Forman)
19. Le Chat dans le sac (Gilles Groulx)
20. Brigitte et Brigitte (Luc Moullet)
1967
1. Persona - Quando Duas Mulheres Pecam (Ingmar Bergman)
2. A Bela da Tarde (Luis Buñuel)
3. Weekend à Francesa (Jean-Luc Godard)
4. A Caça ao Leão com Arco (Jean Rouch)
5. Playtime - Tempo de Diversão (Jacques Tati)
6. O Fofoqueiro (Jerry Lewis)
7. As Pequenas Margaridas (Vera Chytilová)
A Religiosa Suzanne Simonin (Jacques Rivette)
9. Duas ou Três Coisas Que Eu Sei Dela (Jean-Luc Godard)
10. A Chinesa (Jean-Luc Godard)
11. Made in USA (Jean-Luc Godard)
12. Shakespeare-Wallah (James Ivory)
13. Os Fuzis (Ruy Guerra)
14. Méditerranée (Jean-Daniel Pollet)
15. A Condessa de Hong Kong (Charles Chaplin)
16. Pervyy uchitel (Andrei Konchalovsky)
17. Le Départ (Jerzy Skolimowski)
18. A Colecionadora (Eric Rohmer)
19. Blow Up - Depois Daquele Beijo (Michelangelo Antonioni)
Duas Garotas Românticas (Jacques Demy)
1968
1. Crônica de Anna Magdalena Bach (Jean-Marie Straub & Danièle Huillet)
2. Antes da Revolução (Bernardo Bertolucci)
3. The Edge (Robert Kramer)
4. Toby Dammit (episódio de Histórias Extraordinárias) (Federico Fellini)
5. Il ne faut pas mourir pour ça (Jean-Pierre Lefèbvre)
6. Le Règne du jour (Pierre Perrault)
7. Bariera (Jerzy Skolimowski)
8. Beijos Roubados (François Truffaut)
9. A Vingança de um Pistoleiro (Monte Hellman)
10. A Noiva Estava de Preto (François Truffaut)
Les Contrebandières (Luc Moullet)
12. Édipo Rei (Pier Paolo Pasolini)
13. 2001: Uma Odisséia no Espaço (Stanley Kubrick)
14. A Hora do Lobo (Ingmar Bergman)
15. O Bebê de Rosemary (Roman Polanski)
16. À Queima-Roupa (John Boorman)
Les Idoles (Marc'o)
18. Laços Eternos (André Delvaux)
19. O Pecado de Todos Nós (John Huston)
20. Uma Rajada de Balas (Arthur Penn)
1969-1980
Sem listas
Os melhores filmes da década de 70
1. Numéro deux (Jean-Luc Godard & Anne-Marie Miéville, 1975)
2. Milestones (Robert Kramer & John Douglas, 1975)
3. Corrida Sem Fim (Monte Hellman, 1971)
Des journées entières dans les arbres (Marguerite Duras, 1976)
Nós Não Envelheceremos Juntos (Maurice Pialat, 1972)
Tristana, uma Paixão Mórbida (Luis Buñuel, 1970)
7. Hitler, um Filme da Alemanha (Hans-Jürgen Syberberg, 1978)
O Passageiro - Profissão: Repórter (Michelangelo Antonioni, 1975)
Salò ou os 120 Dias de Sodoma (Pier Paolo Pasolini, 1975)
1981
1. Francisca (Manoel de Oliveira)
A Mulher do Aviador (Eric Rohmer)
3. A Tragédia de um Homem Ridículo (Bernardo Bertolucci)
Hotel das Américas (André Téchiné)
5. Alemanha, Pálida Mãe (Helma Sanders-Brahms)
A Mulher do Lado (François Truffaut)
7. Stalker (Andrei Tarkovsky)
8. O Salão de Música (Satyajit Ray)
Touro Indomável (Martin Scorsese)
10. Palermo oder Wolfsburg (Werner Schroeter)
In girum imus nocte et consumimur igni (Guy Debord)
Gloria (John Cassavetes)
Les Ailes de la colombe (Benoît Jacquot)
1982
1. Une chambre en ville (Jacques Demy)
2. Classe Operária (Jerzy Skolimowski)
Paixão (Jean-Luc Godard)
4. Cão Branco (Samuel Fuller)
5. Identificação de uma Mulher (Michelangelo Antonioni)
Le Pont du Nord (Jacques Rivette)
A Cor da Romã (Sergei Parajanov)
8. Parsifal (Hans-Jürgen Syberberg)
As Três Coroas do Marinheiro (Raoul Ruiz)
10. Um Casamento Perfeito (Eric Rohmer)
1983
1. O Dinheiro (Robert Bresson)
Aos Nossos Amores (Maurice Pialat)
3. Furyo, Em Nome da Honra (Nagisa Oshima)
Um Jogo Brutal (Jean-Claude Brisseau)
5. Pauline na Praia (Eric Rohmer)
O Rei da Comédia (Martin Scorsese)
7. As Três Coroas do Marinheiro (Raoul Ruiz)
Faux fuyants (Alain Bergala & Jean-Pierre Limosin)
L'Enfant secret (Philippe Garrel)
10. Fanny & Alexander (Ingmar Bergman)
As Loucuras de Jerry Lewis (Jerry Lewis)
1984
1. Noites de Lua Cheia (Eric Rohmer)
2. Comportamento em Classe (Jean-Marie Straub & Danièle Huillet)
3. Liberté, la nuit (Philippe Garrel)
Prenome Carmen (Jean-Luc Godard)
Biquefarre (Georges Rouquier)
6. O Selvagem da Motocicleta (Francis Ford Coppola)
7. E la nave va (Federico Fellini)
Os Eleitos - Onde o Futuro Começa (Philip Kaufman)
Paris, Texas (Wim Wenders)
10. Era uma Vez na América (Sergio Leone)
1985
1. 'Je vous salue, Marie' (Jean-Luc Godard)
2. Detetive (Jean-Luc Godard)
3. O Ano do Dragão (Michael Cimino)
4. Depois do Ensaio (Ingmar Bergman)
5. Amantes (John Cassavetes)
6. A Casa e o Mundo (Satyajit Ray)
7. Les Amants terribles (Danièle Dubroux)
8. Les Enfants (Marguerite Duras/Jean Mascolo/Jean-Marc Turine)
9. Ran (Akira Kurosawa)
10. Encontro (André Téchiné)
Os Favoritos da Lua (Otar Iosseliani)
1986
1. O Raio Verde (Eric Rohmer)
2. A Lenda da Cidadela de Rousram (Sergei Parajanov)
O Sacrifício (Andrei Tarkovsky)
4. Double messieurs (Jean-François Stévenin)
5. Sangue Ruim (Leos Carax)
Maine-Océan (Jacques Rozier)
7. Thérèse (Alain Cavalier)
8. O Local do Crime (André Téchiné)
9. Désordre (Olivier Assayas)
Gardien de la nuit (Jean-Pierre Limosin)
Höhenfeuer (Fredi Murer)
Depois de Horas (Martin Scorsese)
Grandeur et décadence (Jean-Luc Godard)
1987
1. Sob o Sol de Satã (Maurice Pialat)
2. Asas do Desejo (Wim Wenders)
Entrevista (Federico Fellini)
A Morte de Empédocles (Jean-Marie Straub & Danièle Huillet)
5. O Último Imperador (Bernardo Bertolucci)
6. Yeelen (Souleymane Cissé)
As Quatro Aventuras de Reinette e Mirabelle (Eric Rohmer)
Nascido Para Matar (Stanley Kubrick)
9. A Missa Acabou (Nanni Moretti)
10. Urs al-jalil (Michel Khleifi)
Um Adeus Português (João Botelho)
A Cor do Dinheiro (Martin Scorsese)
Veludo Azul (David Lynch)
Rei Lear (Jean-Luc Godard)
1988
1. Não Matarás (Krzysztof Kieslowski)
2. A Insustentável Leveza do Ser (Philip Kaufman)
3. Os Vivos e os Mortos (John Huston)
4. Urgences (Raymond Depardon)
5. Bird (Clint Eastwood)
6. Paisagem na Neblina (Theo Angelopoulos)
7. De Barulho e de Fúria (Jean-Claude Brisseau)
8. A Última Tentação de Cristo (Martin Scorsese)
9. Les Innocents (André Téchiné)
10. Um Assunto de Mulheres (Claude Chabrol)
1989
1. Faça a Coisa Certa (Spike Lee)
Palombella rossa (Nanni Moretti)
3. La Bande des quatre (Jacques Rivette)
Gêmeos, Mórbida Semelhança (David Cronenberg)
5. Os Canibais (Manoel de Oliveira)
Yaaba - O Amor Silencioso (Idrissa Ouedraogo)
7. Black Rain - A Coragem de uma Raça (Shohei Imamura)
Um Homem Marcado (Patricia Mazuy)
A Pequena Vera (Vasili Pichul)
10. Quero Ir Para Casa (Alain Resnais)
Vida Cigana (Emir Kusturica)
O Turista Acidental (Lawrence Kasdan)
1990
1. O Jovem Assassino (Jacques Doillon)
Não se Mexa, Morra e Ressuscite (Vitali Kanevsky)
3. Nouvelle vague (Jean-Luc Godard)
Os Bons Companheiros (Martin Scorsese)
5. Alexandria, Ainda e Sempre (Youssef Chahine)
Non, ou a Vã Glória de Mandar (Manoel de Oliveira)
Meghe Dhaka Tara (Ritwik Ghatak)
8. Sonhos (Akira Kurosawa)
A Desencantada (Benoît Jacquot)
Crimes e Pecados (Woody Allen)
1991
1. Van Gogh (Maurice Pialat)
2. Ajuste Final (Ethan & Joel Coen)
3. Barton Fink - Delírios de Hollywood (Ethan & Joel Coen)
4. O Poderoso Chefão III (Francis Ford Coppola)
5. Close Up (Abbas Kiarostami)
6. J'entends plus la guitare (Philippe Garrel)
7. Edward Mãos de Tesoura (Tim Burton)
8. Rapsódia em Agosto (Akira Kurosawa)
9. Os Amantes de Pont-Neuf (Leos Carax)
10. Paris se Levanta (Olivier Assayas)
1992
1. Os Imperdoáveis (Clint Eastwood)
2. O Estrangeiro (Satyajit Ray)
3. A Vida e Nada Mais (E a Vida Continua...) (Abbas Kiarostami)
4. Maridos e Esposas (Woody Allen)
5. Noites Felinas (Cyril Collard)
Border Line (Danièle Dubroux)
A Sentinela (Arnaud Desplechin)
8. Conto de Inverno (Eric Rohmer)
Caça às Borboletas (Otar Iosseliani)
10. A Brighter Summer Day (Edward Yang)
Balanta (Lucian Pintilie)
Le Mirage (Jean-Claude Guiguet)
La casa del sorriso (Marco Ferreri)
Centenário do Cinema
100 filmes para uma videoteca ideal
O Segredo do Abismo (James Cameron, 1989)
L'Acrobate (Jean-Daniel Pollet, 1976)
Adieu Philippine (Jacques Rozier, 1962)
O Amor (Roberto Rossellini, 1948)
Angèle (Marcel Pagnol, 1934)
Noivo Neurótico, Noiva Nervosa (Woody Allen, 1977)
Alger la blanche (Cyril Collard, 1986)
Ata-me (Pedro Almodóvar, 1990)
L'Amour à mort (Alain Resnais, 1984)
Sedução e Vingança (Abel Ferrara, 1981)
Através de um Espelho (Ingmar Bergman, 1961)
Aos Nossos Amores (Maurice Pialat, 1983)
Caminhos Violentos (James Foley, 1986)
Viagem Insólita (Joe Dante, 1987)
A Bela Intrigante (Jacques Rivette, 1991)
Carrinho de Bebê no Rio Styx (Kenji Misumi, 1972)
Sabes o Que Quero (Frank Tashlin, 1956)
Os Irmãos Cara de Pau (John Landis, 1980)
Bonne chance (Sacha Guitry, 1935)
Blow Up - Depois Daquele Beijo (Michelangelo Antonioni, 1966)
Gosto de Sangue (Ethan & Joel Coen, 1984)
Les Camisards (René Allio, 1972)
The Great Flamarion (Anthony Mann, 1945)
O Discreto Charme da Burguesia (Luis Buñuel, 1972)
Cavalos de Fogo (Sergei Parajanov, 1964)
55 Dias em Pequim (Nicholas Ray, 1963)
Cidadão Kane (Orson Welles, 1941)
Conto dos Crisântemos Tardios (Kenji Mizoguchi, 1939)
Courts-circuits (Patrick Grandperret, 1981)
O Grito da Coruja (Claude Chabrol, 1987)
Switch - Trocaram Meu Sexo (Blake Edwards, 1991)
Jejum de Amor (Howard Hawks, 1940)
Técnica de um Delator (Jean-Pierre Melville, 1962)
2001: Uma Odisséia no Espaço (Stanley Kubrick, 1968)
As Duas Inglesas e o Amor (François Truffaut, 1971)
O Império dos Sentidos (Nagisa Oshima, 1976)
Edward Mãos de Tesoura (Tim Burton, 1990)
Duas Vidas (Leo McCarey, 1939)
Infância Nua (Maurice Pialat, 1968)
O Estado das Coisas (Wim Wenders, 1982)
Trinta Anos Esta Noite (Louis Malle, 1963)
A Mulher do Aviador (Eric Rohmer, 1981)
Fanny & Alexander (Ingmar Bergman, 1982)
Minha Bela Dama (George Cukor, 1964)
French Cancan (Jean Renoir, 1955)
Fuga do Passado (Jacques Tourneur, 1947)
O Homem Invisível (James Whale, 1933)
Um Homem com uma Câmera (Dziga Vertov, 1929)
Hi, Mom! (Brian De Palma, 1970)
India Song (Marguerite Duras, 1975)
Era uma Vez no Oeste (Sergio Leone, 1968)
Era uma Vez na América (Sergio Leone, 1984)
O Homem Que Matou o Facínora (John Ford, 1962)
Vampiros de Almas (Don Siegel, 1956)
Dias de Ira (Carl Dreyer, 1943)
Jules e Jim - Uma Mulher Para Dois (François Truffaut, 1962)
Sob a Luz do Verão (Jean Grémillon, 1943)
Mélo (Alain Resnais, 1986)
O Desprezo (Jean-Luc Godard, 1963)
Intriga Internacional (Alfred Hitchcock, 1959)
Merlusse (Marcel Pagnol, 1935)
Grilhões do Passado (Orson Welles, 1955)
Monsieur Verdoux (Charles Chaplin, 1947)
Muriel (Alain Resnais, 1963)
Minha Adorável Lavanderia (Stephen Frears, 1985)
O Nascimento de uma Nação (D.W. Griffith, 1915)
Aconteceu Naquela Noite (Frank Capra, 1934)
O Mistério do Número 17 (Alfred Hitchcock, 1932)
L'Oeil du malin (Claude Chabrol, 1962)
Opening Night (John Cassavetes, 1977)
Os Guarda-Chuvas do Amor (Jacques Demy, 1964)
Palombella rossa (Nanni Moretti, 1989)
Paisà (Roberto Rossellini, 1946)
Le Passe-montagne (Jean-François Stévenin, 1978)
Um Dia no Campo (Jean Renoir, 1936)
Plano 9 do Espaço Sideral (Edward D. Wood Jr., 1959)
Cuidado com a Puta Sagrada (Rainer Werner Fassbinder, 1971)
Poeira no Vento (Hou Hsiao-hsien, 1986)
Erotismo à Flor da Pele (Francis Leroi, 1991)
Um Rei em Nova York (Charles Chaplin, 1957)
Rachel, Rachel (Paul Newman, 1968)
Cortina Rasgada (Alfred Hitchcock, 1966)
New One-Armed Swordsman (Chang Cheh, 1971)
Coração Selvagem (David Lynch, 1990)
O Iluminado (Stanley Kubrick, 1980)
Sangue de um Poeta (Jean Cocteau, 1930)
O Maior Espetáculo da Terra (Cecil B. DeMille, 1952)
A Estrada da Vida (Federico Fellini, 1954)
Touche pas à la femme blanche (Marco Ferreri, 1974)
Grisbi, Ouro Maldito (Jacques Becker, 1954)
O Tigre de Bengala/O Sepulcro Indiano (Fritz Lang, 1958)
Tex Avery - selecão de desenhos animados (1935-1956)
36 fillette (Catherine Breillat, 1988)
Três Mulheres (Satyajit Ray, 1961)
Les Trois font la paire (Sacha Guitry, 1957)
Les Vampires (Louis Feuillade, 1915)
La Vérité (Henri-Georges Clouzot, 1960)
A Felicidade Não se Compra (Frank Capra, 1946)
O Franco Atirador (Michael Cimino, 1978)
Videodrome - A Síndrome do Vídeo (David Cronenberg, 1983)
1993
1. Um Mundo Perfeito (Clint Eastwood)
2. O Vale Abraão (Manoel de Oliveira)
3. A Árvore, o Prefeito e a Mediateca (Eric Rohmer)
4. Smoking/No Smoking (Alain Resnais)
5. O País dos Surdos (Nicolas Philibert)
6. Dias e Noites na Floresta (Satyajit Ray)
7. Uma Mulher Para Dois (John McNaughton)
8. Inocente Mordida (John Landis)
9. Vício Frenético (Abel Ferrara)
10. Infelizmente Para Mim (Jean-Luc Godard)
1994
1. Caro Diário (Nanni Moretti)
2. Noites Sem Dormir (Claire Denis)
3. O Pagamento Final (Brian De Palma)
4. Rosas Selvagens (André Téchiné)
5. O Estranho Mundo de Jack de Tim Burton (Henry Selick)
6. Travolta et moi (Patricia Mazuy)
7. Ciúme - O Inferno do Amor Possessivo (Claude Chabrol)
8. Jeanne la Pucelle (Jacques Rivette)
9. US Go Home (Claire Denis)
10. Pequenos Arranjos com os Mortos (Pascale Ferran)
M. Butterfly (David Cronenberg)
1995
1. Mulheres Diabólicas (Claude Chabrol)
2. Le Garçu (Maurice Pialat)
3. Waati (Souleymane Cissé)
4. As Pontes de Madison (Clint Eastwood)
5. Oublie-moi (Noémie Lvovsky)
6. A Flor do Meu Segredo (Pedro Almodóvar)
7. Adrenalina Máxima (Takeshi Kitano)
8. Ed Wood (Tim Burton)
9. Através das Oliveiras (Abbas Kiarostami)
10. À Beira da Loucura (John Carpenter)
1996
1. Crash - Estranhos Prazeres (David Cronenberg)
2. Para Sempre Mozart (Jean-Luc Godard)
3. Cassino (Martin Scorsese)
4. Comment je me suis disputé... (ma vie sexuelle) (Arnaud Desplechin)
5. A Comédia de Deus (João César Monteiro)
6. Dead Man (Jim Jarmusch)
7. Os Ladrões (André Téchiné)
8. Missão: Impossível (Brian De Palma)
9. Encore (Pascal Bonitzer)
Parfait amour! (Catherine Breillat)
10. Não Esqueça Que Você Vai Morrer (Xavier Beauvois)
1997
1. Hana-bi - Fogos de Artifício (Takeshi Kitano)
2. Adeus ao Sul (Hou Hsiao-hsien)
3. A Estrada Perdida (David Lynch)
4. A Enguia (Shohei Imamura)
O Rio (Tsai Ming-liang)
6. Gosto de Cereja (Abbas Kiarostami)
Amores Parisienses (Alain Resnais)
O Sétimo Céu (Benoît Jacquot)
9. A Outra Face (John Woo)
Pânico (Wes Craven)
Felizes Juntos (Wong Kar-wai)
1998
1. Flores de Shanghai (Hou Hsiao-hsien)
2. Doutor Akagi (Shohei Imamura)
3. Meia-Noite no Jardim do Bem e do Mal (Clint Eastwood)
Conto de Outono (Eric Rohmer)
5. Inquietude (Manoel de Oliveira)
Sue (Amos Kollek)
7. O Tédio (Cédric Kahn)
Velvet Goldmine (Todd Haynes)
9. Olhos de Serpente (Brian De Palma)
10. Ossos (Pedro Costa)
Titanic (James Cameron)
Jackie Brown (Quentin Tarantino)
L'Arrière pays (Jacques Nolot)
1999
1. De Olhos Bem Fechados (Stanley Kubrick)
2. O Vento nos Levará (Abbas Kiarostami)
3. Gente da Sicília (Jean-Marie Straub & Danièle Huillet)
4. eXistenZ (David Cronenberg)
5. O Vento da Noite (Philippe Garrel)
6. Crime Verdadeiro (Clint Eastwood)
7. A Carta (Manoel de Oliveira)
8. História Real (David Lynch)
9. Ghost Dog (Jim Jarmusch)
10. As Bodas de Deus (João César Monteiro)
Os melhores filmes da década de 90
1. O Pagamento Final (Brian De Palma, 1993)
Adeus ao Sul (Hou Hsiao-hsien, 1996)
As Pontes de Madison (Clint Eastwood, 1995)
4. De Olhos Bem Fechados (Stanley Kubrick, 1999)
Twin Peaks: Os Últimos Dias de Laura Palmer (David Lynch, 1992)
Close Up (Abbas Kiarostami, 1990)
Os Imperdoáveis (Clint Eastwood, 1992)
8. Crash - Estranhos Prazeres (David Cronenberg, 1996)
Edward Mãos de Tesoura (Tim Burton, 1990)
O Rio (Tsai Ming-liang, 1997)
2000
1. Esther Kahn (Arnaud Desplechin)
2. A Prisioneira (Chantal Akerman)
3. O Mundo de Andy (Milos Forman)
4. Missão: Marte (Brian De Palma)
5. Amor à Flor da Pele (Wong Kar-wai)
6. M/Other (Nobuhiro Suwa)
7. As Virgens Suicidas (Sofia Coppola)
As Coisas Simples da Vida (Edward Yang)
9. Cowboys do Espaço (Clint Eastwood)
10. Os Indigentes do Bom Deus (Jean-Claude Brisseau)
2001
1. Cidade dos Sonhos (David Lynch)
2. A Inglesa e o Duque (Eric Rohmer)
3. Millennium Mambo (Hou Hsiao-hsien)
4. O Tempo e a Maré (Tsui Hark)
5. Vou Para Casa (Manoel de Oliveira)
6. Plataforma (Jia Zhang-ke)
Sauvage innocence (Philippe Garrel)
8. Sobibor, 14 octobre 1943, 16 heures (Claude Lanzmann)
9. O Quarto do Filho (Nanni Moretti)
10. Gangues do Gueto (Abel Ferrara)
+ "Loft story" (M6)
2002
1. Coisas Secretas (Jean-Claude Brisseau)
Dez (Abbas Kiarostami)
3. Eternamente Sua (Apichatpong Weerasethakul)
4. De l'autre côté (Chantal Akerman)
5. O Princípio da Incerteza (Manoel de Oliveira)
6. A Hora da Religião (Marco Bellocchio)
7. Fale com Ela (Pedro Almodóvar)
8. A Viagem de Chihiro (Hayao Miyazaki)
Spider (David Cronenberg)
10. "24 Horas" série de TV (Robert Cochran & Joel Surnow)
Gerry (Gus Van Sant)
2003
Sem lista
2004
1. Mal dos Trópicos (Apichatpong Weerasethakul)
2. West of the Tracks (Wang Bing)
S-21 - A Máquina de Morte do Khmer Vermelho (Rithy Panh)
A Vila (M. Night Shyamalan)
5. Shara (Naomi Kawase)
6. Reis e Rainha (Arnaud Desplechin)
The Brown Bunny (Vincent Gallo)
Gerry (Gus Van Sant)
9. Café Lumière (Hou Hsiao-hsien)
Kill Bill Vol. 2 (Quentin Tarantino)
Sarabanda (Ingmar Bergman)
2005
1. Last Days (Gus Van Sant)
2. Os Amantes Constantes (Philippe Garrel)
3. Marcas da Violência (David Cronenberg)
4. O Pequeno Tenente (Xavier Beauvois)
O Mundo (Jia Zhang-ke)
Three Times (Hou Hsiao-hsien)
1/3 des yeux (Olivier Zabat)
8. Fica Comigo (Eric Khoo)
A Tale of Cinema (Hong Sang-soo)
O Homem Urso (Werner Herzog)
Sin City - A Cidade do Pecado (Robert Rodriguez & Frank Miller)
TONACCI
INÁCIO ARAUJO
Agora, ninguém se engane. Filme filme mesmo é "Serras da Desordem". Para mim é o melhor brasileiro desde "O Viajante".
...
Pimba na gorduchinha.
(não, eu não vi o filme - os amigos de SP são testemunhas disso)
Agora, ninguém se engane. Filme filme mesmo é "Serras da Desordem". Para mim é o melhor brasileiro desde "O Viajante".
...
Pimba na gorduchinha.
(não, eu não vi o filme - os amigos de SP são testemunhas disso)
LE MOIS PROCHAIN
Dans le prochain N°:
Johnnie To et le nouveau cinéma hong-kongais.
En avant Jeunesse! de Pedro Costa.
Produit-on trop de films en France ?
Jean Eustache à Beaubourg...
Le top 10 2006 des lecteurs et de la rédaction...
Johnnie To et le nouveau cinéma hong-kongais.
En avant Jeunesse! de Pedro Costa.
Produit-on trop de films en France ?
Jean Eustache à Beaubourg...
Le top 10 2006 des lecteurs et de la rédaction...
sábado, 9 de dezembro de 2006
sexta-feira, 8 de dezembro de 2006
Correspondant 17
CINéCINéMA CLASSIC, 20 h 45.
Par Louis SKORECKI
Oublier que Hitchcock est anglais serait d'un incroyable mauvais goût. Noël Simsolo, le seul disciple du Socrate des cinéphiles, Jean Douchet, a été associé à l'intégrale Hitchcock concoctée par CinéCinéma Classic. Il a signé Jeux avec l'invisible, un documentaire parfait sur Correspondant 17 (programmé à 22 h 30 sur CCC, juste après le grand film), on vérifiera avec lui l'anglitude idéale et décalée de ce beau film, le second Hitchcock hollywoodien, sorti quelques mois après Rebecca, en pleine guerre, en 1940. Ne pas oublier l'effort esthético-narratif (donc politique) du grand Alfred Hitchcock pour convaincre l'Amérique, et les Américains, de le suivre dans ses convictions antinazies, prévient Simsolo. Il a raison.
C'est quoi ce film, au fait ? Un film sans Gary Cooper, dirait Jean-Claude Brisseau, vu que l'immense Gary Cooper a refusé le rôle (il l'a regretté plus tard), un rôle que Joel McCrea endosse à merveille avec sa nonchalance naïve, qui n'est pas au fond sans rappeler celle du grand Gary. Quoi encore ? George Sanders en double cynique, rapide, idéalement british, de Joel McCrea ; Herbert Marshall en nazi de l'ombre, qui roule son monde (plus le méchant est réussi, plus le film est réussi, disait Hitchcock). C'est tout ? Eh oui, regardez le film, je ne peux pas le faire à votre place.
Par Louis SKORECKI
Oublier que Hitchcock est anglais serait d'un incroyable mauvais goût. Noël Simsolo, le seul disciple du Socrate des cinéphiles, Jean Douchet, a été associé à l'intégrale Hitchcock concoctée par CinéCinéma Classic. Il a signé Jeux avec l'invisible, un documentaire parfait sur Correspondant 17 (programmé à 22 h 30 sur CCC, juste après le grand film), on vérifiera avec lui l'anglitude idéale et décalée de ce beau film, le second Hitchcock hollywoodien, sorti quelques mois après Rebecca, en pleine guerre, en 1940. Ne pas oublier l'effort esthético-narratif (donc politique) du grand Alfred Hitchcock pour convaincre l'Amérique, et les Américains, de le suivre dans ses convictions antinazies, prévient Simsolo. Il a raison.
C'est quoi ce film, au fait ? Un film sans Gary Cooper, dirait Jean-Claude Brisseau, vu que l'immense Gary Cooper a refusé le rôle (il l'a regretté plus tard), un rôle que Joel McCrea endosse à merveille avec sa nonchalance naïve, qui n'est pas au fond sans rappeler celle du grand Gary. Quoi encore ? George Sanders en double cynique, rapide, idéalement british, de Joel McCrea ; Herbert Marshall en nazi de l'ombre, qui roule son monde (plus le méchant est réussi, plus le film est réussi, disait Hitchcock). C'est tout ? Eh oui, regardez le film, je ne peux pas le faire à votre place.
quinta-feira, 7 de dezembro de 2006
Lo spettacolo perturbante
Giona A. Nazzaro (del 6/1/2004)
Il problema è che Dario Argento ci chiede di reinventare il nostro sguardo. Da scultore di forme antonioniane, Argento sembra aver intrapreso una straordinaria deriva di progressiva dealfabetizzazione del proprio cinema. Cioè calare in un voluto oblìo tutto ciò che sembra essere costitutivo del genere. Il cartaio, un po’ Fellini, con i suoi sussulti assolutamente anarchici, il versante godardiano, ossia il lavoro con gli attori utilizzati come materia grezza da filmare suo malgrado, non può piacere. Il cinema argentiano sta diventando una faccenda intima, ma lo è sempre stato. Chiuso in se stesso, si apre al mondo dimenticando le forme del cinema e la sua sintassi. Argento è come se si stesse inventando un Rossellini tutto suo, un cinema post-mito. Basta osservare come il suo sguardo architettonico indugia su spazi e volumi (cercate lì il suo cinema), come riquadra in continuazione gli spazi e come Roma si rivela panica e misterica, incantata al suo sguardo bambino. Come il suono dolcissimo che riprova a imparare a parlare dopo aver dimenticato volutamente la scrittura, Il cartaio gioca a dimenticare se stesso, la propria sintassi. E in quanto tale è uno spettacolo perturbante e, perché no?, a tratti persino irritante. Ma se non altro è cinema vivo.
Certo tutto è fuori sintonia, disarmonico, come se l’unico modo per sfidare un mondo non più cinematografico fosse quello di spezzare il consenso della presente unità paratelevisiva dello sguardo e del mondo. Il cinema quindi come atto di discontinuità, per quanto radicato nel cuore di un cinema che orfano lo è stato da sempre (la famosa faccenda dei generi...). Alla fine si esce quasi esausti da Il cartaio, gli occhi trafitti da momenti di lancinante bellezza e il cuore spossato. Argento sta più avanti di noi. Lui spezza e distrugge, ripensa, come in un pubblico olocausto, il suo cinema. È questo lo spettacolo che ci offre Argento oggi. Un cinema che nel ricercare la sua purezza si riscopre corpo macchina disintenzionato. L'assassino cercatelo altrove. Qui c’è solo il funerale di ciò che resta del cinema. Ma è un funerale che guarda avanti. D'altronde non c’è altra scelta. E Argento lo sa.
Il problema è che Dario Argento ci chiede di reinventare il nostro sguardo. Da scultore di forme antonioniane, Argento sembra aver intrapreso una straordinaria deriva di progressiva dealfabetizzazione del proprio cinema. Cioè calare in un voluto oblìo tutto ciò che sembra essere costitutivo del genere. Il cartaio, un po’ Fellini, con i suoi sussulti assolutamente anarchici, il versante godardiano, ossia il lavoro con gli attori utilizzati come materia grezza da filmare suo malgrado, non può piacere. Il cinema argentiano sta diventando una faccenda intima, ma lo è sempre stato. Chiuso in se stesso, si apre al mondo dimenticando le forme del cinema e la sua sintassi. Argento è come se si stesse inventando un Rossellini tutto suo, un cinema post-mito. Basta osservare come il suo sguardo architettonico indugia su spazi e volumi (cercate lì il suo cinema), come riquadra in continuazione gli spazi e come Roma si rivela panica e misterica, incantata al suo sguardo bambino. Come il suono dolcissimo che riprova a imparare a parlare dopo aver dimenticato volutamente la scrittura, Il cartaio gioca a dimenticare se stesso, la propria sintassi. E in quanto tale è uno spettacolo perturbante e, perché no?, a tratti persino irritante. Ma se non altro è cinema vivo.
Certo tutto è fuori sintonia, disarmonico, come se l’unico modo per sfidare un mondo non più cinematografico fosse quello di spezzare il consenso della presente unità paratelevisiva dello sguardo e del mondo. Il cinema quindi come atto di discontinuità, per quanto radicato nel cuore di un cinema che orfano lo è stato da sempre (la famosa faccenda dei generi...). Alla fine si esce quasi esausti da Il cartaio, gli occhi trafitti da momenti di lancinante bellezza e il cuore spossato. Argento sta più avanti di noi. Lui spezza e distrugge, ripensa, come in un pubblico olocausto, il suo cinema. È questo lo spettacolo che ci offre Argento oggi. Un cinema che nel ricercare la sua purezza si riscopre corpo macchina disintenzionato. L'assassino cercatelo altrove. Qui c’è solo il funerale di ciò che resta del cinema. Ma è un funerale che guarda avanti. D'altronde non c’è altra scelta. E Argento lo sa.
Rebecca (2)
Cinecinema Classic, 7 h 40
Par Louis SKORECKI
Oublier qu'Hitchcock est anglais serait pire qu'un crime, ce serait une faute de goût. Oublier que Rebecca, son premier film hollywoodien, est sorti en pleine guerre (en 1940), serait une bêtise. Oublier que quinze ans plus tard, Hitchcock sera l'un des héros de la télé, ce serait n'y rien comprendre. Avant de se faire connaître à la télévision, et nulle part ailleurs (c'est elle qui l'a inventé, n'oubliez pas ça, crétins du troisième rang qui n'aimez que le cinéma sur papier glacé), il a été l'homme d'un seul film, un film anglais, son plus beau, les 39 marches (1935), le seul à être hors temps, hors genre, c'est-à-dire absolument libre, avec ce rare sentiment de légèreté et d'improvisation presque poétique, après lequel les plus grands (Charlot, Ford, Renoir), n'ont jamais cessé de courir.
Où passent les fantômes quand ils ont passé le pont ? Ils font l'acteur dans les films post-expressionistes du maître. A la jonction de Murnau, Lang, Tourneur, Hitch s'invente une légèreté fatale et meurtrière, dans ce film selznickien, adapté de la même Daphné du Maurier qui lui inspirera les Oiseaux. Les acteurs, comme toujours chez Hitchcock, ont une allure folle. Laurence Olivier, Joan Fontaine, George Sanders, Judith Anderson, pour ne parler que d'eux, sont d'une subtilité presque mizoguchienne.
Par Louis SKORECKI
Oublier qu'Hitchcock est anglais serait pire qu'un crime, ce serait une faute de goût. Oublier que Rebecca, son premier film hollywoodien, est sorti en pleine guerre (en 1940), serait une bêtise. Oublier que quinze ans plus tard, Hitchcock sera l'un des héros de la télé, ce serait n'y rien comprendre. Avant de se faire connaître à la télévision, et nulle part ailleurs (c'est elle qui l'a inventé, n'oubliez pas ça, crétins du troisième rang qui n'aimez que le cinéma sur papier glacé), il a été l'homme d'un seul film, un film anglais, son plus beau, les 39 marches (1935), le seul à être hors temps, hors genre, c'est-à-dire absolument libre, avec ce rare sentiment de légèreté et d'improvisation presque poétique, après lequel les plus grands (Charlot, Ford, Renoir), n'ont jamais cessé de courir.
Où passent les fantômes quand ils ont passé le pont ? Ils font l'acteur dans les films post-expressionistes du maître. A la jonction de Murnau, Lang, Tourneur, Hitch s'invente une légèreté fatale et meurtrière, dans ce film selznickien, adapté de la même Daphné du Maurier qui lui inspirera les Oiseaux. Les acteurs, comme toujours chez Hitchcock, ont une allure folle. Laurence Olivier, Joan Fontaine, George Sanders, Judith Anderson, pour ne parler que d'eux, sont d'une subtilité presque mizoguchienne.
quarta-feira, 6 de dezembro de 2006
Dei uma passada agora no Serge Daney in English, e tem algumas coisas novas muito boas.
Tais quais:
What’s happening in the years 1955 to 1960? Some moviemakers, not necessarily good ones, saw that something was happening in front of their eyes. For example Roger Vadim, a very bad director, sees Brigitte Bardot. And Brigitte Bardot is the most important thing that happens to French cinema in 1955. Many missed her, and that includes me. I was 10 years old but I could have been smarter. I found her stupid. Vadim sees Bardot and he films her, badly, and it is wonderful. He falls in love with her of course but he has the intelligence not to make an artist’s movie but a low-key movie - Et Dieu créa la femme - that is nothing in itself but where there is something formidable. The movie features respected actors as well as a rising star, Jean-Louis Trintignant, and Vadim records the amazement of these actors to play with this girl who breaks all the rules of acting and visibly invents a dialogue of her own. A profoundly stupid dialogue which is unforgettable. “What a nitwit this rabbit!” nobody from the Qualité Française could write something like that. And at the time Bardot is right because France is going to look like her.
...
Invasion of the Body Snatchers (Don Siegel)
(...) What is more surprising is that science fiction movies are precisely the ones where the feeling of strangeness is the least disturbing, where the idea of the Other would be familiar or ordinary. And these are often reactionary movies where man, far from going beyond himself - where he is so little -, ends up accepting, bitterly and convincingly, this human condition that some (totalitarian regimes let's say) want to deny him.
...
http://sergedaney.blogspot.com/
Tais quais:
What’s happening in the years 1955 to 1960? Some moviemakers, not necessarily good ones, saw that something was happening in front of their eyes. For example Roger Vadim, a very bad director, sees Brigitte Bardot. And Brigitte Bardot is the most important thing that happens to French cinema in 1955. Many missed her, and that includes me. I was 10 years old but I could have been smarter. I found her stupid. Vadim sees Bardot and he films her, badly, and it is wonderful. He falls in love with her of course but he has the intelligence not to make an artist’s movie but a low-key movie - Et Dieu créa la femme - that is nothing in itself but where there is something formidable. The movie features respected actors as well as a rising star, Jean-Louis Trintignant, and Vadim records the amazement of these actors to play with this girl who breaks all the rules of acting and visibly invents a dialogue of her own. A profoundly stupid dialogue which is unforgettable. “What a nitwit this rabbit!” nobody from the Qualité Française could write something like that. And at the time Bardot is right because France is going to look like her.
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Invasion of the Body Snatchers (Don Siegel)
(...) What is more surprising is that science fiction movies are precisely the ones where the feeling of strangeness is the least disturbing, where the idea of the Other would be familiar or ordinary. And these are often reactionary movies where man, far from going beyond himself - where he is so little -, ends up accepting, bitterly and convincingly, this human condition that some (totalitarian regimes let's say) want to deny him.
...
http://sergedaney.blogspot.com/
http://www.youtube.com/watch?v=Gp1crCD-HYk
Bem que após GO GO TALES Ferrara podia anunciar sua refilmagem de O DESPREZO.
Com
Nicole Kidman como Camille
Chevy Chase como Paul Javal
Mickey Rourke como Jeremy Prokosch
Asia Argento como Francesca Vanini
&
Jean-Luc Godard como Fritz Lang
Obs.: na falta de Kidman, pode ser la Binoche mesmo.
Do blog do Zach Campbell:
"But we never know when or where something--a crowd of soldier's, a main character, a building in the foreground, a lake in the distance--will break Rossellini's shots and basically reconstitute the nature of the entire shot itself, which may have started tight and close but ended long, wide, striated. This is part of his engagement with that amorphous thing, 'realism.' It's not about naive indexicality of the image, it's about the demonstration of material largeness and the inadequacies (as well as attempts) of the camera to capture it all ..."
Perfeito.
É exata e precisamente isso que eu falaria da tríade Cimino-Ferrara-Mann; dos únicos que, neste saco de gatos que alguns ainda tentam chamar de "cinema contemporâneo", conseguem sugerir através de suas imagens as tais "inadequacies (as well as attempts) of the camera to capture it all ..."
"But we never know when or where something--a crowd of soldier's, a main character, a building in the foreground, a lake in the distance--will break Rossellini's shots and basically reconstitute the nature of the entire shot itself, which may have started tight and close but ended long, wide, striated. This is part of his engagement with that amorphous thing, 'realism.' It's not about naive indexicality of the image, it's about the demonstration of material largeness and the inadequacies (as well as attempts) of the camera to capture it all ..."
Perfeito.
É exata e precisamente isso que eu falaria da tríade Cimino-Ferrara-Mann; dos únicos que, neste saco de gatos que alguns ainda tentam chamar de "cinema contemporâneo", conseguem sugerir através de suas imagens as tais "inadequacies (as well as attempts) of the camera to capture it all ..."
Cop
ARTE, 1 heure
Par Louis SKORECKI
Ne pas oublier qu'avant de devenir cinéaste, James B. Harris fut l'associé et l'âme damnée de Stanley Kubrick (et le producteur inspiré de son meilleur film, Lolita). L'ami Pierre Rissient, qui connaît Harris depuis longtemps, pourrait nous en dire plus, s'il le voulait. Le voudra-t-il ? Sur James B. Harris ou Clint Eastwood, sur Raoul Walsh ou Jane Campion, Rissient pourrait nous en apprendre beaucoup. Le voudra-t-il ? Il faudra lui demander.
De Cop, on dira (l'expression est de Daney) que c'est un grand film malade, un dérivé des pires séries télé, inconsistant et mou, dont les éclairs de génie effacent le jugement qui précède. Cop est un classique, dans la ligne de la grande déception monochrome des anciens, Tourneur, Ford, Walsh, Dwan.
Adapté par Harris de James Ellroy (comme le Dahlia noir, qu'il vient de produire à près de 80 ans), Cop met en scène une fillette élevée à coup de sales histoires de travelos violés ; Lesley Ann Warren dans un rôle de poétesse féministe ; Charles Haid (un ancien du chef-d'oeuvre de Bochco, Hill Street Blues) en shérif rouquin ; et surtout James Woods, vérolé, magique (et coproducteur du film), en policier sombre. En tout, quinze ans de meurtres rituels, qui rappellent un épisode parano de X Files, sur un assassin qui dévore le foie de ses victimes une fois tous les 33 ans.
Par Louis SKORECKI
Ne pas oublier qu'avant de devenir cinéaste, James B. Harris fut l'associé et l'âme damnée de Stanley Kubrick (et le producteur inspiré de son meilleur film, Lolita). L'ami Pierre Rissient, qui connaît Harris depuis longtemps, pourrait nous en dire plus, s'il le voulait. Le voudra-t-il ? Sur James B. Harris ou Clint Eastwood, sur Raoul Walsh ou Jane Campion, Rissient pourrait nous en apprendre beaucoup. Le voudra-t-il ? Il faudra lui demander.
De Cop, on dira (l'expression est de Daney) que c'est un grand film malade, un dérivé des pires séries télé, inconsistant et mou, dont les éclairs de génie effacent le jugement qui précède. Cop est un classique, dans la ligne de la grande déception monochrome des anciens, Tourneur, Ford, Walsh, Dwan.
Adapté par Harris de James Ellroy (comme le Dahlia noir, qu'il vient de produire à près de 80 ans), Cop met en scène une fillette élevée à coup de sales histoires de travelos violés ; Lesley Ann Warren dans un rôle de poétesse féministe ; Charles Haid (un ancien du chef-d'oeuvre de Bochco, Hill Street Blues) en shérif rouquin ; et surtout James Woods, vérolé, magique (et coproducteur du film), en policier sombre. En tout, quinze ans de meurtres rituels, qui rappellent un épisode parano de X Files, sur un assassin qui dévore le foie de ses victimes une fois tous les 33 ans.
Luc Besson a donc finalement obtenu gain de cause : son pharaonique projet de Cité du cinéma aux portes de Paris, qu'il couve depuis de longues années, vient de se voir accordé le permis de construire tant espéré.
Agora junta isso com a notícia de que o próximo "filme" do Jorge Furtado conta com Wagner Moura no elenco, e temos um diagnóstico bem rápido do estado geral das coisas.
Bastante lamentável.
Uma Cinecittá francesa do séc. XXI sob os moldes do sr. Besson, mais uma sub-imitação de cinema do sr. Furtado... É tudo que o cinema precisa.
Agora junta isso com a notícia de que o próximo "filme" do Jorge Furtado conta com Wagner Moura no elenco, e temos um diagnóstico bem rápido do estado geral das coisas.
Bastante lamentável.
Uma Cinecittá francesa do séc. XXI sob os moldes do sr. Besson, mais uma sub-imitação de cinema do sr. Furtado... É tudo que o cinema precisa.
terça-feira, 5 de dezembro de 2006
Les Enquêtes du commissaire Maigret
Par Louis SKORECKI
CINECINEMA CLASSIC, 2 h 20
En principe, je n'ai pas le droit de faire ça. La télé, ce n'est pas dans mon cahier des charges. Mais je ne résiste pas. Voir un cycle sur les Maigret avec Jean Richard sur Classic (faut le faire, c'est encore un coup de génie de Bruno Deloye), c'est mon cadeau de Noël, celui dont je n'osais pas rêver. Faut vous dire que j'aime la télévision (et ses spectateurs) au moins autant que je déteste le cinéma (et les crétins qui dépensent autant d'argent pour y aller). Et j'aime d'amour Jean Richard. J'ai du respect pour le Maigret rétroripoliné actuel, mais j'aimais vraiment mieux Cremer quand il tournait avec Brisseau.
Jean Richard, c'est le music- hall, le cirque, le cinéma. Comme Charlot. Comme Toto. Comme Tati. Comme Harry Baur, Pierre Renoir, les créateurs du personnage pour Julien Duvivier et le fils Renoir, dans l'immédiat après-muet. On ne l'a jamais apprécié à sa juste mesure, l'ami Jean Richard. Il gigotait trop, mais qui vous dit que Maigret, le vrai Maigret, ne gigotait pas autant ? Il avait de drôles de grimaces d'expression, mais qui vous dit que Maigret n'en avait pas ? Il faisait mieux que ça, Jean Richard : il jouait avec son corps, ses mains, ses hanches, ses pieds, ses oreilles. Quand il a eu son attaque cérébrale, il ne jouait que d'un seul côté, l'autre était paralysé. Il était encore meilleur.
CINECINEMA CLASSIC, 2 h 20
En principe, je n'ai pas le droit de faire ça. La télé, ce n'est pas dans mon cahier des charges. Mais je ne résiste pas. Voir un cycle sur les Maigret avec Jean Richard sur Classic (faut le faire, c'est encore un coup de génie de Bruno Deloye), c'est mon cadeau de Noël, celui dont je n'osais pas rêver. Faut vous dire que j'aime la télévision (et ses spectateurs) au moins autant que je déteste le cinéma (et les crétins qui dépensent autant d'argent pour y aller). Et j'aime d'amour Jean Richard. J'ai du respect pour le Maigret rétroripoliné actuel, mais j'aimais vraiment mieux Cremer quand il tournait avec Brisseau.
Jean Richard, c'est le music- hall, le cirque, le cinéma. Comme Charlot. Comme Toto. Comme Tati. Comme Harry Baur, Pierre Renoir, les créateurs du personnage pour Julien Duvivier et le fils Renoir, dans l'immédiat après-muet. On ne l'a jamais apprécié à sa juste mesure, l'ami Jean Richard. Il gigotait trop, mais qui vous dit que Maigret, le vrai Maigret, ne gigotait pas autant ? Il avait de drôles de grimaces d'expression, mais qui vous dit que Maigret n'en avait pas ? Il faisait mieux que ça, Jean Richard : il jouait avec son corps, ses mains, ses hanches, ses pieds, ses oreilles. Quand il a eu son attaque cérébrale, il ne jouait que d'un seul côté, l'autre était paralysé. Il était encore meilleur.
segunda-feira, 4 de dezembro de 2006
"Sou um profissional, nada mais. Não quero ser mais que isso. Odeio ver artistas se tornarem mitos, semideuses. É algo que me dá engulhos".
R.R.
R.R.
De minha parte, só digo que o Canto do Inácio está se tornando mais e mais um espaço essencial.
Os últimos textos em particular, que estão pondo uma série de questões nos seus devidos eixos.
Os últimos textos em particular, que estão pondo uma série de questões nos seus devidos eixos.
The Lady Eve
CINECINEMA AUTEUR, 22 h 10
Par Louis SKORECKI
Ne pas oublier Sturges. Pas John, lourdaud fabricant de westerns (les Sept mercenaires, Règlements de comptes à OK Corral), mais Preston, l'ex-scénariste à l'élégance hawksiennne, ironique. Preston, dandy détaché, artiste de passage, triste et drôle à la fois.
Ne pas oublier Sullivan's Travels (1941), chef-d'oeuvre de détachement rieur, de fantaisie sociale, et aussi de légèreté absolue, avec l'un des deux plus beaux couples du cinéma (l'autre, c'est Montgomery Clift et Lee Remick dans le Fleuve sauvage de Kazan) : Joel McCrea et Veronika Lake. Une petite douzaine de films en moins de vingt ans d'activité (1940-1957), c'est peu, mais ça suffit pour laisser une marque aussi grande que celle de Harry Langdon ou de Charles Laughton.
The Lady Eve précède de quelques mois Sullivan's Travels mais il ne le fait pas oublier. Lourcelles parle de «comédie à la fois prévisible et assez lourde», soulignant la belle interprétation de Barbara Stanwyck ainsi que «l'intrusion fréquente du slapstick (maladresses, chutes, carambolages)».
Il ne va pas jusqu'à parler de pré-Vidéo Gag, mais il aurait pu. Lourcelles insiste sur le côté maladroit et burlesque du personnage de Henry Fonda, dont la performance brillante «devient assez vite envahissante et presque insupportable». Rien à ajouter. Avec Lourcelles, on n'a jamais le dernier mot.
Par Louis SKORECKI
Ne pas oublier Sturges. Pas John, lourdaud fabricant de westerns (les Sept mercenaires, Règlements de comptes à OK Corral), mais Preston, l'ex-scénariste à l'élégance hawksiennne, ironique. Preston, dandy détaché, artiste de passage, triste et drôle à la fois.
Ne pas oublier Sullivan's Travels (1941), chef-d'oeuvre de détachement rieur, de fantaisie sociale, et aussi de légèreté absolue, avec l'un des deux plus beaux couples du cinéma (l'autre, c'est Montgomery Clift et Lee Remick dans le Fleuve sauvage de Kazan) : Joel McCrea et Veronika Lake. Une petite douzaine de films en moins de vingt ans d'activité (1940-1957), c'est peu, mais ça suffit pour laisser une marque aussi grande que celle de Harry Langdon ou de Charles Laughton.
The Lady Eve précède de quelques mois Sullivan's Travels mais il ne le fait pas oublier. Lourcelles parle de «comédie à la fois prévisible et assez lourde», soulignant la belle interprétation de Barbara Stanwyck ainsi que «l'intrusion fréquente du slapstick (maladresses, chutes, carambolages)».
Il ne va pas jusqu'à parler de pré-Vidéo Gag, mais il aurait pu. Lourcelles insiste sur le côté maladroit et burlesque du personnage de Henry Fonda, dont la performance brillante «devient assez vite envahissante et presque insupportable». Rien à ajouter. Avec Lourcelles, on n'a jamais le dernier mot.
sábado, 2 de dezembro de 2006
Olha...
http://www.youtube.com/watch?v=Iu_E9nivJxU&mode=related&search=
... um dos melhores do Eastwood. Fácil.
...
EASTWOOD NOIR by David Kehr
Throughout his career as an actor and a filmmaker, Clint Eastwood has practiced a policy of alternation, seldom repeating a tone, a character, or a genre two films in a row.
He follows "Dirty Harry," the 1971 urban thriller that was his breakthrough to superstar status, with the 1972 "High Plains Drifter," a defiant return to the Western genre that had given him his start with "Rawhide" and the Sergio Leone films.
He follows the broad slapstick comedy of "Every Which Way But Loose" (1978) with "Escape from Alcatraz," a terse, tightly focused Don Siegel film that features perhaps Eastwood's most introverted performance. And he is always careful to follow a personal film, such as 1982's "Honkytonk Man," with a more obviously commercial project, such as "Sudden Impact," as if he were following John Ford's old survival technique — making one film for himself, one film for his studio.
But the most significant division in Eastwood's work lies between the collective, community oriented films — the celebrations of family and belonging, such as "Bronco Billy" and "The Outlaw Josey Wales" — and his studies of reclusive, unfathomable figures like Mitchell Grant in "Firefox," Charlie Parker in "Bird," Wes Block in "Tightrope," or Dirty Harry in all of his incarnations (except, tellingly, for his final, self-parodying appearance in "The Dead Pool," where he is allowed finally to become part of a group).
As an artist, Eastwood is divided between these extremes of human existence, never definitively choosing one over the other. The warm glow of community is balanced by the cool breeze of individualism, just as the fear of loneliness is weighed against the resentment of compromise and the burden of unwanted responsibility that are the consequences of social commitment.
This dialogue continues through Eastwood's most recent films. Luther Whitney in "Absolute Power" (1997) is drawn into reconciliation with his estranged daughter, and turns his skill as a criminal — a cat burglar who always works alone -- to working for the public good (the salvation of American democracy, no less). But Steve Everett in "True Crime"(1999) loses his wife and baby daughter, even as he fights successfully to save the life of a man unjustly convicted of murder; at the film's climax, he is a lonely figure disappearing into the shadows of a shopping mall.
The continuing fascination of Eastwood's work comes in part from his refusal to make a clear-cut moral choice between social commitment and personal independence. Both options are viewed as equally valid and equally fulfilling — an unusual and provocative position in a film culture where collective values are almost invariably championed over individualism.
Yet it is here that Eastwood approaches one of the fundamental contradictions of American life, the conflict between democratic collectivism and capitalist egoism. If Eastwood remains impossible to pin down ideologically — despite the facile charges of "fascism" he faced in the 1970s — it's because he has never forced these values into tidy, artificial reconciliation. The ambivalence runs deep in Eastwood's work, just as it does in American life.
"Bronco Billy" (1980) is Eastwood's most optimistic film, a utopian vision of a ragtag community of outsiders and misfits, united by their commitment to the outdated heroic ideals of B westerns. Eastwood himself has described it as his "Capra" film, and it shares Capra's sense of small town values as the antidote to the soulessness and indifference of big business and big government.
Unlike Capra, however, Eastwood acknowledges that this vision is a childish fantasy — Bronco Billy confesses that he is actually a former shoe salesman from New Jersey who always dreamed of being a cowboy — that poses no real challenge to the established order (neatly symbolized by the train that blithely speeds by, oblivious to the pathetic attempt of Billy and his band to stop and rob it). It is no longer possible to return to these naïve ideals, except at the expense of delusion and regression; Billy and his fellow travelers are portrayed as overgrown children adrift in a world of adults, able at best to find themselves a small, safe corner where they can live out their little dreams.
"Bronco Billy," like the more complex and mature "The Outlaw Josey Wales," is structured as a series of additions; new members are accepted into the group, each bringing a particular skill that benefits the community, each representing another subgroup of the socially excluded (among them, significantly, blacks, Indians, women and the elderly). The group is completed when Billy seals his relationship with Miss Lily (Sondra Locke), a skeptical, runaway heiress who is the film's representative of adult, establishment values; by winning her over, Billy has triumphed, if only temporarily, over reality.
After "Bronco Billy," Eastwood starred in "Any Which Way You Can," a sequel to his immensely successful blue-collar comedy "Every Which Way But Loose," in which his co-star was an orangutan named Clyde. The "monkey movies," as Eastwood calls them, share the populist values and communal sentiments of "Billy" but avoid its sentimentality and self-consciousness, choosing instead a more vulgar, brawling, anarchic spirit.
Eastwood did not sign his name to either of the monkey movies (the director's credit went to his long time stunt director, Buddy Van Horn), perhaps an indication that he considered them commercial projects designed to compensate Warner Brothers for accepting the risks of his more personal films. He did, however, sign his next project, "Firefox" (1982), an apparently commercial project (based on a popular novel and packed with "Star Wars"-style special effects) that is actually one of Eastwood's most personal and eccentric works.
"Firefox" is the anti-"Bronco Billy," a cold, unyielding film structured as a series of exclusions and escapes. The hero, Mitchell Gant, is perhaps the isolated of Eastwood's many loners — a former fighter pilot in Vietnam, he has been living in seclusion in the wilderness, haunted by his war experiences and by a particular memory of a young girl burned in a Napalm attack. Gant, in fact, barely seems to exist apart from his one traumatic memory, which Eastwood returns to in repeated, nightmarish flashbacks.
Just as "Bronco Billy" proceeds as a series of additions, "Firefox" is built as a series of subtractions. Gant is slowly stripped of the few elements of social identity he possesses: sent to the Soviet Union a mysterious military agency to steal the prototype of a new, supersonic fighter jet that can defeat radar detection, he is first asked to assume the disguise of an American businessman, then as a Russian worker, and finally as the Soviet fighter pilot who is his opposite number.
As he moves along the stages of his mission, virtually everyone he comes in contact with is killed or sacrificed. His features disappear, first behind a false moustache and a pair of too large glasses; later, and more completely, behind the smoked glass visor of the fighter pilot's helmet. Dressed in the orange flight suit of the Soviet pilot, he has become physically indistinguishable from him, but this is still not enough. The plane, "Firefox," is controlled though a futuristic technology that translates the pilot's thoughts into commands; in order to fly it successfully, Gant must think in Russian, thus giving up the last vestige of his American identity, his private thoughts.
Gant succeeds in stealing the plane, but is pursued by a Russian pilot flying another prototype. He is being chased by his exact double, and the only means of escape is to destroy his pursuer, which means, in effect, destroying himself. At the moment he launches the fatal rocket against his adversary, he is blocked by his memory of the Vietnamese girl; only by definitively repressing it, pushing it completely out of his mind, is he able to think the purely Russian thought that would activate the plane's defense system.
In purging the memory, he loses every last trace of his self, destroying both his double and any remaining traces of individuality he might still possess. And yet, the film presents this as a happy ending. In the final shot, Gant is reduced to a tiny dot on the screen as he flies away into the distance. Eastwood does not give us the expected triumphant climax, with the plane landing and Gant being applauded by his peers; the triumph, instead, lies in Gant's final evaporation, in his liberation from himself.
"Honkytonk Man," Eastwood's second film of 1982, is another story of disappearance, though this time it is couched in far more humanist terms. The memory theme of "Firefox" is here recycled as nostalgia — nostalgia for a bucolic America of the 1930s, where the poverty produced by the Great Depression seems to serve mainly to bring people together.
Eastwood invested many of his own childhood memories in "Honkytonk Man" — his family, like the family unit in the film, spent much of the 1930s in constant motion, as Eastwood's father traveled up and down the California coast in search of work. In the film, the family becomes loose, improvised family unit composed of Red Stovall, a gifted but self-destructive country singer (Eastwood), his nephew Whit (played by Eastwood's son Kyle), and Whit's grandfather (John McIntire). Whit joins up with Red to escape the suffocating confines of his own family, where he will be doomed to life as a sustenance farmer; he hopes that throwing in with Red will mean adventure and the open road, a chance to create his own identity.
Instead, Whit finds that freedom can mean a life without structure, meaning or human connections. One of the many troubled portraits of artists in the Eastwood canon ("Sudden Impact," "Bird," "Escape from Alcatraz," the episode "Vanessa in the Garden" that Eastwood directed for Spielberg's TV series, "Amazing Stories"), Red is introverted, taciturn, self-devouring (tendencies represented by the tuberculosis that is eating out his lungs), and is able to communicate only through the medium of his music.
The film's one moment of group unity is a highly Hawksian sequence in which Red composes the title song riding in the backseat of a car while Grandpa plays the harmonica and Whit contributes a few lines of lyrics. But far more often, Red is a divisive figure who threatens the group with his drunkenness and irresponsibility. His one regret in life is the "raw-boned Oakie girl," Mary, he seduced away from her husband and then abandoned when she became pregnant; in his boozier moments he allows himself to remember her and try to imagine what his life might have been like if he had stayed with her on a farm.
Like Mitchell Gant, Red Stovall seems to lose pieces of himself as he moves through space; finally, he loses his voice during a crucial audition for the Grand ‘Ol Opry, which costs him his last chance of stardom. Unlike Gant, Red occasionally reaches out, both to Whit and to the woman, Marlene (Alexa Kenin), who renews Mary's promise of romantic redemption.
Though he is unable to follow through on these gestures, Red does leave something behind when he dies: Whit receives his guitar, and with it, implicitly, his gift for music; Marlene discovers she is pregnant, and perhaps the baby will be Red reborn in a more appropriately dependent form, as the helpless child he has never ceased to be.
"Honkytonk Man" finally eludes both the sentimentality of "Bronco Billy" and the iciness of "Firefox" to establish a somewhat murky middle territory. If it is not as distinctive a work as the other two films, it does clarify the link between them. Intentionally or not, "Bronco Billy," "Firefox" and "Honkytonk Man" end by forming a trilogy on theme of connection and disconnection, of joining and escaping.
"Sudden Impact," which followed "Honkytonk Man" in 1983, was no doubt intended to be a potboiler spaced between more personal projects: the fourth "Dirty Harry" film, the project reportedly originated with the Warner Brothers brass and was pressed on a reluctant Eastwood. But in the execution, the film becomes one of Eastwood's richest works; it is perhaps his neglected masterpiece, a strange, poetic, supremely dark film that achieves a kind of cosmic perspective through its use of bold, primal symbols: the sea, the night, the Unicorn.
Mitchell Gant of "Firefox" met and destroyed his double, and in the process, liberated himself. The Harry Callahan of "Sudden Impact" will have a similar experience, meeting himself in female form as the "Dirty Harriet" played by Sondra Locke, though the outcome is radically different. Locke's character, Jennifer Spencer, is an artist divided against herself: at night, she paints tortured, expressionistic self-portraits, which she shows in a San Francisco gallery; during the daylight hours, she is a professional restorer of merry-go-round horses, which she brightens and brings back to life.
But Jennifer's real business in life is seeking revenge for the gang rape she and her younger sister suffered beneath a boardwalk in the California resort town of San Paulo. With her sister in a permanent traumatic coma, Jennifer has tracked down the men who participated in the rape and has begun killing them one by one, shooting them in the genitals and then in the head.
The Harry Callahan of "Sudden Impact" has mellowed considerably since "Dirty Harry." Though he still carries on his one-man war against the scum of San Francisco, he is less liable to employ indiscriminate violence. He is now a tightly controlled, almost emotionless figure, who uses language, not bullets, to assassinate a crime boss who has eluded legal prosecution (breaking into the man's daughter's wedding, he threatens him convincingly enough to give the man a heart attack).
When Harry is attacked by a group of the crime boss's vengeful bodyguards, Eastwood contrasts their sloppy, excessive violence — they pump a few hundred rounds of automatic weapon fire into a dumpster in which they think Harry is hiding — against the detective's pinpoint accuracy and perfect control (the three hoods require precisely three bullets). If his rage is still there, it is now disciplined and focused; his crusade against the "scum of the city" is no longer personal, but something professional and detached, institutionalized and permanent.
He now embodies the law as a theoretical, rational force, rather than as a passionate avenger.
Sent from San Francisco to San Paulo to investigate the first of Jennifer's castration killings, Harry meets on a jogging path without knowing that she is the murderer; he picks her up again in an outdoor restaurant, and they bond over their shared sense of the inadequacy of the legal system ("I bet you're tired of hearing that" "Actually, I don't hear it enough"). But what seems at first to be common ground — has Harry actually found a love interest, to replace the long-dead wife whose murder, pre-"Dirty Harry," touched off his rage? — turns out to be another gulf of separation. He believes in revenge, Harry says, until it breaks the law.
Harry is all retention, repression, control — like the law itself, he is inflexible and distant, a dispassionate instrument of justice. Jennifer's rage is personal, but it also has a timeless, ancient quality. She seems to be standing in for all of the women, from "Coogan's Bluff" to "High Plains Drifter," who were raped in Eastwood films, sometimes for comic effect. Unlike Harry's, her violence is not focused and disciplined, but excessive (the unnecessary second shot) and impulsive. Eastwood plays with the traditional "justice is blind" imagery by emphasizing shots of himself wearing absurdly large, wrap-around sunglasses; Locke, on the other hand, is generally shot with an emphasis on her huge, watery eyes, which almost seem ready to burst from her head. The portraits she paints of herself are all eyes and mouth, screaming cavities at once vulnerable and horrifying.
"Sudden Impact" brings Harry 180 degrees from his original incarnation. He is now the standard-bearer of social values, of law and order over open warfare. Jennifer is the old Harry, and he recognizes her and is frightened by her. Eastwood consistently associates water imagery with Jennifer (the rape takes place by the sea, as do most of her revenge killings), linking her to forces that are large, ancient, fecund and traditionally female. Harry has been given nothing better than a newer, bigger Magnum to port around, just another tin-toy penis in a world that already seems full of them.
Harry is stripped of his gun and pitched into the ocean by the thugs Jennifer is searching for; he is left for dead but (in what has become a favorite Eastwood image) is symbolically reborn when he pulls himself out of the water and emerges on shore. From this point on in the film, he shares in Jennifer's passion.
The great chase and gun battle that follows ends with the principle heavy impaled on the horn of a wooden unicorn — a traditional symbol of virginity that also has obvious phallic overtones. The imagery is hopelessly confused, as is Harry — who, now aware of Jennifer's guilt, impulsively decides to protect her from prosecution. Perhaps this is love, or at least as close as Dirty Harry is able to come to it. But whatever it is, it has required Harry to abandon his most sacred principle — that murder must be punished — and let a perpetrator walk away. His communal values have become irrevocably personal.
The film's final image is a helicopter shot of the bay surrounding the amusement pier where the final confrontation takes place — a phallic promontory dwarfed by the immensity of the ocean. There is a sense of provisional reconciliation, of a fragile, temporary peace — a peace that Harry has achieved by abandoning his principles and with them, his sense of himself.
As a benumbed Harry leads Jennifer away at the end of the film it is difficult to believe that this relationship has much of a future (it feels almost regressive, as if Harry had taken up with the equally vengeful, equally psychotic Evelyn Draper (Jessica Walter) of Eastwood's first film as a director, "Play Misty for Me" (1971). For Eastwood, who fully intended "Sudden Impact" to be the last of the "Dirty Harry" films (before he was coaxed into making "The Dead Pool" in1988), this must have seemed a fittingly final farewell to the character. Harry has finally been beaten, not by a criminal, but by a more ferocious, more feral, more female version of himself. Once again, an Eastwood hero vanishes into the darkness.
Como hoje só fiz pegar emprestado de outros blogs...
... acabo por catar isso aqui do blog do Filipe.
Jacques Rancière sobre Straub e Huillet
Porta-vozes
«São corpos porta-vozes; atestam o que diz o texto e a potência comum da sua escrita. A boca ganha aqui um importância assinalável. O que vemos é antes de mais o trabalho da boca que articula cada sílaba, cada uma das palavras da querela. A maneira como os camponeses sobre-articulam e fazem ressoar as alcunhas e as injúrias do clã contrário. Mas também que essa articulação deve tornar cada uma das sílabas tão sensoriais como os blocos de gelo, a ricota ou o odor das fogueiras de louros (feu de lauriers) de que elas falam. À tradicional mimética expressiva opõe-se uma espécie de equivalência ou igualdade de intensidade. (...) a boca deve a cada vez fazer o esforço de manter a palavra à altura da experiência, à altura comunista da língua. É para o que servem, creio, esse olhos tão frequentemente caídos num caderno que não parecem ler realmente.
Isto supõe uma intervenção única sobre o texto, que consiste não em acrescentar-lhe ou retirar-lhe palavras, mas em endireitá-lo instaurando uma disposição lírica. Danièlle Huillet, com efeito, fez da exposição contínua em prosa de Vittorini um poema em verso livre ou em versículos, que deve ressoar um pouco como uma tradução de Sófocles por Hölderlin ou de Ésquilo por Claudel. É preciso então que a voz se adapte às exigências do poema: exigência de relance perpétuo da voz, de adesão a cada palavra, de igualdade entre intensidade da experiência dita e intensidade verbal.»
Natureza
«A nossa atenção reparte-se entre as coisas ditas pelos lábios daquele que fala e esses acontecimentos de luz que se passam sobre a sua cabeça ou ao lado sobre as folhas mortas. Existem todos estes ruídos que não cessam de se misturar às palavras ou de pontuar os silêncios: cantos de pássaros, zumbidos de insectos, canto do galo ao longe, etc. É o que espanta sempre num filme dos Straub: começa um pouco como em muitos filmes, com pequenos pássaros e ruídos de água. Mas nos filmes normais, trata-se apenas de dar a atmosfera de euforia que deve presidir à visão do filme: em suma, uma captatio benevolentiae sensível. Nos Straub, pelo contrário, continua, nunca pára. A natureza, com efeito, é coisa diferente de um repertório de efeitos euforisantes. É uma potência física, metafísica e mitológica.
(...) A natureza é o que não cessa, mas também o que sem cessar apaga os traços.»
Estar salvo
«História de salvação (...). Nos Straub, um jogo mais complexo se instaura em torno da cantata [de Bach] e da palavra da promessa. À promessa divina continuam a opor uma promessa humana e uma promessa que já se efectuou. Não se deve dizer, como na cantata: aquele que crê será salvo. Deve dizer-se: aquele que crê está salvo. Está salvo na eternidade de um aqui e agora da experiência mantida, tornada palavra de vida. O movimento do filme conduz-nos assim do processo a uma nova eucaristia, à afirmação de uma salvação que já lá está e cuja potência se afirma, no crescendo final, passando pela evocação das fogueiras de louros a essa grande panorâmica ascensional que nos deixa na abertura dos elementos reconciliados e de um comunismo elevado a uma dimensão de eternidade.»
Jacques Rancière sobre Straub e Huillet
Porta-vozes
«São corpos porta-vozes; atestam o que diz o texto e a potência comum da sua escrita. A boca ganha aqui um importância assinalável. O que vemos é antes de mais o trabalho da boca que articula cada sílaba, cada uma das palavras da querela. A maneira como os camponeses sobre-articulam e fazem ressoar as alcunhas e as injúrias do clã contrário. Mas também que essa articulação deve tornar cada uma das sílabas tão sensoriais como os blocos de gelo, a ricota ou o odor das fogueiras de louros (feu de lauriers) de que elas falam. À tradicional mimética expressiva opõe-se uma espécie de equivalência ou igualdade de intensidade. (...) a boca deve a cada vez fazer o esforço de manter a palavra à altura da experiência, à altura comunista da língua. É para o que servem, creio, esse olhos tão frequentemente caídos num caderno que não parecem ler realmente.
Isto supõe uma intervenção única sobre o texto, que consiste não em acrescentar-lhe ou retirar-lhe palavras, mas em endireitá-lo instaurando uma disposição lírica. Danièlle Huillet, com efeito, fez da exposição contínua em prosa de Vittorini um poema em verso livre ou em versículos, que deve ressoar um pouco como uma tradução de Sófocles por Hölderlin ou de Ésquilo por Claudel. É preciso então que a voz se adapte às exigências do poema: exigência de relance perpétuo da voz, de adesão a cada palavra, de igualdade entre intensidade da experiência dita e intensidade verbal.»
Natureza
«A nossa atenção reparte-se entre as coisas ditas pelos lábios daquele que fala e esses acontecimentos de luz que se passam sobre a sua cabeça ou ao lado sobre as folhas mortas. Existem todos estes ruídos que não cessam de se misturar às palavras ou de pontuar os silêncios: cantos de pássaros, zumbidos de insectos, canto do galo ao longe, etc. É o que espanta sempre num filme dos Straub: começa um pouco como em muitos filmes, com pequenos pássaros e ruídos de água. Mas nos filmes normais, trata-se apenas de dar a atmosfera de euforia que deve presidir à visão do filme: em suma, uma captatio benevolentiae sensível. Nos Straub, pelo contrário, continua, nunca pára. A natureza, com efeito, é coisa diferente de um repertório de efeitos euforisantes. É uma potência física, metafísica e mitológica.
(...) A natureza é o que não cessa, mas também o que sem cessar apaga os traços.»
Estar salvo
«História de salvação (...). Nos Straub, um jogo mais complexo se instaura em torno da cantata [de Bach] e da palavra da promessa. À promessa divina continuam a opor uma promessa humana e uma promessa que já se efectuou. Não se deve dizer, como na cantata: aquele que crê será salvo. Deve dizer-se: aquele que crê está salvo. Está salvo na eternidade de um aqui e agora da experiência mantida, tornada palavra de vida. O movimento do filme conduz-nos assim do processo a uma nova eucaristia, à afirmação de uma salvação que já lá está e cuja potência se afirma, no crescendo final, passando pela evocação das fogueiras de louros a essa grande panorâmica ascensional que nos deixa na abertura dos elementos reconciliados e de um comunismo elevado a uma dimensão de eternidade.»
Mau gosto por mau gosto...
http://www.youtube.com/watch?v=Ss75ldY4npM
... troco a Frat Pack por isso aqui em qualquer dia da semana.
E duas vezes nos fins de semana.
Programação TC Dezembro
De Toth, Lang, Arnold, Oswald, Lubitsch, Aldrich, SIMPATHY FOR THE DEVIL, Buster Keaton...
Tá até parecendo um canal de cinema.
...
A UM PASSO DA MORTE (INDIAN FIGHTER) EUA-1955 • De: André De Toth • Com: Kirk Douglas, Elsa Martinelli • 88' • C • TA • CP: 12. Patrulheiro mestiço é encarregado de guiar comboio de criadores de gado por território indígena. TCL Dia 14 às 18h35 – dia 16 às 8h40
AMEAÇA QUE VEIO DO ESPAÇO, A (IT CAME FROM OUTER SPACE) EUA-1953 • De: Jack Arnold • Com: Richard Carlson • 81' • PB • SR • CP: Livre. Em pequena cidade, um escritor e astrônomo amador descobre uma espaçonave, mas ninguém acredita nele. TCL Dia 1º às 11h05 – dia 26 às 11h45 – dia 27 às 3h40
AMOR, PRELÚDIO DE MORTE (A KISS BEFORE DYING) EUA-1956 • De: Gerd Oswald • Com: Robert Wagner, Jeffrey Hunter • 120' • C • V • CP: 12. Mulher rica e recém casada tem todas as razões do mundo para se sentir feliz. Mas as coisas começam a mudar quando decide investigar a misteriosa morte de sua irmã gêmea. TCL Dia 15 às 13h40 – dia 17 às 10h45
ATIREM NO PIANISTA (TIREZ SUR LE PIANISTE) FRA-1960 • De: François Truffaut • Com: Charles Aznavour • 78' • PB • V • CP: 12. Grande pianista teve sua carreira interrompida em virtude do suicídio da esposa. TCL Dia 1º às 9h40 – dia 24 às 16h40 – dia 30 às 17h05
BEIJOS PROIBIDOS (BAISERS VOLÉS) FRA-1968 • De: François Truffaut • Com: Jean-Pierre Léaud • 87' • C • S • CP: 14. Findo o serviço militar, homem retorna à vida civil trabalhando como detetive em uma agência. TCL Dia 31 à 0h30
CHAVES DE CASA, AS (LE CHIAVI DI CASA) ITA/FRA/ALE-2004 • De: Gianni Amélio • Com: Kim Rossi Stuart • 105' • C • TA • CP: 12. Criado pelos tios na Itália, jovem que sofre de deficiências viaja anualmente até hospital de Berlim para terapia. Seu pai aparece para acompanhá-lo pela primeira vez. TCL Dia 11 às 16h10 – dia 13 às 2h20
CLEAN (CLEAN) CAN/FRA-2004 • De: Olivier Assayas • Com: Nick Nolte • 106' • C • D, V • CP: 18. Emily passa seis meses na cadeia quando seu ex-marido morre de overdose. Ao sair, ela larga as drogas e reencontra seu filho, criado pelos pais do rapaz. TCP Dia 11 às 22h – dia 13 às 11h15
CONDENADOS PELO VÍCIO (BARFLY) EUA-1987 • De: Barbet Schroeder • Com: Mickey Rourke, Faye Dunaway • 100' • C • D • N • V • CP: 18. Dois amantes são alcoólatras. Ambos levam a vida de bar em bar até que encontram Tully Sorenson, que se propõem a publicar os poemas de Henry. TCL Dia 14 às 2h25 – dia 16 às 6h15
CONFISSÃO DE TELMA (THE FILE ON THELMA JORDON) EUA-1949 • De: Robert Siodmak • Com: Barbara Stanwyck, Paul Kelly • 120’ • PB • TA • CP: 12. Uma femme fatale acusada de cometer assassinato se envolve com o promotor de justiça do caso. TCL Dia 2 às 14h40 – dia 3 às 5h25
CONQUISTADORES, OS (WESTERN UNION) EUA-1941 • De: Fritz Lang • Com: Robert Young, John Carradine • 95’ • C • V • CP: 12. Homem desiste da vida do crime para trabalhar na empresa de telégrafos ao mesmo tempo que seu irmão planeja sabotá-la. TCL Dia 15 às 20h15 – dia 17 às 14h40
CORAÇÃO DE APACHE (LILIOM) FRA-1934 • De: Fritz Lang • Com: Charles Boyer, Madeleine Ozeray • 118’ • C • SR • CP: Livre. Durante tentativa fracassada de assalto a banco, homem se mata para não ir preso. Chegando ao céu, descobre que só vai conseguir suas asas de anjo se cumprir uma ação específica na Terra. TCL Dia 1º às 19h50 – dia 3 às 14h10
DIABO DISSE NÃO, O (HEAVEN CAN WAIT) EUA-1943 • De: Ernst Lubitsch • Com: Gene Tierney • 112' • C • TA • CP: 12. Homem chega às portas do Inferno, onde tenta convencer o Diabo a deixá-lo entrar. TCL Dia 16 às 13h45 – dia 17 às 5h
GENERAL, A (THE GENERAL) EUA-1927 • De: Clyde Bruckman • Com: Buster Keaton • 76' • PB • SR • CP: Livre. Durante a Guerra da Secessão, maquinista conduz sua locomotiva em missões perigosas após roubá-la do inimigo. TCL Dia 29 às 13h10 – dia 31 às 17h05
GOLPE BAIXO (THE LONGEST YARD) EUA-1974 • De: Robert Aldrich • Com: Burt Reynolds • 105' • C • V • CP: 12. Ex-jogador profissional, agora prisioneiro, é recrutado para formar um time de presos para enfrentar o refinado time dos carcereiros. TCL Dia 27 às 6h45 – dia 30 às 7h45
MULHER PARA DOIS, UMA (JULES ET JIM) FRA-1962 • De: François Truffaut • Com: Jeanne Moreau • 102' • PB • TA • CP: 12. Dois amigos vivem a efervescência das artes e da boemia quando conhecem mulher por quem se apaixonam. TCL Dia 9 à 0h – dia 11 às 22h
PROCURA INSACIÁVEL (TAKING OFF) EUA-1971 • De: Milos Forman • Com: Lynn Carlin • 120’ • C • CP: 14. Durante a busca de sua filha que fugiu de casa, casal conhece outros pais que passaram pela mesma experiência. TCL Dia 22 às 22h – dia 24 às 18h10
REVANCHE DO MONSTRO, A (REVENGE OF THE CREATURE) EUA-1955 • De: Jack Arnold • Com: John Agar • 82' • PB • TA • CP: 12. Dois oceanógrafos capturam estranho ser marítimo, levando-o para ser exposto em um parque aquático. TCL Dia 29 às 16h50 – dia 31 às 9h50
SYMPATHY FOR THE DEVIL (SYMPATHY FOR THE DEVIL) ING-1968 • De: Jean-Luc Godard • Com: Mick Jagger, Bill Wyman • 96’ • C • D • CP: 14. Documentário mescla cenas da banda Rolling Stones e seqüências que abordam a realidade dos agitados anos 60. TCL Dia 3 às 22h – dia 5 às 20h10
UM SÓ PECADO (LA PEAU DOUCE) FRA/POR-1964 • De: François Truffaut • Com: Jean Desailly • 113’ • PB • V • CP: 12. Homem conhece aeromoça durante viagem a Lisboa e os dois se tornam amantes. TCL Dia 26 às 3h50 – dia 28 às 14h10
VOLTA DE FRANK JAMES, A (THE RETURN OF FRANK JAMES) EUA-1940 • De: Fritz Lang • Com: Henry Fonda, Henry Hull • 92’ • C • SR • CP: Livre. Fazendeiro decide fazer justiça com as próprias depois que os assassinos de seu pai foram absolvidos. TCL Dia 8 às 19h45 – dia 10 às 13h50
Tá até parecendo um canal de cinema.
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A UM PASSO DA MORTE (INDIAN FIGHTER) EUA-1955 • De: André De Toth • Com: Kirk Douglas, Elsa Martinelli • 88' • C • TA • CP: 12. Patrulheiro mestiço é encarregado de guiar comboio de criadores de gado por território indígena. TCL Dia 14 às 18h35 – dia 16 às 8h40
AMEAÇA QUE VEIO DO ESPAÇO, A (IT CAME FROM OUTER SPACE) EUA-1953 • De: Jack Arnold • Com: Richard Carlson • 81' • PB • SR • CP: Livre. Em pequena cidade, um escritor e astrônomo amador descobre uma espaçonave, mas ninguém acredita nele. TCL Dia 1º às 11h05 – dia 26 às 11h45 – dia 27 às 3h40
AMOR, PRELÚDIO DE MORTE (A KISS BEFORE DYING) EUA-1956 • De: Gerd Oswald • Com: Robert Wagner, Jeffrey Hunter • 120' • C • V • CP: 12. Mulher rica e recém casada tem todas as razões do mundo para se sentir feliz. Mas as coisas começam a mudar quando decide investigar a misteriosa morte de sua irmã gêmea. TCL Dia 15 às 13h40 – dia 17 às 10h45
ATIREM NO PIANISTA (TIREZ SUR LE PIANISTE) FRA-1960 • De: François Truffaut • Com: Charles Aznavour • 78' • PB • V • CP: 12. Grande pianista teve sua carreira interrompida em virtude do suicídio da esposa. TCL Dia 1º às 9h40 – dia 24 às 16h40 – dia 30 às 17h05
BEIJOS PROIBIDOS (BAISERS VOLÉS) FRA-1968 • De: François Truffaut • Com: Jean-Pierre Léaud • 87' • C • S • CP: 14. Findo o serviço militar, homem retorna à vida civil trabalhando como detetive em uma agência. TCL Dia 31 à 0h30
CHAVES DE CASA, AS (LE CHIAVI DI CASA) ITA/FRA/ALE-2004 • De: Gianni Amélio • Com: Kim Rossi Stuart • 105' • C • TA • CP: 12. Criado pelos tios na Itália, jovem que sofre de deficiências viaja anualmente até hospital de Berlim para terapia. Seu pai aparece para acompanhá-lo pela primeira vez. TCL Dia 11 às 16h10 – dia 13 às 2h20
CLEAN (CLEAN) CAN/FRA-2004 • De: Olivier Assayas • Com: Nick Nolte • 106' • C • D, V • CP: 18. Emily passa seis meses na cadeia quando seu ex-marido morre de overdose. Ao sair, ela larga as drogas e reencontra seu filho, criado pelos pais do rapaz. TCP Dia 11 às 22h – dia 13 às 11h15
CONDENADOS PELO VÍCIO (BARFLY) EUA-1987 • De: Barbet Schroeder • Com: Mickey Rourke, Faye Dunaway • 100' • C • D • N • V • CP: 18. Dois amantes são alcoólatras. Ambos levam a vida de bar em bar até que encontram Tully Sorenson, que se propõem a publicar os poemas de Henry. TCL Dia 14 às 2h25 – dia 16 às 6h15
CONFISSÃO DE TELMA (THE FILE ON THELMA JORDON) EUA-1949 • De: Robert Siodmak • Com: Barbara Stanwyck, Paul Kelly • 120’ • PB • TA • CP: 12. Uma femme fatale acusada de cometer assassinato se envolve com o promotor de justiça do caso. TCL Dia 2 às 14h40 – dia 3 às 5h25
CONQUISTADORES, OS (WESTERN UNION) EUA-1941 • De: Fritz Lang • Com: Robert Young, John Carradine • 95’ • C • V • CP: 12. Homem desiste da vida do crime para trabalhar na empresa de telégrafos ao mesmo tempo que seu irmão planeja sabotá-la. TCL Dia 15 às 20h15 – dia 17 às 14h40
CORAÇÃO DE APACHE (LILIOM) FRA-1934 • De: Fritz Lang • Com: Charles Boyer, Madeleine Ozeray • 118’ • C • SR • CP: Livre. Durante tentativa fracassada de assalto a banco, homem se mata para não ir preso. Chegando ao céu, descobre que só vai conseguir suas asas de anjo se cumprir uma ação específica na Terra. TCL Dia 1º às 19h50 – dia 3 às 14h10
DIABO DISSE NÃO, O (HEAVEN CAN WAIT) EUA-1943 • De: Ernst Lubitsch • Com: Gene Tierney • 112' • C • TA • CP: 12. Homem chega às portas do Inferno, onde tenta convencer o Diabo a deixá-lo entrar. TCL Dia 16 às 13h45 – dia 17 às 5h
GENERAL, A (THE GENERAL) EUA-1927 • De: Clyde Bruckman • Com: Buster Keaton • 76' • PB • SR • CP: Livre. Durante a Guerra da Secessão, maquinista conduz sua locomotiva em missões perigosas após roubá-la do inimigo. TCL Dia 29 às 13h10 – dia 31 às 17h05
GOLPE BAIXO (THE LONGEST YARD) EUA-1974 • De: Robert Aldrich • Com: Burt Reynolds • 105' • C • V • CP: 12. Ex-jogador profissional, agora prisioneiro, é recrutado para formar um time de presos para enfrentar o refinado time dos carcereiros. TCL Dia 27 às 6h45 – dia 30 às 7h45
MULHER PARA DOIS, UMA (JULES ET JIM) FRA-1962 • De: François Truffaut • Com: Jeanne Moreau • 102' • PB • TA • CP: 12. Dois amigos vivem a efervescência das artes e da boemia quando conhecem mulher por quem se apaixonam. TCL Dia 9 à 0h – dia 11 às 22h
PROCURA INSACIÁVEL (TAKING OFF) EUA-1971 • De: Milos Forman • Com: Lynn Carlin • 120’ • C • CP: 14. Durante a busca de sua filha que fugiu de casa, casal conhece outros pais que passaram pela mesma experiência. TCL Dia 22 às 22h – dia 24 às 18h10
REVANCHE DO MONSTRO, A (REVENGE OF THE CREATURE) EUA-1955 • De: Jack Arnold • Com: John Agar • 82' • PB • TA • CP: 12. Dois oceanógrafos capturam estranho ser marítimo, levando-o para ser exposto em um parque aquático. TCL Dia 29 às 16h50 – dia 31 às 9h50
SYMPATHY FOR THE DEVIL (SYMPATHY FOR THE DEVIL) ING-1968 • De: Jean-Luc Godard • Com: Mick Jagger, Bill Wyman • 96’ • C • D • CP: 14. Documentário mescla cenas da banda Rolling Stones e seqüências que abordam a realidade dos agitados anos 60. TCL Dia 3 às 22h – dia 5 às 20h10
UM SÓ PECADO (LA PEAU DOUCE) FRA/POR-1964 • De: François Truffaut • Com: Jean Desailly • 113’ • PB • V • CP: 12. Homem conhece aeromoça durante viagem a Lisboa e os dois se tornam amantes. TCL Dia 26 às 3h50 – dia 28 às 14h10
VOLTA DE FRANK JAMES, A (THE RETURN OF FRANK JAMES) EUA-1940 • De: Fritz Lang • Com: Henry Fonda, Henry Hull • 92’ • C • SR • CP: Livre. Fazendeiro decide fazer justiça com as próprias depois que os assassinos de seu pai foram absolvidos. TCL Dia 8 às 19h45 – dia 10 às 13h50
"Alors, la seconde symphonie de Mahler (Résurrection) a beau planer sur les derniers plans de Stanley et Tracy réunis dans un nouvel optimisme, lorsqu'un arrêt sur l'image vient figer leur élan dans une image de bonheur, quoiqu'en ait Cimino, on a du mal à prendre cela pour happy end. C'est juste une image (de l'Amérique), et l'énergie incroyable que met le film à vouloir y croire est l'énergie du désespoir."
Marc Chevrie, Le point de mire, Cahiers du Cinéma no. 377, novembro 1985
Marc Chevrie, Le point de mire, Cahiers du Cinéma no. 377, novembro 1985
"(...) A obstinação que leva Eastwood a filmar puros e simples arcaísmos, destinados a público nenhum e pegando ostensivamente o contrapé de todos os valores que a Hollywood de hoje coloca como os mais altos, não vem de um ator egocêntrico, de um cineasta azedo ou de um produtor revanchista. Esse cinema familiar, ao lado da fogueira, vagamente elegíaco e inteiramente impregnado de paisagem americana não tem uma utilização polêmica, não pertence a alguém que deseja dar uma lição ou de um nostálgico da velha Hollywood, esse cinema é simplesmente o cinema de Eastwood. E agora tornou-se mais claro, na medida em que ele decidiu não renegar a veia de Bronco Billy mas, ao contrário, aprofundá-la, que todo o resto de sua atividade, talvez mercenária mas nunca desenvolta, se destina apenas a proteger esse pedaço de território. Esse pedaço de terra. Esse bocado de terra. Como Cimino, Eastwood só fala disso. E Honkytonk Man, que se abre justamente com a terra que ocupa todo o espaço, é um filme inteiramente colocado sob o signo da poeira, do ar, dos elementos. Seu único tema, magnífico, é mostrar como a terra dá nascimento à música. Como o solo dá feitio à alma. (...)"
Olivier Assayas, Eastwood in the Country, Cahiers du Cinéma no. 353, novembro 1983
Olivier Assayas, Eastwood in the Country, Cahiers du Cinéma no. 353, novembro 1983
"Hide what the spectator most wants to see" - Ozu
PRECEDENCE
"Twilight makes even very clear handwriting impossible to read" - Goethe
THOSE ENCOUNTERS OF THEIRS
http://kinoslang.blogspot.com/2006/11/scenes-between-ventura-and-vanda-in.html
Trompe-l'œil
DESTRUCTION
Crítica de cinema é isso aí; o resto é molecagem vinda de gente que, em termos de compreensão real de cinema, ainda nem consegue limpar a bunda direito.
PRECEDENCE
"Twilight makes even very clear handwriting impossible to read" - Goethe
THOSE ENCOUNTERS OF THEIRS
http://kinoslang.blogspot.com/2006/11/scenes-between-ventura-and-vanda-in.html
Trompe-l'œil
DESTRUCTION
Crítica de cinema é isso aí; o resto é molecagem vinda de gente que, em termos de compreensão real de cinema, ainda nem consegue limpar a bunda direito.
sexta-feira, 1 de dezembro de 2006
Andei lendo um pouco de crítica hoje, e bem, a coisa toda parece a paródia de algum concurso de poesias.
Mas uma paródia ruim, dessas tipo CASSETA & PLANETA.
Dá licença... Crítica de cinema É outra coisa sim.
Mas uma paródia ruim, dessas tipo CASSETA & PLANETA.
Dá licença... Crítica de cinema É outra coisa sim.
"La seule certitude est donc l'absence de toute certitude, même si Stanley n'est pas pour rien l'axe narratif du film et que c'est en lui que Cimino, finalement, implique évidemment le plus de lui-même (de son individualisme vidorien, de son côté seul contre tous). Car Cimino filme d'un lieu, l'Amérique, mais pas d'un point de vue stable et unique qui serait celui du film: il filme, comme une image, l'idéologie des groupes qu'il filme et le point de vue des personnages qui représentent ces groupes et sont porteurs de ces idéologies."
The Thing
Capsule by Dave Kehr
From the Chicago Reader
Though the nominal director is Christian Nyby (who was still toiling away at TV movies in the mid-80s), this 1951 science fiction classic is steeped in the personality of its producer, Howard Hawks. The special effects are largely limited to the rubber suit worn by James Arness in the title role, but the film has more frissons than most of today's mega-budget productions, simply because it has the grace to construct a meaningful situation and coherent characters. With Robert Cornthwaite, Kenneth Tobey, and Margaret Sheridan. 85 min.
From the Chicago Reader
Though the nominal director is Christian Nyby (who was still toiling away at TV movies in the mid-80s), this 1951 science fiction classic is steeped in the personality of its producer, Howard Hawks. The special effects are largely limited to the rubber suit worn by James Arness in the title role, but the film has more frissons than most of today's mega-budget productions, simply because it has the grace to construct a meaningful situation and coherent characters. With Robert Cornthwaite, Kenneth Tobey, and Margaret Sheridan. 85 min.
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O filme que inventou a Nova Hollywood - e talvez o primeiro portador dos sintomas daquilo que vários cineastas, alguns dos mais estimáveis inclusive (Ruiz, Cronenberg, Skolimowski), passariam o restante dos anos 80 e 90 diagnosticando.
Trata-se obviamente da questão maneirista; não à toa o Godard rompeu relações com seu partner italiano após este filme.
O certo é que nunca mais o Bertolucci foi tão longe; ele foi a tal ponto ultrapassado pelo que conseguiu aqui que já à altura de O ÚLTIMO TANGO todas as suas tentativas soam obsoletas ou simplesmente anêmicas (quando não puramente obscenas). E o pior é que quanto mais vida ele tenta reinjetar no seu cinema (O PEQUENO BUDA, OS SONHADORES), mais seus filmes soam falsos, pútridos, diluidores e decadentes.
De qualquer forma, logo em DVD.
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